Journaliste, auteur et consultant, Jean-Éric Perrin est un spécialiste des musiques actuelles et des mouvements sociaux et culturels qui leur sont associés. Auteur d'une vingtaine d'ouvrages, il a par ailleurs été producteur et animateur de radio (RFI) et auteur de documentaires (Canal +), France 5, France 3).Pilier de Rock & Folk, il a ensuite créé et dirigé le premier magazine de rap en France, puis a été rédacteur en chef de l'édition française de Rolling Stone.

Jérôme Rey a débuté comme producteur à Radio Nova, notamment avec Karl Zéro et Jean-Yves Lafesse, avant de travailler de longues années dans le monde du disque (spécialité : les rééditions des classiques du rock). Souhaitant mêler sa passion pour les livres à celle de la musique, il est le co-créateur en 1997 de la collection Librio Musique. Il se consacre aujourd'hui aux traductions.

Gilles Verlant est auteur de nombreux ouvrages sur le rock, la chanson, la télévision, les médias, etc. Déjà homme de télévision et de presse en Belgique, son pays d'origine, il travaille en France depuis plus d'un quart de siècle : télé (« Rapido », avec Antoine de Caunes ; « Nulle Part Ailleurs », avec Philippe Gildas ; « Taratata », avec Nagui, etc.), radio (« L'Odyssée du rock » sur Ouï FM, « L'Intégrale Beatles » puis « La Scandaleuse Histoire du rock » sur France Bleu), directeur de collections, etc. Sa biographie de Serge Gainsbourg fait autorité.

Jean-Éric Perrin,
Jerôme Rey, Gilles Verlant

LES
MISCELLANÉES
DU ROCK

Fetjaine

Introduction

Dans Le Nouveau Petit Robert 2008, on lit ceci : « Miscellanées n. f. pl. – 1570 (latin miscellanea “choses mêlées”, adj. subst., de miscere “mêler”). DIDACT. Mélanges scientifiques ou littéraires. »

Au fil des siècles, on a écrit des miscellanées sur plein de sujets (c’est le principe), même les plus abscons.

Des érudits, dans les domaines les plus variés, ont cru bon d’étaler leur science avec une rare outrecuidance. Alignant des anecdotes, déroulant des listes, exhibant sans fard leur côté « je suis un gros malin et je le montre ». En règle générale, on est effaré par la vacuité de ces miscellanées qui, visiblement, n’ont fait plaisir qu’à leurs auteurs. On patauge dans le trivial, l'énumération gratuite, la facétie à deux balles. Les ayant parcourues, on referme l’ouvrage en se demandant : « Mais qu’ai-je appris ? À quoi cela peut-il me servir ? »

Il était temps de donner du sens aux miscellanées, de leur rendre leurs lettres de noblesse. Se sentant investis d’une véritable mission civilisatrice, trois courageux auteurs se sont consacrés durant de longues années à l’élaboration de l’ouvrage que vous tenez entre les mains. Vêtus de leurs robes de bure, tels des moines cénobites, partageant leur temps entre la prière et d’harassantes séances de travail, au péril de leur santé mentale et physique, ils ont inlassablement rassemblé, compilé, classé les informations les plus cruciales sur un domaine qui n’avait jamais, jusqu’alors, fait l’objet d’une étude aussi approfondie.

Trois millénaires de civilisation occidentale pour en arriver aux Miscellanées du rock : on a bien fait d’attendre.

Led Zeppelin et
les Rolling Stones au
96-98 St. Mark’s Place

Vous connaissez tous la pochette du double album vinyle « Physical Graffiti » de Led Zeppelin (1975), où l’on voit un immeuble new-yorkais, un brownstone symétrique de quatre étages (cinq, en fait, dans la vraie vie, mais il fallait respecter le format carré de la pochette). Celui-ci est situé à Manhattan, au 96-98 St. Mark’s Place, l’endroit choisi en 1981 par Michael Lindsay-Hogg (également réalisateur du Let It Be des Beatles) pour filmer la vidéo de Waiting on a Friend, une chanson de l’album « Tattoo You » des Rolling Stones. On y voit au début Mick Jagger assis sur le perron de l’immeuble en question, aux côtés du chanteur jamaïcain Peter Tosh (qui fait de la figuration), en train de chanter qu’il attend un ami. En l’occurrence Keith Richards qui le rejoint bientôt…

Comme une pierre 
qui roule 

Like a Rolling Stone, BOB DYLAN

Daddy Rolling Stone, THE SMALL FACES

Papa Was a Rolling Stone, THE TEMPTATIONS

Rollin’Stone ; THE KINGSTON TRIO

Rolling Stone, MUDDY WATERS

The Cover of the Rolling Stone, DR. HOOK

(mais là, ça concerne le magazine américain)

Le club des 27

Ils sont tous les quatre morts à l’âge de 27 ans seulement. Des T-shirts sont désormais édités à leur effigie sous le slogan « The 27 Club ». Ils se nomment Jimi Hendrix (mort en septembre 1970), Janis Joplin (un mois après Jimi), Jim Morrison (1971) et Kurt Cobain (suicidé en 1994).

Les plus longs titres
d’albums de l’histoire
du rock

« Most of the Remixes We’ve Made for Other People Over the Years Except for the One for Einstürzende Neubauten Because We Lost It and a Few We Didn’t Think Sounded Good Enough Or Just Didn’t Fit In Length-wise, But Including Some That Are Hard to Find Because Either People Forgot About Them Or Simply Because They Haven’t Been Released Yet, A Few We Really Love, One We Think Is Just OK, Some We Did for Free, Some We Did for Money, Some for Ourselves Without Permission and Some for Friends as Swaps But Never on Time and Always at Our Studio In Ghent », par Soul Wax (1999).

« When The Pawn Hits the Conflicts He Thinks Like a King What He Knows Throws the Blows When He Goes to the Fight and He’ll Win the Whole Thing ’Fore He Enters the Ring There’s Nobody to Batter When Your Mind Is Your Might So When You Go Solo You Hold Your Own Hand and Remember That Depth Is the Greatest of Heights and If You Know Where You Stand Then You Know Where to Land and If You Fall It Wont Matter ’Cuz You'll Know That You’re Right », par Fiona Apple (1999).

« My People Were Fair and Had Sky In Their Hair… But Now They’re Content to Wear Stars on Their Brows », par Tyrannosaurus Rex (avec Marc Bolan, 1968).

Dans la série
« gros malins »

En 1978, le groupe anglais XTC (avec à sa tête le pur génie Andy Partridge) publie son deuxième album, « Go 2 ». Pour se moquer (déjà !) de la dictature du marketing, au lieu d’une belle photo du groupe ou d’un beau design flashy qui attire le regard, la pochette ne comporte que du texte, façon machine à écrire, en blanc sur fond noir. En espérant que vous pigez l’anglais (sinon, voyez la note de bas de page), ça dit ceci :

« This is a RECORD COVER. This writing is the DESIGN upon the record cover. The DESIGN is to help SELL the record. We hope to draw your attention to it and encourage you to pick it up. When you have done that maybe you’ll be persuaded to listen to the music – in this case XTC’s Go 2 album. Then we want you to BUY it. The idea being that the more of you that buy this record the more money Virgin Records, the manager Ian Reid and XTC them-selves will make. To the aforementioned this is known as PLEASURE. A good cover DESIGN is one that attracts more buyers and gives more pleasure. This writing is trying to pull you in much like an eye-catching picture. It is designed to get you to READ IT. This is called luring the VICTIM, and you are the VICTIM. But if you have a free mind you should STOP READING NOW ! Because all we are attempting to do is to get you to read on. Yet this is a DOUBLE BIND because if you indeed stop you’ll be doing what we tell you, and if you read on you’ll be doing what we’ve wanted all along. And the more you read on the more you’re falling for this simple device of telling you exactly how a good commercial design works. They’re TRICKS and this is the worst TRICK of all since it’s describing the TRICK whilst trying to TRICK you, and if you’ve read this far then you’re TRICKED but you wouldn’t have known this unless you’d read this far. At least we’re telling you directly instead of seducing you with a beautiful or haunting visual that may never tell you. We’re letting you know that you ought to buy this record because in essence it’s a PRODUCT and PRODUCTS are to be consumed and you are a consumer and this is a good PRODUCT. We could have written the band’s name in special lettering so that it stood out and you’d see it before you’d read any of this writing and possibly have bought it anyway. What we are really suggesting is that you are FOOLISH to buy or not buy an album merely as a conséquence of the design on its cover. This is a con because if you agree then you’ll probably like this writing – which is the cover design – and hence the album inside. But we’ve just warned you against that. The con is a con. A good cover design could be considered as one that gets you to buy the record, but that never actually happens to YOU because YOU know it’s just a design for the cover. And this is the RECORD COVER(1). »

La blague continue au verso (« This is the back of a RECORD COVER. Catalogue N°V2108… »), sur la pochette intérieure (« This is an inner sleeve or bag of an album called Go 2 with a catalogue number of V2108 ») et sur le label du 33 tours (« This is a LABEL. This writing is known as the LABEL COPY »), etc. (suivent 25 lignes de texte). Quand l’album « Go 2 » est ressorti en CD quelques années plus tard, toujours aussi ricanant, le groupe a modifié le premier texte : « This is a COMPACT DISC COVER This writing is the DESIGN upon the compact disc cover… » Ah, les gros malins !

Le plus long titre
de chanson jamais enregistrée

The Sad But True Story of Ray Mingus, the Lumberjack of Bulk Rock City, and His Never Slacking Stribe in Exploiting the So Far Undiscovered Areas of the Intention to Bodily Intercourse From the Opposite Species of His Kind, During Intake of All the Mental Condition That Could Be Derived From Fermentation, par le groupe suédois Rednex.

Quelques top models qui ont
(un temps) préféré des héros du rock
à ceux de la finance, du cinéma
ou de la formule 1, voire les ont épousés…

Naomi Campbell : est sortie avec Adam Clayton (bassiste de U2, Robbje Williams, Usher…).

Rachel Hunter : Rod Stewart, Robbie Williams.

Penny Lancaster : Rod Stewart.

Kate Moss : Pete Doherty (Babyshambles), Evan Dando (Lemonheads), Bobby Gillespie (Primal Scream), Jamie Hince (The Kills), etc.

Elle McPherson : Bryan Adams.

Lily Cole : Bryan Ferry.

Jerry Hall : Bryan Ferry, Mick Jagger.

Iman : David Bowie.

Liv Tyler : Evan Dando (Lemonheads), Royston Langston (Space Hog).

Karen Elson : Jack White (White Stripes).

Paulina Porzikova : Ric Ocasek (The Cars).

Carmen Electra : Dave Navarro (Red Hot Chili Peppers).

Caroline Murphy : Brendan Boyd (Incubus).

Noémie Lenoir : Stomy Bugsy.

Stephanie Seymour : Axl Rose (Guns N’Roses), Tommy Andrews.

Tatjana Patitz : Seal.

Yasmin Le Bon : Simon Le Bon (Duran Duran).

Joy Bryant : Usher (50 Cent).

Milla Jovovitch : Sean Lennon, John Frusciante (Red Hot Chili Peppers).

Petra Newcova : James Blunt.

Eva Herzigova : Tico Torres (Bon Jovi).

Carla Bruni : Eric Clapton, Mick Jagger, Louis Bertignac…

Helena Christensen : Michael Hutchence (INXS).

Frankie Rayder : Flea (Red Hot Chili Peppers).

Devon Aoki : Lenny Kravitz.

Christie Brinkley : Billy Joel.

Irina Lazareanu : Sean Lennon, Pete Doherty (Babyshambles).

Tyra Banks : Seal.

Heidi Klum : Seal (il l’a épousée, en prime !).

Et la liste s’allonge chaque jour…

Les cinq chansons
de Bob Dylan
les plus reprises

Blowin’ in the Wind : 317 versions connues (les plus célèbres par Peter, Paul & Mary, Marianne Faithfull, les Hollies, mais aussi par Elvis Presley et Marlène Dietrich).

Mr. Tambourine Man : 218 versions connues (par les Byrds, bien sûr, mais aussi Judy Collins et même, sous forme déclamée, par William Shatner de la série Star Trek).

All Along the Watchtower : 206 versions connues (celle de Jimi Hendrix est plus connue que l’originale par Dylan, qui figure sur l’album « John Wesley Harding » et qu’il n’a jamais publiée sous forme de single ; la version live par les Irlandais de U2 sur l’album « Rattle & Hum » vaut le détour).

I Shall Be Released : 179 versions connues (la meilleure par The Band, qui accompagnait Dylan sur scène, sur leur premier album « Music From Big Pink » ; celle de Joan Baez est un classique, et Bette Midler la chantait sur scène dans les années 1970 en la dédiant à son public essentiellement gay).

Knockin’ on Heaven’s Door : 146 versions connues (soft-rock par Eric Clapton, hard-rock par Guns N’Roses, pop-ado par Avril Lavigne… La version par Warren Zevon est parue quinze jours avant sa mort, alors qu’il se savait condamné, soit juste avant de s’en aller toquer à la porte du paradis).

Quelques reprises
de Bob Dylan,
oui, mais par des Français, cette fois…

Si tu dois partir (If You Gotta Go, Go Now), par Bijou.

Masters of War, par Valérie Lagrange.

Just Like a Woman, par Charlotte Gainsbourg.

S’abriter de l’orage (Shelter From the Storm), par Francis Cabrel.

Elle m’appartient (c’est une artiste), par Francis Cabrel.

She Belongs to Me, par Bashung.

Écoute dans le vent, par Richard Anthony.

Gotta Serve Somebody, par Axelle Red.

Cauchemar psychomoteur, par Paul Personne et Hubert-Félix Thiéfaine.

It’s All Over Now Baby Blue, par Pascal Comelade.

Knockin’on Heaven’s Door, par Patrick Coutin.

Sans oublier tout l’album « Hugues Aufray chante Dylan » paru en 1965 où, sur des textes adaptés en français par Pierre Delanoë, il reprenait Mr. Tambourine Man (L’Homme-orchestre), It Ain’t Me, Babe (Ce n’était pas moi), etc. Sa passion pour Dylan est restée intacte par la suite, il en a repris pas mal d’autres titres (dont Knock Knock ouvre-toi porte d’or), jusqu’à réaliser son rêve en 1984 : chanter avec son idole sur scène The Times They Are A-Changin’ !

Les dix noms de groupes folk
français les plus énervants des années
1970

Claque Galoche, Perlimpinpin Folc, Géranium, La Chifonie Folk, Tri Yann, La Bamboche, Mélusine, Gwendal, les Sœurs Goadec et Sourdeline.

Les dix instruments
énervants préférés des groupes
folk énervants des années 1970

Viole, dulcimer, mandoloncelle, accordéon diatonique, biniou, vielle à roue, ciariclarou, épinette des Vosges, cromorne et blugneau.

Quelques groupes pop français des
années 1970
avec un nom rigolo

Au Fond du Couloir à Gauche, Moving Gelatine Plates, Albert et sa Fanfare Poliorcétique, Crium Delirium, Les Crouille Marteau, Défi Sciences Mentales, Étron Fou Leloublan, Fille Qui Mousse, Tac Poum System, Guidon Edmond & Clafoutis, Lard Free, Treponem Pal, Wapassou, Zig-Zag Community, Catharsis, Cruciferius, Chico Magnetic Band, Le Système Crapoutchik, Komintern, Herbe Rouge, et bien sûr le fameux Debil Deroulede Band.

Mythiques et minables
festivals français

Aux États-Unis, ils avaient eu le festival pop de Monterey (en 1967) puis celui de Woodstock (en 1969). En Grande-Bretagne, celui de l’île de Wight. À l’époque, la presse de droite française s’en inquiète : « Le cyclone hippie se rapproche ! » titre Paris-Match. Dès les premiers jours d’octobre 1969, l’opinion est alertée : « Un jeune Grec appelle les hippies à envahir Saint-Cloud ! » Associé à Eddie Barclay, Jean Karakos (cofondateur du label Byg et du mensuel Actuel) veut en effet organiser le premier festival pop en France. On imagine d’ici la bourgeoisie clodoaldienne en émoi, les parents des sages enfants en uniforme des écoles Saint-Joseph (garçons) et Saint-Pie-X (filles) brandissant leurs missels et leurs crucifix. L’affaire est promptement annulée ; Karakos se tourne alors vers la mairie de Courtrai, dans les Flandres belges, puis d’Amougies, dans le Hainaut. C’est là que se tient finalement le festival, cinq jours durant, à la fin du mois d’octobre. Dans Rock & Folk, Paul Alessandrini fait le bilan : « On voulait faire qu’Amougies fût la réunion de tous les hippies de cette partie de l’Europe ; sous-entendu : drogue, sexe, etc. Les photographes à sensation étaient à leurs postes, les premiers jours, langue pendante, haletants, à la recherche de ce qui les fait bassement vivre : le scandale. Et puis, rien ; quelques milliers de jeunes venus là, affrontant des conditions déplorables, pour écouter de la musique. »

Toutes sortes de musiques en l’occurrence. Y compris du free jazz, mais aussi Gong, Soft Machine, Yes, Pink Floyd et Frank Zappa (venu seul, sans son groupe, et s’invitant sur scène selon son bon vouloir).

Aucun incident à signaler : pendant des années encore, pourtant, les autorités vont se méfier des festivals en France (rappelons qu’Amougies se situe de l’autre côté de la frontière, en Belgique). En 1970, chacun voudra lancer son petit Woodstock : les désastres vont se succéder, au Bourget (un festival dans un hall en béton non chauffé, à la fin de l’hiver), puis à Valbonne, Aix-en-Provence et Biot où les groupes annulent les uns après les autres quand ils découvrent qu’ils ne seront pas payés, faute de spectateurs… En 1971, il y aura aussi le festival gratuit d’Auvers-sur-Oise, sponsorisé par le créateur de mode Jean Bouquin (qui avait fait fortune sur la fripe hippie) et « organisé » par le même Karakos. On avait annoncé Grateful Dead, Jefferson Airplane, les Rolling Stones : tout fut annulé en raison de la pluie. Ça tombait bien, les vedettes n’étaient pas venues non plus. Échecs cuisants, flops retentissants, chaos et désorganisation à tous les étages : en France, on ne savait pas faire (à l’époque), c’est tout…

Mouvements éphémères

À l’aube des années 1970 naissent en France de nombreux mouvements marginaux bien décidés à libérer la pop music ; parmi tous ces jeunes agités, fervents défenseurs de la gratuité des concerts, le FLIP (Front de libération de la pop ou Force de libération et d’intervention pop) réunit des groupes non pas bruitistes, mais en tout cas bruyants (et chiants comme la pluie) tels que Komintern (fondé sur les cendres de Red Noise et auteur d’un unique album intitulé « Le Bal du rat mort », tout un programme), Mahjun, Dagon (animé par Jean-Pierre Lentin, par ailleurs excellent journaliste pop du mensuel Actuel à la même époque), Hypo Campus, Délire Démentiel, Indestructible Chaos Rampant, le Tac Poum Système, Dr. Feelgood & the Acid Potion, les Dickens Royal Incarnation (de Besançon) et les inénarrables Moving Gelatine Plates.

Parmi les déclarations enflammées de ces jeunes contestataires agités et chevelus : « Nous sommes un certain nombre dans la pop à vouloir tirer les leçons de l’été pop 1970. Interdits ou tolérés, sabotés ou sabordés, “maudits” (le festival de Biot) de toute façon, les festivals ont montré la force du mouvement pop parmi les jeunes. Le fiasco qu’ont connu les festivals spectaculaires et marchands façon bourgeoise ne signe pas l’échec de la pop en France. Ce qu’il montre, c’est ce que les jeunes ne veulent plus : pour eux, la pop, c’est autre chose qu’un marché, c’est une nouvelle façon de vivre qui passe nécessairement par la contestation radicale de la société bourgeoise, de ses lois, de l’aliénation qu’elle sécrète et qui, hydre à mille têtes, nous étouffe tous ! » Quelle époque épique…

Dix drogues
largement consommées dans
les années 1970 par les fans de rock
et leurs idoles (2)

1969 : LSD (démodé dès 1974, reviendra vers 1978, mélangé avec du speed).

1970 : angel dust (calmant vétérinaire, fait des ravages sur la côte Ouest : suicides, autocannibalisme, etc.).

1971 : Mandrax (calmant favori des décadents new-yorkais, explosif avec du whisky).

1972 : Quaalude ou STP (calmants).

1973 : héroïne (pour junkies en manque : le Dilaudid – ou Dilosal –, à l’origine de nombreux casses de pharmacies).

1974 : sulfate de cocaïne (ancêtre du crack, très prisé par la scène pub-rock).

1975 : Dipertrol (a fait de sévères dégâts, se prend en shoot).

1976 : Captagon, Dynintel et Fringanor (pilules coupe-faim bouffées à la louche par les punks). Mis sur le marché en 1932, largement utilisé par l’armée américaine lors de la Seconde Guerre mondiale pour empêcher ses soldats de s’endormir, le speed, alias benzédrine, était la drogue de choix des keupons avant de se refaire une jeunesse avec les techno freaks, qui sont à peu de chose près les mêmes…

1977 : speed en poudre (la cocaïne du pauvre, se sniffe).

1978 : codéine (dérivé de morphine, notamment dans la Codétyline et le Néocodion, encore en vente libre à l’époque).

1979 : cocaïne (annonce les années 1980 !).

Feel Good Hit
of the Summer
par The Queens of the Stone Age
(2000)

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

C-c-c-c-c-cocaine C-c-c-c-c-cocaine C-c-cocaine C-c-c-c-c-cocaine

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol !

C-c-c-c-c-cocaine C-c-c-c-c-cocaine C-c-cocaine C-c-c-c-c-cocaine (bis)

Quelques chansons
qui parlent de drogues
(d’aucuns prétendent que certains musiciens rock
en consommeraient, mais heureusement
c’est une minorité…) (3)

D'abord on ne se méfie pas assez, on commence par les drogues de Monsieur Tout-le-monde, façon Cigarettes and Alcohol (Oasis), La Bière ou Du beaujolais (Garçons Bouchers). Puis on fume des drogues douces, avec la Hash Pipe de Weezer, de la Marijuana avec The Fugs, de la Kaya avec Bob Marley, du Cannabis avec Nino Ferrer, en écoutant l’album « Première récolte » du groupe reggae français Sinsemilia… Et en moins de deux on devient un Ganja Man, comme disait Lee Scratch Perry. À ceux qui essaient de se garder le tarpé pour eux tout seuls on dit Don’t Bogart That Joint avec The Fraternity of Man (voir la BO d’Easy Rider). On commence à voir des trucs bizarres, des Lucy in the Sky With Diamonds (The Beatles), on se met à retaper des trous (Fixing a Hole, Beatles), voire à les compter pour savoir combien il en faut pour remplir le Royal Albert Hall (A Day in the Life, Beatles), en apercevant des filles arc-en-ciel (She’s a Rainbow, The Rolling Stones). Juste avant de partir, Neil Young a dit Roll Another Number for the Road, puis on s’est mis à planer Eight Miles High avec les Byrds, vraiment Hi, Hi, Hi (Paul McCartney & Wings), et on a vu des lapins d’Alice au Pays des Merveilles (White Rabbit, Jefferson Airplane) tandis que notre copain Antoine nous disait des trucs bizarres, comme Un éléphant me regarde…

Et puis on est passé à autre chose, en chantant I Want a New Drug avec Huey Lewis on a voulu essayer toutes sortes de Drugs (Talking Heads), dans un brouillard pourpre (Purple Haze, Jimi Hendrix). On a tenté des trucs : de la colle avec les Ramones (Now I Wanna Sniff Some Glue), des champignons avec Billy Ze Kick (Mangez-moi !), du Spécial K avec Placebo (non, pas les céréales), du £SD avec les Pretty Things. On s’est senti pousser des ailes, comme un SpeedKing de Deep Purple. On a rencontré des dealers sympas, le Dr. Robert des Beatles, le Dr. Feelgood de Mötley Crüe, le Pusher de Steppenwolf, le Pusherman de Curtis Mayfield, le Kid Charlemagne de Steely Dan, même s’il nous arrive de devoir attendre le mec, comme Lou Reed (l’m Waitingfor the Man). Chez une fille sympa, Amphetamine Annie (Canned Heat), on a trouvé le bon rail en écoutant le Cocaine d’Eric Clapton (et J. J. Cale). Bientôt la poudre nous est montée au cerveau, comme Dillinger (Cokane in My Brain), on s’est mis à lui parler, comme à une femme, comme à la White Lady White Powder d’Elton John, en se demandant What Am I Going to Do With You Girl avec Lamont Dozier. Puis la descente est survenue, rapide, on a eu le fameux Cocaine Blues chanté tant par Johnny Cash que par Jackson Browne. D’autres ont pris des risques avec la dangereuse Sister Morphine de Marianne Faithfull et des Rolling Stones, puis la blanche Heroin du Velvet Underground, le Golden Brown des Stranglers, les Chinese Rocks de Johnny Thunders & the Heartbreakers, le Monkey de Mink DeVille, ce flash qui explose quand l’aiguille de la seringue libère son poison : There She Gœs, chantent les La’s…

Mais le réveil est rude : I Had Too Much to Dream Last Night, disaient déjà les Electric Prunes au siècle dernier. Alors on décide de descendre du Drug Train des Cramps, parce que l’aguille fait trop de dégâts, c’est Neil Young qui l’a dit (The Needle and the Damage Done). Et quand le soleil se couche avec les Chemical Brothers (Setting Sun), il est temps d’aller en Rehab avec Amy Winehouse et de dire avec Stupeflip J’fume pu d’shit parce que, de toute façon, The Verve l’a chanté, The Drugs Don’t Work…

Il y a des fois où

il aurait mieux valu

ne pas monter dans

un aéroplane

• Otis Redding : le 10 décembre 1967, son avion s’abîme dans le lac Monona à Madison, Wisconsin. Âgé de 26 ans, l’étoile montante du rhythm’n’blues disparaît dans les eaux glacées, avec quatre membres de son groupe, les Bar-Kays, dans un avion privé loué pour gagner du temps entre deux dates de sa tournée.

• Stevie Ray Vaughan : Guitar Hero sudiste, au chapeau de cow-boy et à l’éternelle Stratocaster élimée, Stevie Ray Vaughan sort de scène où il vient de se produire avec ses pairs du blues (son frère Jimmy Vaughan, Eric Clapton, Robert Cray, Buddy Guy). Il monte dans un hélicoptère qui doit l’emmener à Chicago, mais il ne dépassera pas East Troy, Wisconsin. Il a 35 ans et disparaît le 27 août 1990.

• Ricky Nelson : le 31 décembre 1985, Ricky Nelson (45 ans), un temps rival d’EIvis Presley, s’écrase à De Kalb, Texas, après un show en Alabama, et en route pour un autre, à Dallas, Texas. La rumeur a longtemps prétendu que le rocker était en train de se cuisiner un remontant poudré, quand il aurait mis le feu à l’appareil, causant sa chute et la mort de son groupe et de l’équipage. L’enquête aurait néanmoins officialisé un problème mécanique.

• Buddy Holly (de son vrai nom Charles Hardin Holley) : Le Jour où la musique est morte ! C’est le titre d’un journal qui narre le crash fatal du 3 février 1959. L’avion qui s’écrase à Clear Lake, à cause d’une tempête de neige, emporte vers l’infini Richie Valens (17 ans), immortel auteur de Donna et d’une version-étalon de La Bomba, Big Bopper (29 ans), connu pour son hit Chantilly Lace, et Buddy Holly (22 ans), immortel créateur de Peggy Sue et That’Il Be the Day, inspirateur des Beatles et de nombreux artistes qui lui succéderont.

• Aaliyah : l’adorable chanteuse américaine de R’n’B Aaliyah vient de tourner un clip dans une île des Caraïbes, elle doit vite rejoindre en Australie le tournage de Matrix. L’avion qui transporte son entourage et l’équipe du tournage de Rock the Boat s’écrase dans la jungle, le 25 août 2001. Elle avait 22 ans. On a dit que le petit appareil était en surcharge, à cause de toutes les valises de fringues qu’elle avait tenu à emporter…

• Lynyrd Skynyrd : c’est le 20 octobre 1977 que Ronnie Van Zandt, et l’essentiel de son groupe de rock boogie sudiste et fier de l’être, s’écrase à Gillsburg, Mississippi. Le groupe de Floride s’était fait connaître avec Sweet Home Alabama, hymne au drapeau confédéré !

• Randy Rhoads : guitariste californien, un temps membre de Black Sabbath, Randy s’écrase le 9 mars 1982 sur un hangar, lors d’une balade en avion proposée par un pilote cocaïnomane notoire, qui par ailleurs était chauffeur du bus de la tournée !

Les quinze meilleures
reprises enregistrées par
Bruce Springsteen (4)

1. Quarter to Three, de GARY U. S. BONDS

2. War, d’EDWIN STARR

3. Santa Claus is Coming to Town, d’EDDIE CANTOR

4. Devil With a Blue Dress on (Medley), de MITCH RYDER & THE DETROIT WHEELS

5. Give My Love to Rose, de JOHNNY CASH

6. Merry Christmas Baby, de JOHNNY MOORE’S THREE BLAZERS

7. Chimes of Freedom, de BOB DYLAN

8. Trapped, de JIMMY CLIFF

9. Jersey Girl, de TOM WAITS

10. Gypsy Woman, de CURTIS MAYFIELD

11. Viva Las Vegas, D’ELvis PRESLEY

12. Plane Wreck at Los Gatos (Deportee), de WOODY GUTHRIE

13. I Ain’t Got No Home, de WOODY GUTHRIE

14. Raise Your Hand, D’EDDIE FLOYD

15. Chicken Lips and Lizard Hips, de JOHN & NANCY CASSIDY

une corde pour
me pendre…

Les suicides de rock stars sont chose fréquente, mais ceux-là ont choisi la bonne vieille corde, comme n’importe quel paysan dépressif, plutôt que la surdose chimique ou le 6,35…

• Badfinger : cas unique, deux membres de ce groupe, lancé (en vain) par le label Apple des Beatles, se sont suicidés par pendaison : Pete Ham, le compositeur principal, à 25 ans en avril 1975, et Tom Evans, à 35 ans, après des tentatives avortées de retour aux affaires, en novembre 1983.

• Roy Buchanan : guitariste volubile, auteur de nombreux albums en solo ou avec divers groupes, dépressif chronique et alcoolique, Roy se pend dans une cellule de son Alabama natal, à 48 ans, en août 1988.

• Ian Curtis : le chanteur légendaire de Joy Division a 23 ans quand il se pend, chez lui, à Manchester, en mai 1980, à la veille de s’embarquer pour la première tournée américaine de son groupe. Il laisse une femme et un enfant, une maîtresse, et deux albums devenus mythiques. Un film lui a été consacré, Control, en 2007, réalisé par le photographe Anton Corbijn.

• Michael Hutchence : beau, riche, célèbre, le chanteur du groupe australien INXS, populaire à travers la planète, se pend avec sa ceinture à 37 ans, en novembre 1997, dans une chambre d’hôtel à Sydney. On a longtemps parlé d’un jeu sexuel solitaire qui aurait mal tourné…

• Rozz Williams : chantre du métal gothique, avec son groupe Christian Death, le chanteur morbide se pend dans son appartement de West Hollywood, à 34 ans, le 1eravril 1998, alors qu’il terminait l’enregistrement d’un album. Un autre musicien de death metal, Steve MacDonald, batteur du groupe canadien The Gorguts, se pend lui aussi, en 2002.

• Chris Acland : le batteur du groupe pop londonien Lush, auteur de trois albums et quelques succès d’estime, se pend dans la cuisine de ses parents en octobre 1996, à 30 ans, mettant fin de façon drastique à la carrière de son groupe.

• James Lawrence : le guitariste du groupe britannique Hope of the States, auteur d’un single à succès, est retrouvé accroché au plafond du studio où son groupe enregistre son premier album, en janvier 2004. Les autres ont continué sans lui.

• Paul Hester : batteur du groupe néo-zélandais Crowded House (Don’t Dream It’s Over), dépressif chronique, se pend dans un parc de Melbourne (Australie) en mars 2005, alors qu’il promenait ses deux chiens. Et qu’il venait d’être plaqué par ses deux copines (la mère de ses enfants et sa maîtresse).

Un album
qui a pris du temps

Entre mai 1966 et mai 1967, Brian Wilson, leader compulsif des fabuleux Beach Boys, enregistre des chansons pour ce qui doit devenir le successeur de l’album « Pet Sounds » (l’un des chefs-d’œuvre de l’histoire du rock). L’idée directrice est de constituer un album tout aussi cathédralesque que le single Good Vibrations, qui a exigé un temps d’enregistrement record. Ce disque pop expérimental, dont le titre (« Smile ») est annoncé dans la presse, est si difficile à accoucher pour le génie perturbé qu’est Brian Wilson qu’il devient un projet fantôme, un des plus fameux albums mystères de l’histoire du rock. Tandis que certaines des chansons de « Smile » finissent par aboutir sur d’autres albums (Heroes & Villains, Surfs Up, Wind Chimes…) le disque semble devoir rester une légende. Mais trente-sept ans plus tard, Brian Wilson, un peu guéri de ses troubles psychologiques, rappelle Van Dyke Parks, compositeur et surtout auteur des paroles de cet artefact, pour retravailler le matériau. Finalement, en 2004, il voit le jour sous le titre « Brian Wilson Présents Smile ». Cette incroyable période d’incubation fait de « Smile » l’album le plus long à finaliser de l’Histoire (et un chef-d’œuvre, par ailleurs).

Les boutiques de
King’s Road
qu’il fallait fréquenter,
à Londres, en 1967,
pour être dans le coup…

Granny Takes a Trip (488 King’s Road)

Dandies Fashions (161 King’s Road)

Hung on You (430 King’s Road)

Emerton & Lambert (253 King’s Road)

Quelques chansons
typiquement londoniennes

Attention, London Calling (avec le Clash, qui a aussi célébré les Guns of Brixton) ! Baladons-nous dans les rues de Londres avec Ralph McTell (Streets of London), question de devenir une star locale (Talk of the Town, avec les Pretenders). Dans le quartier des théâtres, dansons avec Roxy Music (Do the Strand), tentons de copier l’accent cockney de Ian Dury sur Reasons to Be Cheerful (Part 3) ou des Small Faces (Lazy Sunday) et évitons les plans trop branchouilles – Elvis Costello avait raison en 1977 quand il chantait (I Don’t Want to Go to) Chelsea. Un rayon de soleil ? Allons flâner avec Donovan (Sunny South Kensington ou Sunny Goodge Street, au choix) en passant par Carnaby Street (Henri Salvador), jusqu’au crépuscule (The Kinks, Waterloo Sunset). Après le concert des Sultans of Swing (Dire Straits), on évitera l’averse avec Heather Nova ou Variety Lab (London Rain) et on prendra le métro à minuit (The Jam, Down at the Tube Station at Midnight). Et demain, on va se prendre en photo, en train de traverser dans les clous, à Abbey Road, comme les Beatles !

« Abbey Road »

… est l’avant-dernier album publié par les Beatles (septembre 1969). Pourtant il a été enregistré après « Let It Be », qui sera publié l’année suivante. Avant de porter le nom du studio où ils ont enregistré tous leurs chefs-d’œuvre (sur Abbey Road, donc), les Fab Four ont pensé intituler cet album « Billy’s Left Foot » ou « Everest », la marque des cigarettes fumées par l’ingénieur du son Geoff Emerick.

Pour la petite histoire, le personnage que l’on aperçoit sur le trottoir à droite est Peter Doyle, un touriste américain qui s’aperçut bien plus tard qu’il figurait sur la pochette. La coccinelle VW immatriculée LMW 28 IF a été vendue aux enchères à Hambourg en 1986 pour 23 000 livres et figure désormais au musée Volkswagen de Wolsfburg en Allemagne.

« Abbey Road » est l’une des pochettes d’albums les plus parodiées, entre autres par Booker T. & the M. G.’s (« McLemore Avenue »), les Red Hot Chili Peppers (« The Abbey Road EP »), George Benson (« The Other Side of Abbey Road »), Paul Young (« The Crossing ») et même Paul McCartney himseîf (« Paul Is Live »).

Pochettes
made in London

• Pink Floyd : « Animals »

Adresse : Battersea Power Station (188 Kirtling Street Nine Elms, Battersea).

Sans aucun doute une des pochettes de disque les plus connues avec l’« Abbey Road » des Beatles. Celle-ci représente une centrale électrique désaffectée de la banlieue de Londres, la Battersea Power Sation sur la rive sud de la Tamise. Construite en 1939 par Sir Giles Gilbert Scott (qui dessina aussi la fameuse cabine téléphonique rouge britannique), elle est définitivement abandonnée en 1983. De nombreux groupes l’ont utilisée sur leurs pochettes ou dans leurs clips (News of the World des Jam, par exemple) et on l’aperçoit brièvement dans le film Help ! des Beatles.

• Oasis : « What’s the Story Morning Glory » Adresse : Berwick Street, Soho.

En plein centre du quartier de Soho, Berwick Street était, jusqu’au milieu des années 1990, une rue connue pour ses nombreux disquaires indépendants. La photo est prise en face du magasin Selectadisc. Depuis cette date, la rue a été envahie par de nombreux coffee-shops.

• Paul McCartney & Wings : « London Town »

Adresse : au milieu de la Tamise, à un demi-mile en aval du Tower Bridge.

Chaudement vêtus (la photo a été prise alors que se termine l’enregistrement de l’album, en janvier 1978), les trois membres de Wings – Paul, Linda et Denny Laine – nous la jouent carte postale bateau-mouche pour cet album qui se vend par palettes entières grâce au tube With a Little Luck.

• Small Faces : « Itchycoo Park »

Adresse : Little Illford Park Church Road East London.

Un des classiques des Small Faces, groupe mod anglais des mid-sixties. Les fans ont longtemps débattu de l’endroit exact où la photo fut réalisée, mais nous pouvons affirmer qu’elle fut prise dans le quartier de l’East End où Steve Marriott avait l’habitude de jouer étant enfant. Le parc se situe juste à côté de Dore Avenue, et la station de métro la plus proche est East Ham !

• Kinks : « Muswell Hillbillies »

Adresse : Archway Tavern, Archway Close, Archway Road London N193TD.

Paru en novembre 1971, cet album est le premier enregistrement du groupe pour la firme RCA et rend hommage à Muswell Hill, quartier ouvrier du nord de Londres où les frères Ray et Dave Davies passèrent leur enfance. L’album est l’un de leurs derniers chefs-d’œuvre avant le manque d’inspiration du milieu des années 1970. La pochette fut réalisée dans un pub, Archway Tavern, où vous pouvez aller boire une pinte de notre part.

• Rolling Stones : « Between the Buttons » Adresse : Primrose Hill.

Avec leurs tronches fatiguées, voire défoncées, les Stones se font photographier par Gered Mankowitz au petit matin, après une nuit de studio, dans le quartier de Primrose Hill au nord de Regent’s Park, où Gered avait son studio. Ancien terrain de chasse du roi Henri VIII, la colline de Primrose offre une vue splendide sur le centre de Londres. C’est à cet endroit précis que les Martiens du roman de H. G. Wells La Guerre des mondes établissent leur campement… et Primrose Hill est aussi le titre d’une chanson de Loudon Wainwright III !

• David Bowie : « The Rise and Fall of Ziggy Stardust & the Spiders From Mars »

Adresse : 23 Heddon Street.

C’est le disque qui lança véritablement David Bowie. La photo de Brian Ward est shootée lors d’une journée pluvieuse de janvier 1972 dans Heddon Street, petite rue de Londres qui donne sur Regent Street. La cabine téléphonique y figure toujours mais l’enseigne « K. West » a disparu. Pour les fans ultimes du Thin White Duke, nous vous offrons en bonus le numéro de téléphone de la cabine : de France composez le 44, suivi de 207 7348719. Si c’est Bowie en personne qui répond, vous avez gagné un Carambar.

Paul est mort

L’une des plus incroyables légendes urbaines concernant les Beatles est celle de la mort de Paul McCartney. L’histoire débute le 12 octobre 1969, quand un DJ d’une radio de Détroit, Russel Gibbs, est informé par un auditeur que Paul se serait tué dans son Aston Martin, le 9 novembre 1966, sortant nuitamment des studios Abbey Road. La nouvelle, diffusée sur l’antenne de cette radio, va servir de point de départ à une série d’interprétations fantasques et délirantes, une véritable théorie de conspiration, étayée par une somme de preuves évidemment irréfutables, en voici quelques-unes :

– Les Beatles organisent dans l’urgence un casting pour trouver un sosie, et choisissent un certain William Shears Campbell, qui au prix de quelques opérations esthétiques finit par ressembler trait pour trait au défunt.

– Paul est le seul Beatle de profil sur la pochette de « Revolver », et sur celle de « Help », son visage est recouvert d’une écharpe et il porte un blouson à fermeture Éclair, comme en sont munis les body bags où l’on met les morts sur la voie publique.

– Sur la fameuse « Butcher Cover » (une compil’ des Beatles, censurée à cause de sa pochette sanguinolente), il était dans un cercueil, et les numéros de téléphone disséminés sur la pochette, une fois appelés, auraient délivré des messages sibyllins du genre : Beware of Abbey Road et You’re getting closer.

– À elle seule, la pochette de « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » recèlerait une multitude de « preuves », depuis la présence de Jayne Mansfield (décapitée dans un accident d’auto), jusqu’au massif de fleurs représentant une basse et où on peut (éventuellement) lire Paul à l’envers, en passant par divers signes d’une aveuglante clarté : le fait qu’il soit seul de dos au verso de la pochette, son bras orné d’un écusson OPD (Officialy Prononced Dead, en fait l’uniforme est celui de l’Ontario Police Department), et autres billevesées. Sans oublier que si l’on écoutait à l’envers le petit gag sonore gravé dans le sillon à la toute fin de la seconde face de ce même album, on entendait soi-disant Paul Is Dead Arh Arh Arh Arh (mais la plupart des pick-up, comme on disait en 1967, étaient munis d’un bras automatique qui se soulevait d’office lorsqu’il s’approchait du centre, ce qui fait que cette information était largement invérifiable).

– On remet le couvert avec la pochette d’« Abbey Road », avec notre Paul qui est seul à marcher pieds nus sur le mythique passage clouté (cela aurait quelque chose à voir avec Le livre tibétain des morts), tenant une cigarette de la main droite, alors qu’il est gaucher, passant devant une Volkswagen immatriculée LMW 28 IF, que l’on peut traduire par Living McCartney Was 28, if.

– Enfin les obsédés du complot trouvèrent moult messages de preuves en jouant à l’envers nombre de morceaux des Beatles, ce qui reste le plus sûr moyen d’y entendre ce qu’on veut. De la même manière, en jouant ces mêmes chansons dans le bon sens, quantité de vers peuvent suggérer une interprétation funeste, mais c’est le but de la poésie, n’est-il pas ?

– À l’heure où ces lignes sont écrites, McCartney va bien, merci, il a juste du mal à digérer son dernier divorce, mais il a retrouvé une fiancée. Quant à la rumeur, elle a suscité plusieurs livres, un nombre incalculable d’articles, de références, et de commentaires. Et si c’était le meilleur coup de marketing de l’histoire du rock, que les Beatles avaient, aussi, inventé ?

Une fois pour toutes (1) !

Une fois pour toutes, Paul MeCARTNEY ne s’écrit pas Mc Cartney, ni MacCartney, ni Mac Cartney ! ! !

Une fois pour toutes (2) !

Une fois pour toutes, MICK Jagger ne se prononce pas Maïke ! ! !

Une fois pour toutes (3) !

Une fois pour toutes, JIMI Hendrix ne s’écrit pas Jimmy ! ! !

Une fois pour toutes (4) !

Une fois pour toutes, on ne dit pas psychAdélique mais psychÉdélique ! ! !

Une fois pour toutes (5) !

Une fois pour toutes, amis rédac chef de la PQR (qu’on adore), n’ayez pas peur de votre ombre quand vos journalistes utilisent des mots incroyables comme pop, rock’n’roll, groove, rap, funk, soul, etc. : ne vous sentez pas obligés de rajouter de disgracieux guillemets, du genre Les Schmoldus ont donné hier soir à la MJC de Monteux-les-Gonesses un concert « pop » au son très « groovy » avec un « rapper » très « grunge » qui « chauffait » au point de « casser la baraque » !

Une rumeur sans capote

C’est une des rumeurs les plus vivaces (et les plus salaces) du rock : suite à un évanouissement lors d’une petite fête entre amis, sévèrement poudrée et arrosée, Rod Stewart serait tombé en pâmoison, et illico emmené à l’hôpital le plus proche. Les hommes en blanc auraient alors effectué un lavage d’estomac sur le peroxydé pour en retirer… une pinte de sperme ! L’anecdote est évidemment fausse, d’autant qu’elle fut aussi colportée à propos d’Elton John, Jeff Beck, Mick Jagger, David Bowie, et plus récemment Marc Almond (Soft Cell) et Britney Spears !

Ringo Starr

… a eu l’idée de la chanson Octopus’s Garden alors qu’il séjournait sur le yatch de Peter Sellers, en Sardaigne, où le cuistot lui avait servi un plat de poulpe auquel le batteur des Beatles avait refusé de toucher ! À la suite de ce dîner raté, le capitaine raconta au Beatle nombre d’anecdotes sur ces peu ragoûtants animaux marins, qui fascinèrent le musicien et lui inspirèrent une chouette chanson. Lors de l’enregistrement, pour imiter la mer, le facétieux et imaginatif Ringo se contenta de souffler dans un verre d’eau avec une paille.

L’affiche du festival pop de
Monterey (1967)

Premier jour (vendredi 16juin) : The Association, The Paupers, Lou Rawls, Beverly, Johnny Rivers, The Animals, Simon & Garfunkel.

Deuxième jour (samedi 17 juin) : Canned Heat, Big Brother & the Holding Company Featuring Janis Joplin, Country Joe & the Fish, Al Kooper, The Butterfield Blues Band, The Electric Flag, Quicksilver Messenger Service, Steve Miller Band, Moby Grape, Hugh Masekela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T. &the M. G.’s, Otis Redding.

Troisième jour (dimanche 18juin) : Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother & the Holding Company, The Group With No Name, Buffalo Springfîeld, Scott McKenzie, The Jimi Hendrix Expérience, Grate-ful Dead, The Mamas & the Papas, The Who.

L’affiche du festival
deWoodstock (1969)

Premier jour (vendredi 15 août) : Richie Havens, Sweetwater, The Incredible String Band, Bert Sommer, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie et, enceinte de six mois à l’époque, Joan Baez.

Deuxième jour (samedi 16 août) : Quill, Keef Hartley Band, Country Joe McDonald, John Sébastian, Santana, Canned Heat, Moutain, Janis Joplin, Grateful Dead (un concert raté pour cause de problèmes techniques : les guitaristes se prennent sans arrêt des décharges électriques dans les doigts), Creedence Clearwater Revival, Sly & the Family Stone, The Who (leur set, qui comprend 25 chansons, commence à 4 heures du matin) et Jefferson Airplane.

Troisième jour (dimanche 17 août) : Joe Cocker, Country Joe & the Fish, Ten Years Aflter, The Band, Blood Sweat & Tears, Johnny Winter (avec son frère Edgar, tout aussi albinos), Crosby, Stills, Nash & Young (leur set commence à 3 heures du matin, d’abord à trois, Neil les rejoint au bout d’une demi-heure), Paul Butterfield Blues Band, Sha-Na-Na et Jimi Hendrix (dont la version de l’hymne américain, le Star Spangled Banner, retentit alors que le soleil se lève, le lundi 18 août, sur la plaine du fermier Max Yasgur et que les trois quarts des spectateurs, épuisés, ont déjà quitté les lieux).

Pourquoi n’ont-ils pas joué à
Woodstock ?

The Beatles : parce que Lennon exigeait que le Plastic Ono Band joue également, au risque de devoir endurer durant trois plombes Yoko et ses barrissements d’otarie blessée.

The Doors : parce que Jim Morrison craignait les grandes scènes en plein air.

Led Zeppelin : parce que leur manager ne voulait pas que son groupe soit juste un autre nom sur l’affiche.

Jethro Tull : parce que Ian Anderson refusa « de passer un week-end dans un champ plein de hippies crasseux » !

The Moody Blues : parce qu’ils avaient un autre contrat pour jouer à Paris ce soir-là. Un choix qu’ils ont regretté plus tard.

Bob Dylan : parce que son fils était malade, que les négociations traînaient, et qu’il était un peu énervé par le nombre de hippies qui s’agglutinaient près de sa propre maison à Woodstock.

Frank Zappa : parce qu’il y avait « trop de boue », et qu’il « n’avait pas envie ».

Iron Butterfly : parce que le groupe était coincé à l’aéroport.

Le Jeff Beck Group : parce qu’il avait splitté la veille.

Joni Mitchell : parce qu’elle avait une grosse émission de télé le lendemain et que son manager voulait qu’elle soit fraîche (et c’est elle qui, pourtant, a écrit sur le sujet la plus belle chanson – Woodstock – que lui empruntèrent aussitôt ses amis de Crosby, Stills, Nash & Young).

L’affiche des festivals
de l’île de Wight

Premier festival (31 août 1968) : Jefferson Airplane, Arthur Brown, The Move, T. Rex, Plastic Penny, Pretty Things.

Deuxième festival (30 et 31 août 1969) : Bob Dylan, The Who, The Band, Joe Cocker, Free, Richie Havens, The Moody Blues, The Nice, Tom Paxton, Pentangle, Pretty Things.

Troisième festival (du 26 au 30 août 1970) : mercredi 26 : Rosalie Sorrels, Kris Kristofferson, Mighty Baby, Judas Jump, Kathy Smith, Redbone.

Jeudi 27 : Supertramp, Black Widow, The Ground-hogs, Tony Joe White.

Vendredi 28 : Fairfield Parlour, Lighthouse, Melanie, Chicago, Taste, Family, Cactus, Procol Harum.

Samedi 29 : Sly & the Family Stone, Free, Joni Mitchell, Ten Years After, Emerson Lake & Palmer, Miles Davis, Mungo Jerry, John Sebastian, Cat Mother, The Doors, The Who.

Dimanche 30 : The Moody Blues, Jethro Tull, Leonard Cohen, Richie Havens, Everly Brothers, Pentangle, Donovan, Tiny Tim, Joan Baez, Jimi Hendrix.

La première expérience
de Mondovision

… a lieu le 26 juin 1967. À cette occasion, les Beatles, qui représentent l’Angleterre, composent une chanson destinée à délivrer un message d’amour à la planète. Ils enregistrent le 45 tours « All You Need Is Love » les 14 et 25 juin, George Martin, leur producteur, y inclut des extraits de chansons légendaires (In the Mood, Greensleeves, et quelques mesures de La Marseillaise pour commencer la chanson) et les Beatles interprètent l’hymne en direct, le 25 juin, avec dans les chœurs rien moins que Mick Jagger, Marianne Faithfull, Eric Clapton, Keith Richards et Keith Moon. Le 26 juin, cet enregistrement est diffusé devant 400 millions de téléspectateurs à travers le monde.

Quelques compagnes
des Beatles

• Patti Boyd : première épouse de George (21 janvier 1966), mannequin. Après avoir inspiré Something à George (entre autres), elle divorce en juin 1977 et épouse Eric Clapton (qui compose pour elle Layla) en mars 1979.

• Olivia Trinidad Arias : seconde épouse de George, rencontrée en 1974, épousée le 2 septembre 1978, mère de Dhani Harrison.

• Jane Asher : compagne de Paul de 1963 à 1967, actrice.

• Linda Eastman : première épouse de Paul (12 mars 1969), photographe et membre de Wings. Mère de Heather (d’un précédent mariage, adoptée par Paul), puis de Mary Anna, Stella et James McCartney. Décédée d’un cancer du sein le 17 avril 1998.

• Heather Mills : troisième épouse de Paul (juin 2002), mannequin, unijambiste à la suite d’un accident de la route, mère de Milly McCartney. Divorcée dispendieuse (24,5 millions de livres accordées par jugement en 2008), tête de Turc de la presse britannique.

• Maureen Cox : première épouse de Ringo (11 février 1965-17 juillet 1975), mère de Zak, Jason et Lee Starkey. Décédée d’une leucémie en 1994.

• Barbara Bach : seconde épouse de Ringo, de 1970 à aujourd’hui, actrice et James Bond girl.

• Astrid Kirchherr : photographe allemande qui fut la première à photographier professionnellement les Beatles, à Hambourg, en 1961. Compagne de l’illustrateur Klaus Voorman, elle le quitte pour Stuart Sutcliffe, bassiste originel du groupe. Elle aurait « inventé » la coupe Beatles.

• Cynthia Powell : première épouse de John (du 23 août 1962 au 8 novembre 1968), mère de Julian Lennon.

• Yoko Ono : seconde épouse (1968) et veuve omniprésente de John. Artiste d’avant-garde et Némésis de certains fans des Beatles. Pédégère des entreprises John Lennon, elle est officiellement propriétaire du nom John Lennon, qui est désormais une marque déposée suivie d’un petit ™.

• May Pang : maîtresse de John pendant les dix-huit mois qu’il surnommera The Lost Week-end, entre 1973 et 1974. John est à l’époque temporairement séparé de Yoko Ono. C’est cette dernière qui lui envoya May Pang, son ex-assistante, dans les pattes, afin de mieux contrôler à distance la situation. May Pang épousera ensuite le producteur Tony Visconti (T. Rex, Bowie, Rita Mitsouko…).

Des rock critics
presque aussi célèbres
que ceux dont ils parlèrent

Lester Bangs, Nick Kent, Greil Marcus, Nick Tosches, Dave Marsh, Charles Shaar Murray, Robert Christgau, David Fricke, Nik Cohn, Richard Meltzer.

Sans oublier, côté francophone, Yves Adrien (Rock & Folk), Philippe Garnier (Rock & Folk), Philippe Manœuvre (Rock & Folk, Métal Hurlant), Jean-Pierre Lentin (Actuel), Patrick Eudeline (Best), Bert Bertrand (More !, Belgique), Paul Alessandrini (Rock & Folk)) Berroyer (Charlie Hebdo, Rock & Folk), Alain Pacadis (Libération) et Piero Kenroll (Télé-Moustique, Belgique).

Pourquoi
Plastic Bertrand ?

À l’origine il s’agissait d’une private joke typiquement bruxelloise : le producteur Lou Deprijck avait mis en boîte, en vue d’un 45 tours, une parodie de morceau punk. Il l’avait chantée, collé sur la pochette une photo à deux balles d’un batteur local dans un groupe hard-punk, au physique plutôt souriant et mignon (Roger Jouret), et inventé un nom en forme de clin d’œil à une célébrité de la capitale belge, Bert Bertrand, journaliste rock très branché Pistols, Clash, Buzzcocks, etc. La seule erreur commise par ce producteur malin ? Il avait mis Ça plane pour moi en face B, croyant davantage au potentiel commercial de la face A, Pogo Pogo. Heureusement, les programmateurs radio ont rapidement retourné le disque et le reste appartient à l’histoire…

Les rock critics :
des rockers frustrés ?

• Lester Sangs : le rock critic par excellence, journaliste à Rolling Stone, Creem, etc., il a influencé par sa plume et ses écrits au napalm bon nombre de journalistes. Malheureusement, son unique tentative discographique (avec le groupe Birdland) ne fut pas vraiment concluante et n’est pas passée à la postérité.

• Patrick Eudeline : « Boxeur sonné », enregistré après la déconfiture de son groupe Asphalt Jungle, voit le célèbre rock critic parisien se lancer en solo, sans plus de succès. Eudeline, qui a sorti une paire d’albums inaudibles (et cultes), est par ailleurs l’auteur de trois romans et d’une compilation de ses meilleurs écrits parus dans la presse musicale depuis 1973.

• Jacques Barsamian : auteur du mini-album « Haute Tension », Barsamian est le doyen des rock critics fiançais (docteur ès Golf-Drouot, spécialiste de Johnny, ancien manager de Vince Taylor), et n’a pas laissé de souvenirs impérissables avec ses compositions. Influencé, dit-il, par John Lennon, cela ne se ressent vraiment ni dans ses textes ni dans ses mélodies. Il réécrit Chaque mois le passé dans Juke Box Magazine.

D’autres rock critics qui chantent : Jérôme Soligny, Bruno Blum, Stan Cuesta, le regretté Nikola Acin et ses fabuleux Hellboys… D’autres encore ont fait le chemin inverse : Vincent Palmer, pilier du trio Bijou, est depuis plusieurs années un précieux secrétaire de rédaction à Rock & Folk. Et n’oublions pas que Patrick Coutin et Jean-Patrick Capdevielle, avant d’en chanter, écrivirent sur le rock. Quant à Thomas Vandenberghe, il joue depuis quelques années un one-man-show comique qui met en scène ce qu’il connaît le mieux : la critique musicale !

Les dix chansons cultes
d’Hunter S. Thompson

Journaliste-vedette du magazine Rolling Stone, écrivain, auteur du cultissime Las Vegas Parano, inventeur et ardent défendeur du journalisme gonzo, un style de reportage où le journaliste s’implique tellement qu’il devient lui-même le héros principal de l’article, Hunter S. Thompson n’a jamais écrit directement sur la musique, mais son style a influencé (c’est un euphémisme) bon nombre de rock critics. Thompson s’est suicidé le 20 février 2005 en se tirant une balle dans la tête ; selon son souhait ses cendres furent pulvérisées par un canon spécial conçu par lui-même. Peu avant sa mort, il avait publié la liste de ses chansons fétiches.

Ballad of Thunder Road : ROBERT MITCHUM

I Smelled a Rat : HOWLIN’WOLF

Spirit in the Sky : NORMAN GREENBAUM

The Hula Hula Boys : WARREN ZEVON

Maggie May : ROD STEWART

Walk on the Wild Side : Lou REED

Why Don’t We Get Drunk : JIMMY BUFFET

American Pie : DON MCLEAN

White Rabbit : JEFFERSON AIRPLANE

Battle Hymn of the Republic : HERBIE MANN

Des chansons des
Beatles
reprises par
des chanteurs français
(voire belges ou corses !)

A HARD DAY’S NIGHT :

Frank Alamo (Je me bats pour gagner), Les Lionceaux (Quatre Garçons dans le vent)

ALL MY LOVING :

Richard Anthony (Toi l’ami)

AND I LOVE HER-:

Michelle Torr (Et je l’aime)

CAN’T BUY ME LOVE :

Les Lionceaux (Je ne peux l’acheter)

Do You WANT TO KNOW A SECRET :

Lucky Blondo (J’ai un secret à te dire)

ELEANOR RIGBY :

Ilous et Decuyper

FOOL ON THE HILL :

Eddy Mitchell (Le Fou sur la colline)

FROM ME TO YOU :

Claude François (Des bises de moi pour toi)

GIRL :

Johnny Hallyday (Je l’aime)

GOT TO GET YOU INTO MY LIFE :

Johnny Hallyday (Je veux te graver dans ma vie)

I SAW HER STANDING THERE :

Dick Rivers, Johnny Hallyday (Quand je l’ai vue devant moi)

I SHOULD HAVE KNOWN BETTER : Richard Anthony (La Corde au cou)

I WANNA BE YOUR MAN :

Les Chaussettes noires, Les Lionceaux (Je te veux toute à moi)

I WANT TO HOLD YOUR HAND : Frank Alamo (Je veux prendre ta main), Claude François (Laisse-moi tenir ta main), Odeurs (version militaire, au pas de l’oie, de très mauvais goût)

LOVE ME Do :

Dick Rivers (J’en suis fou)

MICHELLE :

David et Jonathan, Richard Cocciante

MISERY :

Dick Rivers (Mes ennuis)

NORWEGIAN WOOD :

Stone (Seule)

PLEASE PLEASE ME :

Petula Clark (Tu perds ton temps)

SHE’S LEAVING HOME :

par Erick Saint-Laurent (C’est devenu un homme)

STRAWBERRY FIELDS FOREVER :

Les Boots (Il est plus facile)

THINGS WE SAID TODAY :

Dick Rivers (Ces mots qu’on oublie)

TICKET TO RIDE :

Dick Rivers (Prends un ticket avec moi)

TWIST AND SHOUT :

Dick Rivers

WE CAN WORK IT OUT :

Richard Anthony (Tout peut s’arranger)

YELLOW SUBMARINE :

Les Compagnons de la chanson, Maurice Chevalier (devenu en français Le Sous-Marin vert, on sait pas trop pourquoi…)

YESTERDAY :

Nana Mouskouri, Tino Rossi, Michelle Arnaud, Hugues Aufray (Je croyais)

YOU’VE GOT TO HIDE YOUR LOVE AWAY :

Eddy Mitchell

You WON’T SEE ME :

Stone (Le Jour la nuit)

Sans oublier l’album des 4 Beadochons dans le vent qui ont repris, en les parodiant, Come Together (Comme tu dégueules), Paperback Writer (Pas de papier water), I Wanna Hold Your Hand (À Walibi j’t’emmène), Let It Be (Les P’tites Bites), etc.

The Cavern

… est le club de Liverpool rendu célèbre par les Beatles qui en firent leur base durant leurs années d’apprentissage. Situé au 10 Mathew Street, cette cave humide a accueilli les Fab Four 292 fois sur sa scène minuscule, entre 1961 et 1963. Quand la vague des groupes Mersey Beat s’est calmée, le club a vu sa fréquentation baisser de façon drastique. Il ferme en février 1966, pour rouvrir en juillet. En mai 1973, la Cavern est « déplacée » en face, de l’autre côté de la rue, jusqu’à sa fermeture en 1976. L’emplacement original des balbutiements des Beatles a été détruit lors de la construction d’une nouvelle ligne de métro. À l’emplacement exact de ce lieu fondateur, il y a désormais un parking. Un New Cavern Club a rouvert depuis, Paul McCartney s’y est même produit en 1999 ; il accueille des groupes du cru et des « concerts secrets » de stars confirmées comme Oasis ou les Arctic Monkeys.

Quelques groupes et artistes célèbres
venus de Liverpool
(à part les Beatles !)

APOLLO FOUR FORTY

BLACK

THE BOO RADLEYS

CAST

CHINA CRISIS

THE CORAL

DEAD OR ALIVE

THE DEAD 60’S

ECHO & THE BUNNYMEN

THE FARM

FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD

GERRY & THE PACEMAKERS

GOMEZ

BLLLY J. KRAMER & THE DAKOTAS

THE LA’S

THE LIGHTNING SEEDS

IAN MCNABB

ORCHESTRAL MANŒUVRES IN THE DARK

THE PALE FOUNTAINS

THE SEARCHERS

SHACK

RORY STORM & THE HURRICANES

THE SWINGING BLUE JEANS

THE TEARDROP EXPLODES

THE WOMBATS

THE ZUTONS

Le jour où ils abandonnèrent
le cuir…

Le 24 mars 1962, les Beatles jouent au Women’s Institute de Barriston. C’est ce soir-là qu’ils abandonnent les blousons en cuir pour des costumes gris à revers de soie noire de chez Burton’s Multiple Taylors.

Ils ont été des Beatles…
mais pas assez longtemps
pour entrer dans la légende

Ken Brown, premier batteur du groupe sous ce nom (puis laitier à Londres).

Stuart Sutcliffe, guitariste joli garçon et inexpérimenté, quitte les Beatles en 1961 pour rester à Hambourg avec sa fiancée Astrid Kirchherr. Meurt en 1962 d’une hémorragie cérébrale.

Norman Chapman (batteur).

Jeremy « Hutch » Hutchinson, batteur intérimaire entre le renvoi de Pete Best et l’arrivée de Ringo Starr.

Thomas Moore, batteur épisodique, quitte les Beatles pour reprendre son métier de conducteur de pelleteuses sur les chantiers.

Pete Best, batteur renvoyé après deux ans de service pour laisser la place à Ringo.

Alan Williams, premier manager, qui, suite à une engueulade, « offre » les Beatles gratuitement à Brian Epstein.

Jimmy Nicol, remplaçant de Ringo Starr (qui se faisait opérer des amygdales) sur une poignée de dates en 1964 (Scandinavie, Hong Kong et Australie). Le 15 juin, Brian Epstein (manager) le raccompagna à l’aéroport de Melbourne avec un chèque de 500 livres, une montre en or et un passeport spécial « retour à l’obscurité » !

Les Beatles à Paris

On sait que les Beatles ont joué à Paris à l’Olympia, au programme d’un spectacle réunissant aussi Sylvie Vartan et Trini Lopez. Mais ce qu’on sait moins, c’est que ce spectacle n’était pas une soirée unique, mais qu’il a duré trois semaines. Le groupe logeait à l’hôtel George-V et durant la journée faisait du tourisme dans la capitale. Détail amusant, Brian Epstein avait négocié avec la compagnie aéronautique BEA trois semaines d’allers et retours gratuits pour les musiciens et leur entourage, contre la possibilité de les photographier tenant un panneau TLES sur la passerelle, ce qui, accolé au logo de la compagnie, formait le mot : Beatles !

Avant de commencer leur série de shows à l’Olympia, ils ont joué le soir de leur arrivée au théâtre Cyrano de Versailles. L’Olympia commença le 16 janvier 1964, devant une salle clairsemée. Les critiques des quotidiens ne furent pas tendres avec les Beatles, mais le bouche à oreille et la rumeur du succès de I Wanna Hold Your Hand aux États-Unis (qui s’accrocha dès le 1er février à la première place, pour y rester solidement arrimé durant sept semaines) amenèrent de plus en plus de monde, jusqu’à déclarer la salle sold out pour les deux concerts quotidiens qu’ils donnaient. Durant leur séjour parisien, les Beatles furent invités à la télévision (au programme d’Âge tendre et tête de bois) et enregistrèrent aux studios Pathé à Boulogne les versions allemandes de She Loves You (Sie Liebt Dich) et I Want To Hold Your Hand (Komm, Gib Mir Deine Hand), faisant par la même occasion une infidélité aux studios de leur maison de disques EMI à Abbey Road.

Les Beatles boots

Les fameuses Beatles boots pointues, élastique à la cheville et talon cubain biseauté, sont, dans leurs versions originales (les copies abondent), des Anello & Davide. La compagnie, fondée en 1922, est spécialisée dans la création de chaussures pour le théâtre et la danse. Elle a ainsi chaussé Marilyn Monroe, de nombreux acteurs britanniques, et créé les célèbres chaussons rouges de Dorothy dans Le Magicien d’Oz. Anello & Davide a également fourni des créations pour Star Wars ou Indiana Jones, mais jamais un modèle n’a suscité autant de convoitise (et des queues interminables devant leur boutique de Drury Lane, à Londres) que les boots rendues célèbres par John, Paul, George et Ringo.

La Butcher Cover

Dans les premières années de leur carrière, le contrat qui liait les Beatles à la firme Capitol pour sortir leurs disques aux États-Unis faisait que ces albums pouvaient différer des versions européennes. Pour l’album Yesterday… and Today, un 33 tours de 1966 réunissant des chansons dont certaines n’étaient pas encore sorties en Angleterre, John eut l’idée d’une photo de pochette plutôt originale : les quatre Beatles portaient des blouses blanches de bouchers, et tenaient dans leurs mains des quartiers de viande et des morceaux (têtes, corps) de baigneurs en Celluloïd. Sept cent cinquante mille exemplaires furent fabriqués et distribués, mais très vite les détaillants appelèrent la firme pour se plaindre de cette image jugée obscène pour le public américain. Au bout d’une semaine, tous les disques encore disponibles furent rappelés et retirés de la vente, puis on remplaça la photo choquante par une autre plus anodine. La plupart des exemplaires de la pochette incriminée furent détruits, mais sur certains la nouvelle pochette fut simplement collée sur l’ancienne, pour gagner du temps et ne pas perdre de ventes. La Butcher Cover est ainsi devenue un des collectors les plus recherchés de l’histoire du disque, atteignant des sommes astronomiques (plus de 10 000 dollars en 2005).

Cinq autres collectors
Beatles de la mort

1. The Quarrymen : That’Il Be the Day | In Spite of All the Danger (1958), 170 000 dollars

Le disque le plus rare au monde est aussi celui qui coûta le moins cher à enregistrer. En 1958, Paul McCartney, John Lennon, George Harrison, John Lowe et Colin Hanton (les Quarrymen) se rendent dans un minuscule studio de Liverpool et paient la somme ridicule de 17 shillings et 6 pence (moins de 3 euros) pour enregistrer ces deux titres, une reprise de Buddy Holly (That’Il Be the Day) et une compo McCartney / Harrison (In Spite of All the Danger). Ils sont ensuite transférés sur un acétate de 25 cm compris dans le prix de l’enregistrement. Cinquante ans plus tard, il est estimé à plus de 170 000 dollars. McCartney, qui le détient, en a édité deux éditions limitées (45 et 78 tours) à vingt-cinq copies en 1981, estimées à 20 000 dollars (sauf que personne ne les vend !).

2. « The Beatles » (Apple, 1968), de 8 500 à 38 000 dollars

Tout le monde connaît l’histoire de la pochette de l’album éponyme des Beatles, paru en 1968 et habituellement surnommé le « Double Blanc », pour sa pochette immaculée créée par l’artiste pop Richard Hamilton, en collaboration avec Paul McCartney. Premier album des Beatles publié sur leur propre label, Apple, le « Double Blanc » présente l’amusante particularité d’avoir connu des éditions originales numérotées (en mono et en stéréo, pour compliquer l’affaire). Évidemment, comme pour toute série numérotée, plus vous vous rapprochez du 000001, plus la valeur augmente. Exemple : les copies numérotées de 001001 à 010000 sont estimées à plus de 1 000 dollars, les copies numérotées de 000011 à 001000, à 1 700 dollars. En dessous de 000010, les plus rares, celles réservées aux Beatles eux-mêmes et à leurs proches (Lennon avait exigé de recevoir la 000001), on estime la valeur à 8 500 dollars. Mais en novembre 2008, un professeur d’anglais de la ville de Linz, en Autriche, a mis aux enchères sur Internet la copie numéro 0000005, la plus rare jamais vue, surtout en version mono. Elle a trouvé preneur à 38 000 dollars (24 500 euros) après 86 enchères.

3. » Please Please Me » (Parlophone, édition stéréo, 1963), 4 250 dollars

Lorsque les Beatles publient leur premier album, le 22 mars 1963, les pressages stéréo ne sont encore commercialisés qu’en quantités limitées ; il fallait les commander séparément chez les disquaires. Les copies stéréo, avec le label Parlophone noir et or, sont très recherchées ; on les estime à environ 4 250 dollars, à condition bien sûr qu’elles soient en parfait état. La version mono ne vaut que 1 000 dollars.

4. Love Me Do / P. S. I Love You (Promo single Parlophone, 1962), 7 000 dollars

Tout commence en septembre 1962 : 250 copies promo du tout premier 45 tours des Beatles sont envoyées à la presse et aux radios. Ces white labels, avec un gros A de couleur rouge côté Love Me Do, comportent une grossière faute dans les crédits, le titre étant attribué à Lennon-McArtney ! La dernière copie vendue fut négociée pour la modique somme de 7 000 dollars en 2008 sur eBay.

5. Les quatre premiers singles du label Apple (1968), 1 700 dollars

Ce pack promotionnel des quatre premiers 45 tours du label Apple fut envoyé à quelques dizaines de journalistes chanceux. En plus du single des Beatles HeyJude / Révolution (référence Apple 1), le pack comprenait trois disques par Mary Hopkin, Jackie Lomax et le Black Dyke Mills Band, présentés dans une splendide pochette en plastique accompagnée d’un insert phosphorescent.

Plus célèbres que le Christ

Quand il prononça sa fameuse phrase (« Les Beatles sont désormais plus célèbres que Jésus-Christ »), John Lennon ne se doutait pas que parmi les millions d’Américains choqués par sa déclaration se trouvait un certain Mark David Chapman, âgé de 11 ans à l’époque des faits, en 1966. Il vivait alors à Atlanta et était un fan fervent des Beatles. Plus tard, devenu Jésus Freak, il faisait partager à ses comparses son écœurement au sujet de la fameuse comparaison. Devenu psychiquement dérangé, il se prenait alternativement pour John Lennon et pour un envoyé de Dieu chargé de lui faire payer son affront. Jusqu’à ce jour fatidique du 8 décembre 1980 où Chapman, de cinq coups de son 38 Spécial, envoya John s’expliquer en tête à tête avec le Christ sur leurs popularités respectives !

Qui figure sur la pochette de l’album
« Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band » ?

Sri Yukteswar Giri (gourou), Aleister Crowley (occultiste), Mae West (actrice), Lenny Bruce (comique engagé), Karlheinz Stockhausen (compositeur), W.C. Fields (acteur), Carl Jung (psychanalyste), Edgar Allan Poe (écrivain), Fred Astaire (acteur), Richard Merkin (artiste), The Vargas Girl (pin-up de Vargas), Huntz Hall (acteur, membre des Bowery Boys avec Léo Gorcey), Simon Rodia (créateur des Watts Towers), Bob Dylan (génie), Aubrey Beardsley (illustrateur), Sir Robert Peel (politicien), Aldous Huxley (écrivain), Dylan Thomas (poète), Terry Southern (écrivain), Dion (chanteur américain, avec The Belmonts), Tony Curtis (acteur), Wallace Berman (artiste), Tommy Handley (comique), Marylin Monroe (mythe), William Burroughs (écrivain), Sri Mahavatara Babaji (gourou), Stan Laurel (acteur), Richard Linder (artiste), Oliver Hardy (acteur), Karl Marx (philosophe), H.G. Wells (auteur de SF), Sri Paramahansa Yogananda (gourou), deux mannequins de coiffeur, Stuart Sutcliffe (Beatle originel décédé), Max Miller (comique), The Petty Girl (par l’artiste George Petty), Marlon Brando (acteur), Tom Mix (acteur), Oscar Wilde (écrivain), Tyrone Power (acteur), Lany Bell (artiste), Dr. Livingstone (missionnaire explorateur), Johnny Weissmuller (acteur et Tarzan), Stephen Crane (écrivain), Issy Bonn (comique), George Bernard Shaw (dramaturge), H.C. Westermann (sculpteur), Albert Stubbins (footballeur), Sri Lahiri Mahasaya (gourou), Lewis Carroll (écrivain), T.E. Lawrence (soldat aka Lawrence d’Arabie), Sonny Liston (boxeur), The Petty Girl 2, les quatre membres des Beatles en cire (prêtés par le musée Tussaud), Albert Einstein (physicien), John Lennon tenant un cor de chasse, Ringo Starr tenant une trompette, Paul McCartney tenant un cor anglais, George Harrison tenant une flûte, Bobby Green (chanteur), Marlène Dietrich (actrice), un légionnaire de l’ordre des Bisons, Diana Dors (actrice), Shirley Temple (actrice prépubère). Ne figurent pas sur la photo ou ont été habilement dissimulés : Jésus-Christ, le Mahatma Gandhi, Adolf Hitler (une blague macabre de John Lennon, qui faisait moyennement rire les autres, sans parler de la maison de disques), Judy Garland (qui demandait de l’argent pour l’utilisation de son image), l’acteur Léo Gorcey (pareil) et Elvis Presley.

UN SATANISTE ÉLECTRIQUE

Qui figure sur la pochette de « Sgt. Pepper’s » et est régulièrement mentionné dans les articles de Patrick Eudeline ? Aleister Crowley (1875-1947), un sataniste britannique fameux dans les milieux autorisés, auteur de nombreux manuels de magie noire et ce genre d’amusements. Par ailleurs, il fut bisexuel notoire, peintre, occultiste, joueur d’échecs, montagnard, et grand expérimentateur de drogues variées (il était aussi ouvertement raciste, antisémite et sexiste). Il aurait inspiré le sérial killer Charles Manson, évidemment, mais il est surtout lié dans l’imaginaire rock à la personnalité de Jimmy Page, le guitar hero de Led Zeppelin, fan absolu au point d’avoir racheté le manoir écossais du maître, Boleskine House, et de collectionner tous les colifichets en rapport avec son héros. Iron Maiden, Ozzy Osbourne et nombre de groupes de black métal ont écrit des chansons inspirées par Crowley. Même David Bowie le cite dans Hunky Dory… Enfin, le bon vieil Aleister a été en 2008 le sujet d’un film produit par le chanteur d’Iron Maiden (tiré du livre du même métalleux escrimeur) : The Chemical Wedding.

Qui a écrit quoi ?
(sous la signature Lennon / McCartney)

John Lennon :

Please Please Me, Ask Me Why (1962)

Do You Want to Know a Secret, There’S a Place, This Boy, It Won’t Be Long, All I’ve Got to Do, Not a Second Time (1963)

You Can’t Do That, I Call Your Name, A Hard Day’s Night, I Should Have Know Better, If I Fell, l’m Happy Just to Dance With You, Tell Me Why, Anytime at All, I’ll Cry Instead, When I Get Home, I'll Be Back, I Feel Fine, No Reply, l’m a Loser, It’s Only Love, I Don’t Want to Spoil the Party (1964)

Ticket to Ride, Yes It Is, Help !, You’ve Got to Hide Your Love Away, You’re Going to Loose That Girl, It’s Only Love, Norwegian Wood, Nowhere Man, What Goes On, Girl, In My Life, Run for Your Life (1965)

Rain, l’m Only Sleeping, She Said She Said, And Your Bird Can Sing, Dr. Robert, Tomorrow Never Knows, Strawberry Fields Forever (1966)

Lucy in the Sky With Diamonds, Being for the Benefit of Mr. Kite, Good Morning, All You Need Is Love, I Am the Walrus (1967)

Hey Bulldog, Across the Universe, Dear Prudence, Glass Onion, The Continuing Story of Bungalow Bill, Happiness Is a Warm Gun, l’m So Tired, Julia, Yer Blues, Everybody’s Got Something to Hide Except me and My Monkey, Sexy Sadie, Revolution, Good Night, Polythene Pam, Cry Baby Cry (1968)

Don’t Let Me Down, Dig a Pony, Dig It, You Know My Name, The Ballad of John and Yoko, Come Together, I Want You (She’s So Heavy), Because, Sun King, Mean Mister Mustard (1969)

Paul McCartney :

Love Me Do, P. S. I Love You (1962)

Thank You Girl, I Saw Her Standing There, I Wanna Be Your Man, All My Loving, Hold Me Tight (1963)

Can’t Buy Me Love, Things We Said Today, And I Love Her, She’s a Woman, I’ll Follow the Sun, Eight Days a Week, Every Little Thing, What Youre Doing (1964)

l’m Down, The Night Before, Another Girl, l’m Looking Through You, Tell Me What You See, l’ve Just Seen a Face, Yesterday, Drive My Car, You Won’t See Me, Michelle, Day Tripper (1965)

Paperback Writer, Eleanor Rigby, Here There and Everywhere, Yellow Submarine, Good Day Sunshine, For No One, Got to Get You Into My Life, When l’m 64, Penny Lane (1966)

Sergent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Getting Better, Fixing a Hole, She’s Leaving Home, Lovely Rita, Hello Goodbye, Magical Mystery Tour, Your Mother Should Know, The Fool on the Hill (1967)

Lady Madonna, Hey Jude, Back in the U.S.S.R, Ob-la-di Ob-la-da, Honey Pie, Martha My Dear, Blackbird, Rocky Racoon, Wky Don’t We Do It in the Road, I Will, Birthday (avec John, George et Ringo), Mother Nature’s Son, Helter Skelter, Maxwell’s Silver Hammer, All Together Now (1968)

Get Back, Let It Be, The Long and Winding Road, She Came In Through the Bathroom Window, Teddy Boy, Oh ! Darling, You Never Give Me Your Money, Golden Slumbers, Carry That Weight, Her Majesty, The End (1969)

John Lennon et Paul McCartney vraiment ensemble :

From Me to You, Misery, She Loves You, I’ll Get You, I Want to Hold Your Hand, Little Child (1963)

Baby’s in Black (1964)

The Word, We Can Work It Out (1965)

With a Little Help From My Friends, A Day in the Life, Baby You’re a Rich Mon (1967)

I’ve Got a Feeling, Two of Us (1969)

Le logo originel des Beatles
(en France)

Le logo originel des Beatles
(partout ailleurs)

Les dix meilleurs albums
britanniques de l'année 1967

THE BEATLES :
« Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band »

CREAM :
« Disraeli Gears »

DONOVAN :
« Meliow Yellow »

THE JIMI HENDRIX EXPÉRIENCE :
« Are You Experienced ? »

THE KINKS :
« Something Else by the Kinks »

PINK FLOYD :
« The Piper at the Gates of Dawn »

THE ROLLING STONES :
« Between the Buttons »

CAT STEVENS :
« Matthew & Son »

TRAFFIC :
« Dear Mr. Fantasy »

THE WHO :
« Sell Out »

Les quinze meilleurs albums
américains de l'année
1967

THE BEACH BOYS : « Smiley Smile »

BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY :
« Big Brother & the Holding Company »

TIM BUCKLEY : « Goodbye and Hello »

BUFFALO SPRINGFIELD : « Buffalo Springfield »

THE BYRDS : « Younger Than Yesterday »

GENE CLARK :
« Gene Clark With the Godsin Brothers »

THE DOORS : « The Doors »

ARETHA FRANKLIN :
« I Never Loved A Man The Way I Love You »

THE JEFFERSON AIRPLANE : « Surrealistic Pillow »

LOVE : « Forever Changes »

WILSON PICKETT : « The Wicked Pickett »

THE SEEDS : « The Seeds »

THE VELVET UNDERGROUND :
« The Velvet Underground & Nico »

THE YOUNG RASCALS : « Groovin’ »

FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION :
« Absolutely Free »

Les dix meilleurs albums
britanniques de l'année 1968

THE BEATLES :
« The Beatles » (alias le « Double Blanc »)

FLEETWOOD MAC : « Fleetwood Mac »

THE KINKS :
« The Kinks Are the Village Green Préservation Society »

VAN MORRISON : « Astral Weeks »

PINK FLOYD : « A Saucerful of Secrets »

THE PRETTY THINGS : « S. F. Sorrow »

THE ROLLING STONES : « Beggars Banquet »

THE SMALL FACES : « Ogden’S Nut Gone Flake »

THE SOFT MACHINE : « The Soft Machine »

THE ZOMBIES : « Odessey & Oracle »

Les quinze meilleurs albums
américains de l'année
1968

THE BAND : « Music From Big Pink »

BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY :
« Cheap Thrills »

CANNED HEAT : « Boogie With Canned Heat »

JOHNNY CASH : « At Folsom Prison »

LEONARD COHEN : « Songs of Leonard Cohen »

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL :
« Creedence Clearwater Revival »

GRATEFUL DEAD : « Anthem of the Sun »

JIMI HENDRIX : « Electric Ladyland »

IRON BUTTERFLY : « In-A-Gadda-Da-Vida »

JONI MITCHELL : « Song to a Seagull »

NAZZ : « Nazz »

OTIS REDDING : « The Dock of the Bay »

TAJ MAHAL : « The Natch’l Blues »

THE TEMPTATIONS : « Wish It Would Rain »

THE VELVET UNDERGROUND :
« White Light / White Heat »

Les dix tubes de pure variété
internationale de l'année 1968

Alors que volaient les pavés et qu’explosaient les émeutes, les hit-parades étaient truffés de chansons anodines, quoique plaisantes. En France, nous étions envahis par une vague rétro, avec des chansons d’avant guerre telles que Riquita jolie fleur de Java par Georgette Plana ou la reprise des Roses blanches (un succès de Berthe Sylva) par les Sunlights. Chez nos amis anglo-saxons on avait ceci :

MAMA CASS : Dream a Little Dream of Me

TOM JONES : Delilah

HUGH MASEKELA : Grazing in the Grass

BARRY RYAN : Eloise

SCOTT WALKER : Joanna

TINY TIM : Tip Toe Through the Tulips With Me

CLASSICS IV : Spooky

JOHN FRED & THE PLAYBOY BAND : Judy in Disguise (With Glasses)

DAVID MCWILLIAMS : The Days of Pearly Spencer

ESTER & OBI OFARIM : Cinderella Rockafella

Les quinze meilleurs albums
britanniques de l'annéé
1969

KEVIN AYERS : « Joy of a Toy »

THE BEATLES : « Abbey Road »

JOE COCKER :
« With a Little Help From My Friends »

NICK DRAKE : « Five Leaves Left »

FAIRPORT CONVENTION : « Unhalfbricking »

KING CRIMSON : « In the Court of the Crimson King »

LED ZEPPELIN : « Led Zeppelin »

LED ZEPPELIN : « II »

PINK FLOYD : « Ummagumma »

PROCOL HARUM : « A Salty Dog »

THE ROLLING STONES : « Let It Bleed »

DUSTY SPRINGFIELD : « Dusty in Memphis »

SCOTT WALKER : « Scott 3 » et « Scott 4 »

THE WHO : « Tommy »

YES : « Yes »

Les 20 meilleurs albums
américains de l'année 1969

JOAN BAEZ : « David’s Album »

JAMES BROWN :
« Say It Loud : l’m Black and l’m Proud »

CHICAGO TRANSIT AUTHORITY :
« Chicago Transit Authority »

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL :
« Bayou Country »

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL : « Green River »

CROSBY, STILLS & NASH : « Crosby, Stills & Nash »

MILES DAVIS : « In a Silent Way »

BOB DYLAN : « Nashville Skyline »

THE FLYING BURRITO BROTHERS :
« The Gilded Palace of Sin »

GRATEFUL DEAD : « Live / Dead »

ISAAC HAYES : « Hot Buttered Soul »

JANIS JOPLIN :
« I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama ! »

B. B. KING : « The Thrill Is Gone »

MC5 : « Kick Out the Jams »

EL VIS PRESLEY : « From Elvis in Memphis »

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE : « Happy Trails »

SANTANA : « Santana »

SLY & THE FAMILY STONE : « Stand ! »

THE STOOGES : « The Stooges »

TONY JOE WHITE : « Black and White »

Merry X-Mas Ev'rybody

Chanter Noël est une tradition anglo-saxonne qui nous échappe totalement ; en France, on se contente de fredonner Petit Papa Noël de Tino Rossi, en ricanant, et l’affaire est pliée. Tandis qu’Outre-Manche et Outre-Atlantique, même les rockers les plus teigneux (y compris Alice Cooper et Motörhead) ont enregistré des chansons, voire des albums de Noël. Si d’aventure vous vouliez vous préparer un programme spécial Christmas rock sur votre baladeur, nous vous conseillons :

JOHN LENNON : Happy X-Mas (War Is Over)

BRUCE SPRINGSTEEN :
Santa Claus Is Corning To Town

SLADE : Merry X-Mas Ev’rybody

JAMES BROWN :
Santa Claus Go Straight To The Ghetto

CHUCK BERRY OU KEITH RICHARDS :
Run Rudolph Run

U2 : Christmas (Baby Please Come Home)

THE RAMONES :
Merry Christmas (I Don’t Wanna Fight Tonight)

THE POGUES : Fairytale Of New York

ELvis PRESLEY : Santa Bring My Baby Back (To Me)

JACQUES DUTRONC : La Fille du Père Noël

LES CHAUSSETTES NOIRES : Le Twist Du Père Noël

THE BEACH BOYS : Santa’s Beard

BILL HALEY & THE COMETS : Jingle Rock

Des rappers qui ont collaboré avec
Michael Jackson

A + (WRECKX-N-EFFECT) :
She Drives Me Wild, 1991

JOHN FORTE :
2 Bad (Refugee Mix), 1997

HEAVYD :
Jam, 1991

THE NOTORIOUS BIG :
This Time Around, 1995

SHAQUILLE O’NEAL :
2 Bad, 1995

TREACH :
Scream (Naughty by Nature remix), 1995

RUN DMC (Bad) et LL COOL J (Dangerous) ont enregistré des titres qui n’ont pas figuré sur les albums définitifs du King of Pop.

Dix classiques du rock repris
par des rappers

Wipeout, par THE FAT BOYS & THE BEACH BOYS

Walk This Way, par RUN DMC et AEROSMITH

Twist & Shout, par SALT & PEPA

The Twist par THE FAT BOYS

Do Wah Diddy, par 2 LIVE CREW

Louie Louie, par THE FAT BOYS

Norwegian Wood par PM DAWN

Pretty Woman, par 2 LIVE CREW

Should I Stay or Should I Go, par MACK 10 FEATURING ICE CUBE

Hit Me With Your Best Shot, par ANTOINETTE

No Logo !
Les dix marques les plus citées (par des rappers)
dans le Top 20 du magazine
Billboard en 2005

Les rappers américains ont développé une fascination pour l’univers des grandes marques de luxe et du « bling bling ». Souvent créateurs de marques de streetwear, de bijoux, ils ne cessent dans leurs chansons de faire référence à leurs marques préférées. Le magazine professionnel Billboard a recensé dans les classements de ses meilleures ventes d’albums en 2005 le nombre de fois où les plus grandes marques sont citées.

Mercedes Benz : citée 100 fois

Nike : 63 fois

Cadillac : 62 fois

Bentley : 51 fois

Rolls Royce : 46 fois

Cognac Hennessy : 44 fois

Chevrolet : 40 fois

Louis Vuitton : 35 fois

Mitraillette AK47 : 33 fois

Champagne Crystal : 28 fois

Video Killed the Radio Stars :
Mondino vs Gondry

Les deux plus fameux réalisateurs français de vidéo-clips ont, chacun de son côté, travaillé avec les plus grands noms du rock.

Jean-Baptiste Mondino commence comme photographe dans la publicité avant de réaliser des pochettes d’albums et de passer aux clips avec Alain Chamfort en 1981. La reconnaissance et le début de la notoriété viennent avec Cargo de nuit d’Axel Bauer en 1983 et sa propre Danse des mots (son seul disque) ainsi que la première (et dernière) tentative discographique du couturier Jean Paul Gaultier (How to Do That). Il a depuis travaillé avec les plus grands : Madonna, Don Henley, Bryan Ferry, Sting, Tom Waits, Chris Isaak, David Bowie, Lenny Kravitz, Neneh Cherry, Keziah Jones, Alain Bashung, Vanessa Paradis, Prince, Björk, sans oublier le générique de Rapido, tout en continuant de photographier les plus belles femmes du monde (et les plus beaux garçons) pour la presse féminine internationale.

Michel Gondry a fait ses débuts comme batteur au sein du groupe Oui-Oui à la fin des années 1980 (formation versaillaise avec Etienne Charry et plein d’intérimaires, tel Roudoudou, futur compositeur du générique du documentaire Les Yeux dans les bleus), tout en réalisant leurs premiers vidéoclips. Il mène depuis une carrière de publicitaire et de cinéaste (Human Nature, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, La Science des rêves, Soyez sympa rembobinez), après avoir travaillé avec les plus grands noms du rock : Rolling Stones, Radiohead, Björk, White Stripes, Chemical Brothers, Beck, Massive Attack, Sinead O’Connor, Sheryl Crow, Daft Punk, etc. Pour s’amuser, il balance régulièrement des petits films faits maison sur le Web, dont une série franchement rigolote sur le Rubik’s Cube.

Combien de capitaines ?

Combien de capitaines avons-nous croisés dans l’histoire de la chanson et de la pop ? Le plus célèbre, bien sûr, c’est Ohé ohé, capitaine abandonné, l’immense tube du groupe grotesque toulousain Gold. Mais il y eut aussi The Captain of Your Heart par le duo suisse Double, l’album « Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy » par Elton John et le duo Captain & Tennile…

Sans oublier naturellement Captain Sensible, ci-devant bassiste puis guitariste des Damned et chanteur occasionnel de ritournelles stupides, comme Wot, ni bien sûr le très underground Captain Beefheart, vieux pote de Frank Zappa…

Disque d'or en France,
c'est combien ?

Les différents niveaux de certification de ventes de disques en France sont fixés par le SNEP (Syndicat national de l’édition phonographique). Depuis 2006, il existe six certifications : disque d’argent, disque d’or, disque de platine, double disque de platine, triple disque de platine, disque de diamant. Le nombre d’exemplaires vendus a été revu à la baisse en juillet 2006, la crise du disque étant passée par là.

AVANT JUILLET 2006, POUR LES ALBUMS :

Argent

50 000

Or

100 000

Double disque d’or

200 000

Platine

300 000

Double disque de platine

600 000

Triple disque de platine

900 000

Diamant

1 000 000

DEPUIS JUILLET 2006, POUR LES ALBUMS :

Argent

35 000

Or

75 000

Platine

200 000

Double disque de platine

400 000

Triple disque de platine

600 000

Diamant

750 000

Des noms d'oiseaux

Nombreux sont les groupes pop et rock qui ont emprunté leur nom à des oiseaux. Dans les années 1950, par exemple, souvent dans le genre doo-wop, on avait The Falcons (les faucons), The Ravens ou The Crows (les corbeaux), The Penguins (les pingouins), The Flamingos (les flamants roses), The Nightingales (les rossignols). Avant d’opter pour The Band, le groupe de Robbie Robertson, Levon Helm et leurs camarades s’appelaient The Hawks (les faucons) vu qu’ils accompagnaient le rocker canadien Ronnie Hawkins. Dans les années 1970 on eut droit aux Wings (les ailes), le groupe de Paul McCartney, ainsi qu’aux Eagles (les aigles).

En France, pas question d’oublier Ronnie Bird, ni Patrick Loiseau, le parolier de Dave, qui a fait quelques disques en solo. Dans les années 1980, on a eu Cock Robin, qui est à la fois le nom d’un merle d’Amérique (avec un plastron rouge) et celui d’un groupe californien auteur de chansons à succès comme When Your Heart Is Weak. Et dès 1990, on a eu droit aux Black Crowes, alias les corbeaux-noirs-avec-un-E-en-trop, rapidement suivis par Sheryl Crow (son vrai nom). Plus récemment, The Guillemots (de la famille des laridés, dont font aussi partie les mouettes) nous ont enchantés avec leurs chansons pop sophistiquées.

Dix collaborations
franchement ratées
entre rockers et rappers

Come With Me
par PUFF DADDY et JIMMY PAGE

Radio Song
par R. E. M. et KRS ONE

The Omen
par DMX et MARILYN MANSON

Fame 90
par DAVID BOWIE et QUEEN LATIFAH

War
par BONE THUGS & HARMONY et HENRY ROLLINS, FLEA et TOM MORELLO

Street Rock
par KURTIS BLOW et BOB DYLAN

This Means War
par BUSTA RHYMES et OZZY OSBOURNE

Step Right In
par DOG EAT DOG et RZA

Lethal
par UTFO et ANTHRAX

Le temps passe
par JOHNNY HALLYDAY et MINISTÈRE A.M.E.R.

Le plus long
pseudonyme
adopté par un rapper
sur un disque
(et le plus idiot)

Dr. Wolfgang Von Bushwickin the Barbarian Mother-Funny Stay High Dollar Billster (plus connu sous le nom de Buswick Bill, le nain des Geto Boys)

Quelques sigles et acronymes
satanistes formés à partir
de noms de stars

À ne pas prendre au sérieux, tout de même…

AC/DC : « Anti-Christ/Demon Child » (Antéchrist fils du démon)

Rush : « Right Under Satan’s Hand » (Juste sous la main de Satan)

ABBA : « At Beelzebub’s Beckoning Always » (Toujours faisant un signe à Belzébuth)

Cher : « Choosing Hell’s Eternal Rapture » (Choisissant l’enlèvement éternel de l’enfer)

’N Sync : « Naughty Satan, You Nasty Card » (Méchant Satan, à la méchante figure)

R. E. M. : « Rendering Evil Monstrosities » (Reddition des monstruosités du Mal)

A-ha : « Attention ! Hades, Anyone ? » (Attention, Hadès, quelqu’un ?)

Sade : « Satan’s Ass, Demon Enema » (Cul de Satan, lavement du démon)

Queen : « Quick, Unholy Entity, Enter Nicely » (Vite, entité païenne, veuillez entrer)

Boston : « Bring On Satan Tonight – Oh, Neat-o ! » (Amène Satan ce soir, oh chouette !)

Sebadoh : « Satan’s Ever-Baying, Angry Dogs of Hell » (Satan toujours aux abois, chiens en colère de l’enfer)

Genesis : « Gabriel's Evil, Naturally – Excellent Student in Satanism » (Le Mal de Gabriel, naturellement excellent étudiant en satanisme)

Alabama : « Anton LaVey’s A Bright, Attractive Man-Animal » (Anton Lavey est un homme-animal brillant et attractif)

Céline Dion : « Comely, Eye-popping Lady in Nice Ensemble : Devil Is on Notice » (Avenante, aguicheuse dame en bel atour, le diable est aux aguets)

Einstuerzende Neubauten : « Even in Nova Scotia, The Unholy Entity’s Rusty Zipper Edges Near Destiny’s Endgame – Nobody Ever Underestimates Beelzebub’s Amoral Tendencies, Endless Nastiness » (Même en Nouvelle-Écosse, la fermeture Éclair rouillée de l’entité païenne se faufile vers la fin du jeu du destin. Personne jamais ne sous-estime les tendances amorales de Belzébuth, sa méchanceté sans fin)

Engelbert Humperdinck : « Even Nice Girls Eventually Like Being Easy, Rotten Tarts – His Unholy Majesty Performs Evil, Reeking Deeds in Nasty Carnal Knowledge » (Même les gentilles filles aiment éventuellement être des sales putes pourries. Sa Majesté païenne crée le Mal, empestant ses faits en méchante connaissance charnelle)

KC and the Sunshine Band : « Kooky Christ, Always Negating Démons, That Holy Egghead. Satan, Understandably, Nobly Says He’s Infinite, Never-Ending Evil – Bad Ass, Nimble Devil » (Drôle de Christ, toujours à nier les démons. Cette sainte tête d’œuf. Satan, c’est compréhensible, dit noblement qu’il est infini, le mal sans fin, enfoiré, de diable agile)

Dr. Buzzard’s Original Savannah Band : « Devil’s Right. Bad Umbrella – Zounds ! Zoologists ! – Always Rams Down Satanic Oracles, Really Imaginative, Great Ideas. Nowadays, All Love Satan, A Victorious Archangel : Never Needs A Haircut, Boxes Against Neil Diamond » (Le droit du diable. Mauvais parapluie. Zounds ! Zoologistes ! Toujours à déambuler dans les oracles sataniques, vraiment imaginatif, super idées. Aujourd’hui, tout le monde aime Satan, un archange victorieux : jamais besoin d’une coupe de cheveux, il boxe contre Neil Diamond)

Bee Gees : « Beelzebub, Eh ? Eh. God, Eh,’E Sucks » (Belzébuth ? Eh Eh, y fait chier)

Cinq choses qu'il faut savoir
à propos du film
Spinal Tap
(1984)

— Que c’est une parodie de Rockumentaire (documentaire rock, donc) sur un groupe (imaginaire) dont les batteurs explosent les uns après les autres.

— Que dans une scène culte le guitariste Nigel Tufnel (joué par Christopher Guest) explique que, sur les amplis des autres groupes, le bouton du volume va jusqu’à 10, mais qu’il a fait fabriquer un ampli spécial où l’on peut pousser le volume jusqu’à 11.

— Que dans une autre scène le bassiste est arrêté dans un aéroport à cause d’un détecteur de métal : il porte ; dans son pantalon en Lurex moule-burnes un concombre enrobé de papier alu pour faire croire qu’il est sévèrement membré.

— Que, rêvant d’une mise en scène grandiose, ils se sont trompés dans les proportions d’une sorte de dolmen qui doit descendre des cintres durant un concert (en guise de référence à Stonehenge) et qu’au lieu d’un décor impressionnant ils se retrouvent devant un machin en carton-pâte grotesque et rikiki.

— Que c’est inspiré d’anecdotes authentiques, à peine exagérées.

Paroles de la chanson
Song With
No Words
(Tree With No Leaves)
de David Crosby

sur son premier album solo
« If l Could Only Remember My Name »
(1971)

Do, do, do…

Chantons sous la pluie

l’m Singing in the Rain : GENE KELLY

Rain : THE BEATLES

A Hard Rain’s A-Gonna Fall et Rainy Day Women #

12 & 35 : BOB DYLAN

Walking in the Rain : THE RONETTES

I Wish It Would Rain : THE TEMPTATIONS, ROD STEWART

Here Cornes the Rain Again : EURYTHMICS

A Rainy Night in Soho : THE POGUES

Purple Rain : PRINCE

It’s Raining Again : SUPERTRAMP

Fire & Rain : JAMES TAYLOR

Why Does It Always Rain on Me ? : TRAVIS

I Can Y Stand the Rain : ANN PEEBLES

The Rain Song : LED ZEPPELIN

The Rain (Supa Dupa Fly) : MISSY ELLIOTT

Have You Ever Seen the Rain et Who’ll Stop the Rain : CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

Stormy Weather : ETTA JAMES

November Rain : GUNS N’ROSES

Happy When It Rains : JESUS & MARY CHAIN

Only Happy When It Rains : GARBAGE

Riders on the Storm : THE DOORS

Rainy Night in Georgia : BROOK BENTON

Rain & Tears : APHRODITE’S CHILD

Let It Rain : ERIC CLAPTON

La Pluie qui tombe : DANIEL DARC

Le tabac
nuit gravement
à la santé

Cigarette : JACQUES HIGELIN

Cigarettes and Coffee : OTIS REDDING

Three Cigarettes in an Ashtray : PATSY CLINE

Dieu fumeur de havanes : GAINSBOURG ET DENEUVE

Cigarettes and Chocolaté Milk : RUFUS WAINWRIGHT

Fume, fume cette cigarette : EDDY MITCHELL

14 ans les Gauloises : ÉRIC CHARDEN

Tobacco Road : NASHVILLE TEENS

You Burn Me Up, l’m a Cigarette : ROBERT FRIPP

Been Smoking Too Long : NICK DRAKE

Le point commun

Le point commun entre John Lennon,
David Bowie et Serge Gainsbourg ?
La Gitane brune sans filtre, Beuuaaark.

Dix chansons sur la
fumée
(qui sent bon)

How to Roll a Blunt : REDMAN

Hashish : LONG CHRIS

La Fille du coupeur de joints : HUBERT-FÉLIX THIÉPHAINE

Legalize It : PETER TOSH

Quand j’étais un voyou : GEORGES MOUSTAKI

Chalice in the Palace : U-ROY

Dr. Greenthumb : CYPRESS HILL (et aussi I Wanna Get High, Hits From the Bong, Can I Get a Hit, Ganja Bus, Bong Hit, High Times, Marijuana Locos, Light Another, Something for the Blunted, Stoned Raiders, Everybody Must Get Stoned… Ah ! quand l'inspiration est là…)

When I Get Low I Get High : ELLA FITZGERALD

Smoke Two Joints : SUBLIME

Good Medicine : THE INHALERS

Dix chansons sur
l'homosexualité

(Sing If You’re) Glad to Be Gay : TOM ROBINSON

Pink Triangle : WEEZER

Michael : FRANZ FERDINAND

Homosapien : PETE SHELLEY

Can You Forgive Her : PET SHOP BOYS

Damn I Wish I Was Your Lover : SOPHIE B. HAWKINS

The Man That lAm With My Man : THE HIDDEN CAMERAS

Bull Dyke Woman’s Blues : LUCILLE BOGAN

Why ? et Smalltown Boy : BRONSKI BEAT

So Many Men So Little Time : MIQUEL BROWN

Et une 11e pour la route :

Elle me plaît : ANAÏS

Ne confondons pas les
Jones

• Brian Jones : membre fondateur des Rolling Stones. L’Ange blond était pour certains fans ultimes l’âme véritable du groupe. Pour d’autres, c’était juste une tête de mule défoncée en permanence et acariâtre. Multi-instrumentiste il est viré par ses comparses au début de l’été 1969 et meurt accidentellement quelques jours plus tard : son corps est retrouvé sans vie dans la piscine de sa propriété.

• Grace Jones : mannequin-vedette des années 1980, égérie et compagne de l’illustrateur Jean-Paul Goude, elle fit les belles nuits du théâtre Le Palace avec sa reprise de La Vie en rose d’Édith Piaf et ses albums fulgurants à la charnière des années 1980, contenant des reprises de Love Is the Drug, Nightclubbing, etc.

• Mick Jones : guitariste membre fondateur des Clash, il est avec Joe Strummer le principal compositeur du groupe. Viré pour incompatibilité d’ego, il se lance dans l’aventure Big Audio Dynamite au début des années 1980. Il se consacre presque exclusivement désormais au rôle de producteur (The Libertines) mais a remonté un groupe, pas fameux d’ailleurs : Carbon / Silicon.

• Mick Jones : ex-accompagnateur de Johnny dans les années 1960, fondateur ensuite de Foreigner, l’un des groupes FM les plus pénibles des décennies 1970 et 1980.

• Quincy Jones : musicien de jazz américain, il débute dans le grand orchestre de Lionel Hampton, puis vient à Paris étudier la composition avec Nadia Boulanger pour devenir ensuite directeur artistique d’Eddie Barclay. Il arrange et produit des titres d’Henri Salvador et des Double Six, compose un nombre impressionnant de musiques de films, signe un classique pop éternel (Soul Bossa Nova), mais son plus grand succès commercial reste évidemment à ce jour l’album « Thriller » de Michael Jackson, vendu à plus de 100 millions d’exemplaires dans le monde. • Tom Jones : chanteur gallois, crooner à la voix unique et puissante, il connaît ses premiers succès dans le milieu des années 1960 en Angleterre puis la gloire à Las Vegas en reprenant des tubes du King Elvis Presley. Après un léger déclin artistique, il renoue avec la popularité dans les années 1980 en travaillant avec le groupe Art of Noise (cf. sa reprise du Kiss de Prince). Celui qui récemment encore affirmait qu’il est une Sex Bomb attire toujours autant de femmes à ses concerts, sauf qu’elles ont l’âge de leur idole et que c’est pas joli-joli d’envoyer sur scène sa petite culotte (voire sa couche Confiance) quand on approche des 70 ans…

Sans oublier Keziah Jones, Gloria Jones, David Robert Jones (alias David Bowie), Sharon Jones, Booker T. Jones (& the M. G.’s), John Paul Jones (Led Zeppelin), Rickie Lee Jones, Howard Jones, etc.

My Taylor is rich :
ne les confondons pas non plus

• James Taylor : auteur-compositeur américain en vogue dans les années 1970, il incarne la désillusion des hippies, la fin des idéaux et le repli sur soi, avec à la clé des chansons sublimes et délicates (Fire and Rain, Country Road, You’ve Got a Friend, etc.). Toujours en activité.

• James Taylor Quartet : groupe londonien, pivot de la scène Acid Jazz locale, très populaire depuis la fin’des années 1980, avec à sa tête l’organiste James Taylor. Excellent sur scène, décevant sur disque.

• Roger Taylor : batteur et percussionniste du groupe Queen, l’un des plus brillants de sa corporation, mais aussi chanteur plus que convenable et compositeur émérite (I'm in Love With My Car, A Kind of Magic, These Are the Days of Our Lives : c’est lui).

• Roger Taylor, John Taylor, Andy Taylor : respectivement batteur, bassiste et guitariste du groupe néo-romantique anglais Duran Duran. Ils ne sont pas frères et sont nés à dix mois d’écart.

• Philthy Animal Taylor : batteur de la meilleure époque de Motörhead (1977-1984, avec Lemmy à la basse et aux grognements et Fast Eddie Clarke à la guitare). Joue sur les classiques Ace of Spades, (We Are) the Road Crew, etc. Surnommé Animal pour son comportement bestial et sa ressemblance avec le batteur du Muppet Show.

• Cecil Taylor : pianiste de jazz américain, activiste engagé dans la grande révolution du free jazz de la fin des années 1960 avec ses pairs Archie Shepp et Sunny Murray.

• Chip Taylor : petit frère de l’acteur américain Jon Voight (si vous aimez ce genre de trivia), auteur du standard rock Wild Thing, créé par Jordan Christopher & the Wild Ones puis grogné par les Troggs (avec un Reg Presley réduit au rang de l’animal lubrique) et des dizaines d’autres. Également auteur d’Angel of the Morning (Juice Newton), Try (Just a Little Bit Harder) (Janis Joplin), etc. Toujours en activité.

• Dick Taylor : premier bassiste des Rolling Stones, qu’il quitte pour former avec le chanteur Phil May les Pretty Things, soit le plus violent, le plus menaçant des groupes anglais apparus au milieu des années 1960, à côté duquel les Rolling Stones font figure de premiers de la classe.

• Mick Taylor : guitariste blues-rock anglais qui connut son heure de gloire en étant choisi par les Rolling Stones pour remplacer Brian Jones, dès 1969. Démissionne en 1974 pour mener une carrière solo nettement plus discrète.

• Vince Taylor : chanteur américain qui fit carrière en France au début des années 1960, célèbre pour ses chaînes et ses costumes de cuir noir, auteur du classique Brand New Cadillac repris par les Clash. Ses abus divers lui grillèrent le cerveau et l’ont privé d’une carrière digne de ce nom mais son influence reste immense. Il est mort en Suisse, en 1991, dans un anonymat presque total.

• Hound Dog Taylor : guitariste et chanteur de blues, pilier de la scène de Chicago. Né en 1915 (ou 1917), il se met à la guitare dès l’âge de 20 ans, mais ne publie son premier enregistrement qu’en 1971 sur le label Alligator de Bruce Iglauer. Réputé pour jouer sur une guitare de marque Keiko et son jeu de slide sauvage, le cancer (qui l’emporte en 1975) ne lui laisse pas le temps de savourer sa soudaine popularité. Chaudement recommandé : l’album « Natural Boogie » (1973).

• Johnnie Taylor : chanteur soul signé sur le légendaire label Stax en 1966, interprète du tube Who’s Making Love deux ans plus tard, qui pose une question pertinente : qui fait l’amour à ta femme quand tu la trompes ? A ensuite vendu son âme en cartonnant avec Disco Lady, mais c’est une autre histoire…

L’histoire de
Louie Louie

Composée par Richard Berry en 1955, Louie Louie est l’un des plus grands standards de l’histoire du rock’n’roll. S’inspirant d’un titre de Ricky Rillera & the Rhythm Rockers (El Loco Cha Cha), le titre paraît en 1957 sur le label Flip Records. Scolarisé à la Jefferson High School de Los Angeles, Richard Berry est un membre à part entière de la petite communauté doo-wop locale ; il est le chanteur non crédité sur la version originale de Riot in Cell Block 9 avec les Robins, qui deviendront plus tard les Coasters.

Louie Louie ne rencontre qu’un succès modeste dans la région de Los Angeles et Richard Berry cède les droits d’édition de son titre pour 750 dollars au patron de Flip Records. La chanson est bientôt reprise par les Wailers, un groupe de Tacoma, qui décident de la refaire à leur manière ; publiée sur leur label Etiquette Records, elle devient un hit modeste dans la région de Seattle. Deux groupes-vedettes de la région, Paul Revere & the Raiders et les Kingsmen, en enregistrent promptement des versions. Celle des Kingsmen, particulièrement primitive, punk dans l’âme (sauf qu’on est en 1963), rentre dans le Top 10 du Billboard en fin d’année. Soupçonnée d’obscénité (les paroles sont inintelligibles à 75 %), la version des Kingsmen fait l’objet d’une enquête par le FBI, mais faute de preuve les Kingsmen sont lavés de tout soupçon. Et pourtant, l’intention subversive saute aux yeux !

Louie Louie a inspiré de nombreux groupes comme les Kinks (cf. You Really Got Me) et a été interprété par des centaines de groupes à travers le monde. La station de radio américaine KFJC s’est lancée en août 1983 dans un marathon de soixante-trois heures intitulé Maximum Louie Louie, réunissant toutes les covers sur lesquelles ses animateurs avaient pu mettre la main… Un livre entier a été écrit sur cette chanson, signé Dave Marsh, ancien journaliste du magazine Rolling Stone. Plus d’infos sur le site www louielouie net

Vous faites quelle
pointure ?

Blue Suede Shœs,

CARL PERKINS

These Boots Are Made for Walkin',

NANCY SINATRA

Take Your Shœs Off,

DINAH WASHINGTON

Stranger in Blue Suede Shœs,

KEVIN AYERS

Dirty Boots,

SONIC YOUTH

Red Shœs by the Drugstore,

TOM WAITS

Lèche-bottes blues,

EDDY MITCHELL

Old Brown Shoe,

THE BEATLES

Les quinze lauréats du
Bus d'Acier

Lancé au début des années 1980, soit avec une bonne longueur d’avance sur les Victoires de la Musique, le Bus d’Acier, alias Grand Prix du Rock français, fut décerné par des journalistes (presse, radio, télé) pendant une quinzaine d’années. Faute de relais médiatique suffisant, l’aventure s’est interrompue en 1996, et c’est bien dommage.

1981 : ALAIN BASHUNG

1982 : CHARLÉLIE COUTURE

1983 : INDOCHINE

1984 : LIZZY MERCIER DESCLOUX

1985 : ÉTIENNE DAHO

1986 : STEPHAN EICHER

1987 : CARTE DE SÉJOUR

1988 : BÉRURIER NOIR (qui refuse le prix)

1989 : NOIR DÉSIR

1990 : MANO NEGRA et les RITA MITSOUKO

(prix spécial 10 ans du Bus d’Acier)

1991 : PAUL PERSONNE

1992 : LES INNOCENTS

1993 : FFF

1996 : KAT ONOMA

Quelques
émissions rock mythiques
de la télévision française

• Bouton rouge : première diffusion le 16 avril 1967. Présentée par Pierre Lattès, l’émission disparaît dans la tourmente de Mai 68. Un des moments phares de cette trop courte émission reste la prestation surréaliste de Captain Beefheart & His Magic Band filmée sur la plage de Cannes lors du Midem de 1968.

• Pop Deux (ou Pop 2) : première diffusion le 30 avril 1970. Présenté par Patrice Blanc-Francart jusqu’en 1974, Pop Deux innove en organisant de vrais concerts au Bataclan ou au Théâtre du Châtelet où se produisent régulièrement quelques émeutes provoquées par de sombres agitateurs réclamant « la musique gratuite pour les masses populaires ». Certains d’entre vous se souviendront avec émotion de la reformation du Velvet Underground en 1972, des concerts du MC5, de Jeff Beck, de Pink Floyd, des interviews de John Lennon ou Nico, etc. De belles images à revoir sur le site de l’Institut national de l’audiovisuel.

• Chorus : première diffusion le 24 septembre 1978. Produit par Antoine de Caunes, qui bientôt le présente (avec une bande de zouaves à ses côtés, dont Jacky, qui fera ensuite carrière auprès de Dorothée), depuis le Théâtre de l’Empire, où sont filmés des dizaines de concerts mythiques (Clash, Téléphone, ZZ Top, etc.).

• Les Enfants du rock : première diffusion le 7 janvier 1982. Créés par Pierre Lescure, Les Enfants réunissaient plusieurs émissions distinctes (Houha Houba, Sex Machine, Haute Tension) et des documentaires ou concerte présentés par une pléiade de spécialistes (Philippe Manœuvre, Jean-Pierre Dionnet, Antoine de Caunes, Bernard Lenoir). Les Enfants du rock ont su imposer le rock à la télévision avec des moyens conséquents et une audience respectable. L’émission est pourtant supprimée en 1988.

• Rapido : après s’être appelé Rock Report (sur Antenne 2, en ouverture des Enfants du rock) durant la saison 1986-1987, Rapido est lancé en septembre 1987 sur TF1 (privatisée) avec l’ambitieux projet de mélanger reportages et concerts. Le concept ne tient que quelques mois, se réduit bientôt à sa seule dimension reportage, pour renaître ensuite sur Canal + en janvier 1989 (jusqu’en 1993). Présentée par Antoine de Caunes, l’émission fait merveille grâce au débit rapide de son animateur, à la qualité des sujets et des montages (un rythme imaginé par l’Américain Peter Stuart), au générique signé Jean-Baptiste Mondino et bien sûr aux voix off de Gilles Verlant, coauteur du livre que vous tenez entre les mains. C’est un tel succès que l’émission est vendue à la BBC, avec son animateur qui devient outre-Manche l’archétype du French Lover à l’accent carabiné.

Hiroshima
mon amour

ORCHESTRAL MANŒUVRES IN THE DARK :
Enola Gay (surnom du bombardier qui a lâché la première bombe atomique sur Hiroshima)

CHARLES MINGUS :
Oh Lord ! Don’t Let Them Drop
That Atomic Bomb on Me

U2 :
How to Dismantle an Atomic Bomb

BLONDIE :
Atomic

BORIS VIAN :
La Java des bombes atomiques

SLIM GAILLARD QUARTET :
Atomic Cocktail

LOUVIN BROTHERS :
Great Atomic Power

Bo DIDDLEY :
Mr. Kruschev

GOLDEN GATE QUARTET :
Atom & Evil

MUDDY WATERS :
Atomic Bomb Blues

Les ordonnances du
Dr. George Nichopoulos

Dans ses accusations portées contre les pratiques douteuses du médecin personnel d’Elvis Presley, le conseil de l’ordre des médecins du Tennessee a établi la liste complète des médicaments qu’il a prescrits au King. Plus de huit pages furent nécessaires ! Jusqu’à sa mort en août 1977, il a gobé des milliers de pilules, parmi lesquelles :

Amytal : traitement de l’insomnie

Carbrital : traitement de l’insomnie

Demerol : utilisé pour prévenir les troubles du rythme cardiaque

Dexamyl : antidépresseur (retiré du marché pour ses effets secondaires dangereux)

Dexedrine : sert à traiter l’hyperactivité et l’obésité, de la famille des amphétamines

Hycomine : sirop contre la toux

Leritine : antidouleur puissant, médicament opiacé (retiré du marché)

Lomotil : traitement de la diarrhée

Percodan : antidouleur

Tuinal : tranquillisant

Quaalude : somnifère et relaxant musculaire puissant (retiré du marché)

Valium : somnifère également préconisé dans le traitement de l’anxiété, des crises d’angoisse, etc.

Comment Universal,
petite firme de Chicago créée en
1912, est-elle devenue leader
mondial de l’industrie
phonographique ?

I. PÉRIODE 1898-1950

1898 : création de Deutsche Grammophon Gesellschtaff par la National Grammophon Company.

1912 : création de Universal Films Manufacturing Co. à Chicago, par Carl Laemmle.

1915 : Samuel Bronfman crée la Distillers Corporation au Canada.

1924 : création de Polydor comme filiale de Deutsche Grammophon Gesellschtaff à l’étranger.

1924 : fondation à Chicago, par Jules Stein, de MCA, agence de management.

1928 : Distillers Corp. rachète Seagram & Sons, maison fondée en 1857.

1934 : Decca Records, société britannique, lance Decca Records aux États-Unis.

1941 : rachat de Deutsche Grammophon Gesellschtaff par Siemens & Halske.

1949 : MCA crée son département de production TV.

1950 : la société hollandaise Philips Electronics crée Philips Phonographische Industries.

II. PÉRIODE 1950-1970

1951 : création de Philips Classics.

1952 : Decca prend le contrôle de Universal Pictures. 1958 : MCA rachète Universal Studios et les films Paramount d’avant 1948.

1960 : rachat de Mercury Records par Philips.

1962 : Philips et Siemens créent une société commune. Philips prend 50 % de Deutsche Grammophon et Siemens 50 % de Philips Phonographische Industries.

– Fusion de MCA et Universal Pictures quand MCA rachète Decca.

1964 : Philips rachète Verve Records.

III. PÉRIODE 1970-1990

1972 : les filiales de Philips et Siemens se réorganisent sous le nom de PolyGram.

1973 : Decca America devient MCA Records.

1975 : Distillers Corporation-Seagram Limited devient Seagram Company.

1979 : MCA Records rachète ABC Records.

1979 : PolyGram rachète en Angleterre Decca Classics.

1985 : MCA rachète les disques Chess.

1989 : rachat d’Island Records par PolyGram.

– MCA Records rachète Geffen Records et GRP Records.

1990 : PolyGram rachète A & M Records.

IV. PÉRIODE 1990-2000

1991 : Matsushita Electric Industries Co. rachète MCA Inc.

1993 : PolyGram rachète Motown Records.

1994 : PolyGram prend 50 % de Def Jam Recordings.

1995 : Seagram. achète 80 % de MCA Inc.

1996 : MCA devient Universal Music Group.

1998 : Seagram rachète PolyGram rebaptisé Universal Music Group.

2000 : Vivendi rachète Seagram.

Les parts de marché de Universal Music Group dépassent aujourd’hui, au niveau mondial, les 25 %.

Labels détenus / distribués en France par Universal Music

A & M, Atmosphériques, AZ, Barclay, Chess, Decca, Def Jam, Deutsche Grammophon, Dreamworks, Fontana, Geffen, GRP, Impulse, Interscope, Island, London, Lost Highway Music, MCA, Mercury, Motown, Philips, Polydor, Sanctuary, Stax, V2, Verve.

Organismes
officiels français
des professionnels

L’industrie phonographique française croule sous une multitude de syndicats professionnels, sociétés d’auteurs, chambres syndicales, organismes publics et autres fonds dédiés au soutien à la création, qui défendent la diversité culturelle française. Voici les sigles ou acronymes des principaux organismes : SNEP, UPFI, SCPP, SPPF, SACEM, SACD, SCAM, SDRM, ADAMI, CSDEM, IRMA, Prodiss, UNAC, CNV, FAIR, SESAM, SPEDIDAM, etc.

Fooding 1 :
onze chansons qui donnent faim

Green Onions : BOOKER T. & THE M. G.’S

Country Pie : BOB DYLAN

Soup Song : ROBERT WYATT

Life Is a Minestrone : 10CC

Vegetables : THE BEACH BOYS

Eggs & Sausages : TOM WAITS

Food : THE TURTLES

TV Dinners : ZZ TOP

Supper’s Ready : GENESIS

Quiche Lorraine : THE B-52’S

Et si vous avez un coup de barre : Mars Bars,
des UNDERTONES, et ça repart !

Fooding 2 :
des groupes qui donnent faim
(ou soif)

Orange Juice (jus d’orange) : groupe écossais du milieu des années 1980. Edwin Collins, son leader, connut un peu plus tard le succès avec le titre A Girl Like You.

Bread (pain) : groupe californien du début des années 1970 réputé pour ses compositions douces et sucrées.

Eels (anguilles) : groupe américain apparu dans les années 1990, mené par le très perturbé Mark E.

Electric Prunes (prunes électriques) : groupe psychédélique des années 1960 célèbre pour sa « Mass in F Minor » qui reste toujours aussi difficile à supporter à l’écoute plus de quatre décennies après sa sortie.

Lemonheads (têtes de citron) : groupe américain mené par Evan Dando. Auteur d’un album sublime (« Come on Feel the Lemonheads », 1993) et puis s’en va. En solo. Pas loin.

Milkshakes : un des groupes anglais du début des années 1980 à l’origine de la scène psychobilly anglaise (avec les Meteors et les Sting Rays). Son leader, Billy Childish (auteur, poète, peintre, réalisateur, photographe, compositeur, chanteur, guitariste), a également fondé au fil des ans The Pop Rivets, The Mighty Casears, The Del Monas, The Headcoats, Wild Billy Childish & the Friends of the Buff Meadways Fanciers Association, qui se transforma plus tard en Wild Billy Childish & the Musicians of the British Empire pour aboutir en 2007 à la formation des Vermin Poets. Billy Childish a publié plus d’une quarantaine de recueils de poèmes, peint plus de 2 500 toiles (d’une laideur difficilement soutenable), publié une centaine d’albums et écrit quatre romans. On appelle ça « un excentrique ».

Peanut Butter Conspiracy (la conspiration du beurre de cacahuète) : groupe underground américain issu de la vague psychédélique des années 1960, auteur de deux albums pour la firme Columbia, dont le plus réussi s’intitule « The Great Conspiracy ».

Cake (gâteau) : groupe américain de la fin des années 1990 aux influences country-pop, auteur également d’une reprise déglinguée du I Will Survive de Gloria Gaynor.

The Cake : à ne pas confondre avec les précédents, d’ailleurs ça ne risque pas puisqu’il s’agit cette fois de trois filles (Jeannette, Barbara et Eleanor), fans de pop baroque et de Phil Spector, qui n’ont publié que deux albums en 1967 et 1968, rigoureusement indispensables et (bien sûr) absolument introuvables.

Martha & the Muffins : groupe canadien des années 1970-1980 fameux pour au moins une chanson : Echo Beach.

Red Hot Chili Peppers (piments rouges super-piquants) : groupe californien, fer de lance du funk-metal. Toujours vaillants malgré la drogue et les drames, les Red Hot continuent de bourrer les stades et de sortir des albums pimpants.

Cranberries (airelles) : groupe irlandais des années 1990, fameux pour sa chanteuse (Dolores O’Riordan) et ses tubes planétaires comme Zombie (1994).

Salt’n’Pepa (sel et poivre) : trio féminin qui a épicé les charts rap américains de la seconde moitié des années 1980.

Hot Tuna (thon chaud) : groupe californien des années 1970 fondé par Jorma Kaukonen et Jack Casady, respectivement ex-guitariste et ex-bassiste du Jefferson Airplane, groupe phare de la scène psychédélique de San Francisco. Pratiquait un blues lysergique très plaisant.

Sugar (sucre) : fondé par Bob Mould, ex-leader du groupe punk Hüsker Dü, originaire de Minneapolis, qui influença toute la vague grunge.

Silver Apples (pommes argentées) : duo électronique avant-gardiste formé de Simeon Coxe III et Danny Taylor, issu de la scène new-yorkaise des années 1960, dont on dit qu’il influença la scène allemande au début de la décennie suivante.

« Camenbert électrique »

Titre d’un album de Gong, le groupe le plus joyeusement défoncé du début des années 1970, qui vivait en communauté quelque part dans le sud de la France, avec à sa tête un ancien membre de Soft Machine, Daevid Allen. Dans leurs chansons, il était surtout question de gnomes et de théières volantes. Consommaient-ils de la drogue ? Mystère…

Quinze chansons
à consommer avec modération
(l’abus d’alcool est dangereux pour la santé)

The Bottle : GIL SCOTT-HERON

Too Drunk to Fuck : DEAD KENNEDYS

Cold Gin : Kiss

Poison Whiskey : LYNYRD SKYNYRD

Drinking Again : ROD STEWART

The Piano Has Been Drinking (Not Me) : TOM WAITS

Beer for Breakfast : THE REPLACEMENTS

Whiskey’n Mama : ZZ TOP

Why Don’t We Get Drunk and Fuck : JIMMY BUFFET

Gin and Juice : SNOOP DOGG 113

Streams of Whiskey : THE POGUES

Tequila Sunrise : THE EAGLES

Red Red Wine : UB40

Beercan : BECK

One Bourbon, One Scotch, One Beer :
JOHN LEE HOOKER

Le Kraut Rock
(rock choucroute)

Terme peu aimable servant aux journalistes anglais et français des années 1970 pour parler d’un monument de l’époque, quand outre-Rhin une théorie de groupes abondamment velus mêle sur de longues plages, le plus souvent instrumentales, expérimentations électroniques, rock planant, et effets de studio d’époque. L’étiquette vient d’un morceau portant effectivement ce nom, par le groupe Faust, sur leur album « Faust IV », en 1973. Le terme englobait des groupes et artistes aussi dissemblables que Can, Neu !, Amon Düül, Klaus Schulze, Kraftwerk, Tangerine Dream, AshRa Temple, Agitation Free, Popol Vuh, Cluster, Cosmic Jokers, Embryo, etc. On s’est par la suite beaucoup moqué du Kraut Rock, mais quelques années plus tard, les musiques electro, lounge, etc., lui ont énormément emprunté et, de Can à Kraftwerk, les grands noms du genre sont restés des références incontournables.

Dix albums de
Kraut Rock
à écouter toutes affaires cessantes
(selon le chanteur liverpuldien allumé Julian Cope, fan n°l du genre)

1. « Tago Mago », par Can (1971) : formé en 1968 à Cologne, Can pratiquait l’improvisation et l’expérimental, dans un état d’esprit proche de Zappa. Damo Suzuki, chanteur nippon au sein de ce conglomérat germain, apportait une force mélodique sur des vagues hypnotiques à la limite de la transe. Can a influencé des dizaines de groupes, jusqu’à aujourd’hui.

2. « Neu ! », par Neu ! (1972) : formé en 1971 d’une scission de Kraftwerk, Neu ! comptait en son sein le célèbre ingénieur du son Konrad « Conny » Platik. Aujourd’hui révéré par Bowie ou Radiohead, Neu ! a sorti trois albums, dont celui-ci, son premier. Sur le deuxième, un titre sera repris par Tarantino dans la BO de Kill Bill !

3. « I », par Kraftwerk (1971) : avant de faire des tubes (Radioactivity, Computer World, Tour de France, etc.) et d’être indirectement responsable du disco, de la house et du hip-hop, Kraftwerk naît à Düsseldorf en 1970 et sort trois albums dans une première formation qui pratique l’avant-garde.

4. « Tanz Der Lemminge », par Amon Düül II (1971) : en 1967, à Munich, des étudiants très engagés à gauche forment Amon (dieu du Soleil en Égypte) Düül (dieu de la Musique en Turquie) et contribuent à inventer le Kraut Rock. Après quatre albums sous expérimentation psychotrope, avec un personnel fluctuant, ils se séparent et forment Amon Düül II. Les deux formations successives ont réalisé une grosse vingtaine d’albums, dont celui-ci, un double.

5. « IV », par Faust (1974) : une trentaine d’albums au compteur de ce groupe formé en 1971 à Wümme, et qui s’est reformé récemment, en deux entités distinctes mais sous le même nom, question de brouiller les pistes. Après deux albums chez Polydor, ils sont un des premiers groupes signés chez Virgin par Richard Branson, avant d’aller poursuivre ailleurs leurs aventures rigoureusement expérimentales.

6. « Viva », par La Düsseldorf (1978) : Klaus Dinger, ex-Kraftwerk et Neu !, forme La Düsseldorf, trio de musique électronique qui influencera plus tard le travail de David Bowie et Brian Eno durant leur période dite « berlinoise ».

7. « Ash Ra Tempel », par Ash Ra Tempel (1971) : groupe majeur du Kraut Rock, fondé en 1971 à Berlin, par Klaus Schulze et un autre camarade passé comme lui par Tangerine Dream. Après ce classique du genre space-rock, Schulze s’en va faire fructifier une carrière solo, laissant Ash Ra Tempel sortir quelques albums jusqu’en 1975. Puis il les rejoint pour une reformation et un nouvel album en 2000.

8. « Cluster II », par Cluster (1972) : Kluster (avec un K) se forme à Berlin en 1969, autour de trois musiciens expérimentaux qui sortent trois disques avant de se séparer, puis de former Cluster (avec un C), qui réunit Hans-Joachim Roedelius, Dieter Moebius et l’incontournable Conny Plank. Ils sortent une douzaine d’albums, dont deux avec leur ami et admirateur Brian Eno en 1977-1978. Ils se séparent en 1981, se reforment entre 1989 et 1997, puis une nouvelle fois en 2007.

9. « Aguirre », par Popol Vuh (1972) : formé en 1970 par Florian Fricke, Popol Vuh (nom tiré de la mythologie maya) est un pionnier de la musique new âge (appelée ambient à ses débuts). Ils sortent vingt albums jusqu’à la mort de Fricke en 2001, et signent la musique de cinq films de Werner Herzog, dont Aguirre.

10. « Phaedra », par Tangerine Dream (1974) : fondé à Berlin en 1967 par Edgar Froese, Tangerine Dream est sans doute le plus connu des groupes Kraut Rock. Autour de Froese, près de vingt musiciens sont passés dans les différentes incarnations de la formation, dont Klaus Schulze et plusieurs membres éminents de la scène électronico-planante germanique. « Phaedra » est le premier 33 tours publié chez Virgin, mais ils ont en tout publié, tenez-vous bien, près de quatre-vingt-dix albums jusqu’à ce jour, sous différents labels, en comptant les musiques de films et projets annexes.

Le pire
des meilleurs

Les pires chansons des plus grands artistes, à écouter avec la plus grande circonspection…

THE BEATLES :
Ob-La-Di, Ob-La-Da

DAVID BOWIE :
The Laughing Gnome

MICK JAGGER :
Sweet Thing

PAUL MCCARTNEY & STEVIE WONDER :
Ebony & Ivory

QUEEN :
Radio Ga Ga

GUNS N’ROSES :
My World

LED ZEPPELIN :
Hot Dog

BRUCE SPRINGSTEEN :
Pony Boy

Ac/Dc :
Shake Your Foundation

BRYAN ADAMS :
(Everything I Do) I Do It For You

Un endroit inspiré

De Los Angeles, on connaît surtout les quartiers huppés de Beverly Hills, le plus hippy et touristique Venice Beach, le fashion Santa Monica et le résidentiel Malibu. Mais un quartier plus reculé et plus boisé, Laurel Canyon, en arrière de tout ça, a été dans les années 1960 le siège d’un véritable mouvement musical. Cela commence par une jolie maison sur Lookout Mountain, au cœur de Laurel Canyon, qui accueille Joni Mitchell, chanteuse et peintre canadienne. Elle invite un ami, Graham Nash, un Anglais qui vient de quitter son groupe, les Hollies. Viennent traîner dans le coin Stephen Stills et David Crosby, puis, au fur et à mesure des mois, les agents immobiliers de Laurel Canyon sont assaillis de demandes de clients célèbres, ou appelés à le devenir, tels The Mamas & the Papas. Mais aussi Frank Zappa, Brian Wilson des Beach Boys, Jim Morrison des Doors, Carole King, John Mayall (un autre Anglais, qui nommera un de ses albums « Blues From Laurel Canyon »). The Byrds, Crosby Stills Nash & Young, Buffalo Springfield, The Eagles et quelques autres sont des groupes de Laurel Canyon. Tout ce petit monde se mélange dans des soirées qu’on imagine exaltantes, mais qu’on sait aussi profondément narcotiques, tant les substances de toutes sortes y circulent dès l’apéritif, par pleins saladiers. De quoi dissoudre dans la poudre l’esprit de Laurel Canyon, qui, effectivement, n’y survécut pas.

is it a bird ?

La transsexualité est un chouette choix de vie : C’est ce qu’ont pensé successivement Walter Carlos (devenu Wendy après son opération en 1972), connu pour avoir signé les BO de deux chefs-d’œuvre de Stanley Kubrick (respectivement Orange mécanique, en 1971, et Shining en 1980), et, avec Switched-On-Bach, un monument d’easy listening, en travaillant Jean-Sébastien au synthétiseur Moog (dont il fut l’un des pionniers). Autre cas de changement de sexe, le chanteur punk new-yorkais Wayne County, né Wayne Rogers à Dallas, en 1947, émigré à New York en 1968, proche d’Andy Warhol, puis chanteur glam. En 1975, il figure, aux côtés de Pere Ubu ou Suicide, sur la compilation « Max’s Kansas Cily New York New Wave », puisqu’il est un régulier du Max’s comme du CBGB. En 1977, il file à Londres former Wayne County & the Electric Chairs, connu pour ses hymnes Fuck Off, Toilet Love et autre Cream in My Jeans. En 1979, Wayne devient officiellement Jayne County. Il (elle) a enregistré une quinzaine d’albums, joué dans une dizaine de films (autour du punk ou de la scène gay new-yorkaise) et signé une autobiographie en 1995 : Man Enough to Be a Woman. Enfin, moins connu, David Palmer, claviériste barbu du groupe prog-rock anglais Jethro Tull dans les années 1975-1980, est devenu Dee Palmer sur le tard (à 67 ans). Après avoir rasé sa barbe.

La chanson du lundi

THE BANGLES : Manic Monday

THE BOOMTOWN RATS : I Don’t Like Mondays

MARIANNE FAITHFULL : Monday Monday

THE CARPENTERS : Rainy Days and Mondays

THE MAMAS & THE PAPAS : Monday Monday

NEW ORDER : Blue Monday

JESSE GARON : C’est lundi

THE VERVE : Make It Till Monday

FLEETWOOD MAC : Monday Morning

WILCO : Monday

La chanson du mardi

THE ROLLING STONES : Ruby Tuesday

THE POGUES : Tuesday Morning

MOODY BLUES : Tuesday Afternoon

COUNTING CROWS : On a Tuesday
in Amsterdam Long Ago

STEVIE WONDER : Tuesday Heartbreak

Cow BOY JUNKIES : Sun Cornes Up
It’s Tuesday Morning

BOBBY GENTRY : Hurry, Tuesday Child

SMITHEREEN : Groovy Tuesday

CAT STEVENS : Tuesday’s Dead

DAVID BOWIE : Love You Till Tuesday

La chanson du mercredi

THE UNDERTONES : Wednesday Week

SIMON & GARFUNKEL : Wednesday Morning 3 AM

JOHN FRUSCIANTE : Wednesday’s Song

LOTUS : Six Weeks to Wednesday

TORI AMOS : Wednesday

JIMMY EATS WORLD : Wednesday

BABY BOY : Monday, Tuesday, Wednesday
(The Proposal Song)

AMERICA : Wednesday Morning

LISA LOEB & NINE STORIES : Waiting for Wednesday

ELVIS COSTELLO : Wednesday Week

La chanson du jeudi

DAVID BOWIE : Thursday’s Child

DAVE DEE DOZY BEAKIE MICK & TICH : Mrs. Thursday

BRIAN ENO : Thursday Afternoon

MORPHINE : Thursday

THE HOLLIES : 10 h 15 Thursday Morning

KEITH JARRETT : Hymn for Easter Thursday

JIM CROCE : Thursday

MY BUSINESS FAILED IN THREE WEEKS : It’s the
Wednesday / Thursday Song

INDIGO GIRLS : Thursday Afternoon

MATT COSTA : Sweet Thursday

DONOVAN : Jersey Thursday

La chanson du vendredi

THE CURE : Friday I'm in Love

THE EASYBEATS : Friday on My Mind

JOE JACKSON : Friday

LILY ALLEN : Friday Night

GENESIS : Get'em Out by Friday

THE SPECIALS : Friday Night, Saturday Morning

THEM : Friday’s Child

STEELY DAN : Black Friday

TODD RUNDGREN : Friday Night (Long Flowing Robe)

COWBOY JUNKIES : Good Friday

La chanson du samedi

JOHN FOGERTY : Almost Saturday Night

ELTON JOHN : Saturday Night’s Alright for Fighting

LYNYRD SKYNYRD : Saturday Night Special

DE LA SOUL : A Roller SkatingJam Named « Saturdays »

SUEDE : Saturday Night

TOM WAITS : The Ghosts of Saturday Night (After Hours at Napoleone’s Pizza House)

TOM WAITS : The Heart of Saturday Night

THE BEE GEES : Saturday Night Fever

DAVID BOWIE : Drive-in Saturday

CHICAGO : Saturday in the Park

THE CURE : 10 h 15 Saturday Night

La chanson du dimanche

THE MONKEES : Pleasant Valley Sunday

MORRISSEY : Everyday Is Like Sunday

No DOUBT : Sunday Morning

OASIS : Sunday Morning Call

THE SMALL FACES : Lazy Sunday

U2 : Sunday Bloody Sunday

THE VELVET UNDERGROUND : Sunday Morning

BLONDIE : Sunday Girl

BLUR : Sunday Sunday

THE DOORS : Blue Sunday

STONE TEMPLE PILOT : Church on Sunday

SPANKY & OUR GANG :
Sunday Will Never Be the Same

Le film interdit
que tout le monde a vu
(pas vous ?)

En 1972, pour soutenir l’album « Exile on Main Street », les Rolling Stones font leur première tournée aux États-Unis depuis le drame d’Altamont, en 1969. Pour laisser une trace, ils demandent au documentariste Robert Frank de filmer, avec toute la liberté imaginable, ce qui se passe. Il en résulte un artefact à l’image parfois floue, bleutée, que dès son visionnage le groupe s’empresse d’interdire (ils en sont les producteurs, ils ont le droit). À la suite d’un procès, Robert Frank récupère l’autorisation de le montrer une fois par an en public, à condition qu’il soit présent à la projection. Ces quatre-vingt-treize minutes – sous le titre Cock-sucker Blues – sont une plongée dans l’enfer du sex, drug & rock’n’roll : on y voit Bianca Jagger s’emmerder ferme dans des chambres d’hôtel, Truman Capote et Andy Warhol passer dire bonjour, des roadies embarquer des groupies et les mettre à poil, et une quantité phénoménale et une diversité rare de drogues, consommées par l’équipe avec un enthousiasme non feint. Jamais publié officiellement, le film est depuis longtemps trouvable assez facilement sur le Web. Notez aussi que trois ans plus tôt, pour assurer la promo de l’album « Beggars Banquet », les Rolling Stones avaient, pour la BBC, tourné le non moins légendaire Rolling Stones Rock and Roll Circus, avec des invités aussi prestigieux que John Lennon et Eric Clapton. Sauf que, mécontents de leur propre prestation tournée avec plusieurs heures de retard (trop crevés, trop défoncés ?), les Stones décidèrent d’en interdire la diffusion. Durant vingt-sept ans, le Circus fut aussi mythique que le film de Robert Frank, jusqu’à sa sortie en CD + DVD. De fait, ça joue faux de temps en temps et ils ont l’air out of their heads – mais c’est souvent le cas, avec la bande à Keith, non ?

Le blues du suceur de bites

En 1970, lorsque Mick Jagger et Keith Richards annoncent leur intention de monter leur propre label, Rolling Stones Records, la firme Decca, pour laquelle ils enregistrent depuis 1963, leur envoie sans traîner leurs avocats, qui leur signifient qu’ils doivent encore, selon leur contrat, un 45 tours à leur ancien label. Quelques jours plus tard, nos amis taquins délivrent la bande de Cocksucker Blues au pédégé de Decca, qui n’est pas (du tout) amusé par les paroles, qui racontent comment un jeune provincial (un schoolboy, en prime), fraîchement arrivé à Londres, a choisi de se faire de nouveaux amis :

Yeah, I’m leaning on Nelson’s Column

But all I do is talk to the lions

Oh where can I get my cock sucked ?

Where can I get my ass fucked ?

I may have no money,

But I know where to put it every time

Well, I asked a young policeman

If he’d only lock me up for the night

Well, I’ve had pigs in the farmyard,

Some of them, some of them, they’re alright

Well, he fucked me with his truncheon

And his helmet was way too tight

Oh where can I get my cock sucked ?

Where can I get my ass fucked ?

Ouais, je m’appuie sur la Colonne de Nelson

Mais tout ce que je fais, c’est parler aux lions

Oh, où est-ce que je peux me faire sucer la bite ?

Où est-ce que je peux me faire prendre le cul ?

J’ai peut-être pas d’argent,

Mais je sais où le placer à chaque fois

Bon, j’ai demandé à un jeune flic

S’il ne pouvait pas me boucler pour la nuit

Bon, j’avais des porcs dans la cour de la ferme

Y en avait ; y en avait, ils étaient super

Bon, il m’a baisé avec sa matraque

Et son casque était salement trop serré

Oh, où est-ce que je peux me faire sucer la bite ?

Où est-ce que je peux me faire prendre par le cul ?

Le film autorisé que pas
grand monde n’a vu
(même pas moi)

Tout le monde connaît le documentaire Don’t Look Back, de D.A. Pennebaker, au moins pour son fameux clip où Dylan souligne, face caméra, ses paroles par des affichettes où sont écrites les fins de rimes de Subterranean Homesick Blues. Mais on ignore que Pennebaker a également tourné, en couleurs, un documentaire sur la tournée mondiale de Dylan en 1966 avec The Hawks, futurs The Band. Eat the Document est quasiment invisible, et rarement projeté, en général dans des musées ou des festivals pointus ; il faut dire que son point de vue impressionniste et un montage hasardeux en ont dérouté plus d’un, à commencer par la chaîne ABC qui l’avait commandé. La plus fameuse scène, Dylan et Lennon partageant un joint à l’arrière d’une limousine,’jusqu’au haut-le-cœur fatal du poète américain, est en général coupée des copies.

Des chansons qui se jouent à onze
en écoutant
We Are the Champions
de Queen

Johnny Rep : MICKEY 3D

Red Football : SINEAD O’CONNOR

Mudfootball : JACK JOHNSON

Football Fight : QUEEN

God’s Footballer : BILLY BRAGG

Santa Maradona : MANO NEGRA

Friendly Game of Football : HIGH & MIGHTY

The Football Song : CHUMBAWUMBA

l’m on the Football Team : ALL AMERICAN REJECTS

Zidane y va marquer : CAUET

Évoluer en 3e division : MIOSSEC

You’ll Never WalkAlone : GERRY & THE PACEMAKERS

(la vieille scie de Rodgers & Hammerstein devenue, par ce groupe Merseybeat contemporain des Beatles, l’hymne éternel du Liverpool Football Club !)

Accélération invisible

Accélération Punk, comme son nom l’indique, est un documentaire très do ityourself, signé Robert Glassman, en 1977. D’une qualité technique réputée aléatoire, on y voit The Jam, The Damned, Sex Pistols, Stinky Toys. Une version VHS a été timidement distribuée en 1996, mais l’édition DVD est bloquée par les artistes qui ont tout fait pour en stopper l’exploitation. Une scène de soirée orgiaque dans un appartement parisien de la rue Saint-Georges serait particulièrement gratinée.

Mon cul sur la
commode-core

Le suffixe « core » permet d’induire une dimension extrême au genre auquel il est accolé : hardcore, metalcore, jazzcore, emocore, etc. Ça veut dire que c’est la même chose mais, au choix, en pire ou en mieux. Et encore-core.

Quelques
Protest-songs fameuses
(elles ont changé le monde !)

A Hard Rain’s a-Gonna Fall : BOB DYLAN

The Times They Are A-Changin : BOB DYLAN

The Lonesome Death of Hattie Caroll : BOB DYLAN

Hurricane : BOB DYLAN

Hexagone : RENAUD

A Change Is Gonna Corne : SAM COOKE

Biko : PETER GABRIEL

War : BOB MARLEY

Get Up Stand Up : BOB MARLEY

White Riot : THE CLASH

London’s Burning : THE CLASH

It's the End of the World as We Know It (and I Feel

Fine) : R.E.M.

For What It’s Worth : BUFFALO SPRINGFIELD

Strange Fruit : BILLIE HOLIDAY

People Have the Power : PATTI SMITH

We Shall Overcome : JOAN BAEZ

Télévision, the Drug of a Nation : THE DISPOSABLE  HEROES OF HIPHOPRISY

Le Chant des partisans : TACTIKOLLECTIF

Revolution : THE BEATLES

Talkin’Bout a Revolution : TRACY CHAPMAN

The Revolution Will Not Be Televised : GIL SCOTT-HERON

What’s Going on : MARVIN GAYE

Imagine : JOHN LENNON

Give Peace a Chance : JOHN LENNON

Say It Loud : I’m Black and I'm Proud : JAMES BROWN

Eve of Destruction : BARRY MCGUIRE

Antisocial : TRUST

Nelson Mandela : THE SPECIAL AKA

Street Fighting Man : THE ROLLING STONES

Chansons à messages

Tutti Frutti : LITTLE RICHARD

Bama Lama Bama Loo : LITTLE RICHARD

Bang Bang : CHER

Boom Boom : JOHN LEE HOOKER

Oooby Dooby : ROY ORBISON

Be Bop a Lula : GENE VINCENT

In a Gadda Da Vida : IRON BUTTERFLY

Do Wah Diddy Diddy : MANFRED MANN

Yakety Yak : THE COASTERS

Da Doo Ron Ron : CRYSTALS

Biff Bang Pow : THE CREATION

Te Ni Nee Ni Nu : SLIM HARPO

Zip a Dee Doo Dah : BOB B. SOXX & THE BLUE JEANS

Papa Oom Mow Mow : THE RIVINGTONS

Sha La La La Lee : THE SMALL FACES

Ooh Pooh Pa Dooh : JESSE HILL

Mmm Mmm Mmm Mmm Mmm : THE CRASH TEST DUMMIES

Rama Lama Ding Dong : THE EDSELS

My Ding a Ling : CHUCK BERRY

De Do Do Do De Da Da Da : POLICE

Le rock du cac40

Depuis 1959 et le fameux Money (That’s What I Want) de Barrett Strong, premier pilier de la maison Motown (une chanson reprise par les Beatles et 627 autres), l’argent a souvent été évoqué sans fard par les rock stars au sens large, y compris Pink Floyd (Money), Abba (Money ; Money, Money), Funkadelic (Funky Dollar Bill), Prince Charles & the City Beat Band (Cash Cash Money), Elvis Presley (Money Honey), Allen Toussaint (Viva La Money). Parfois c’était pour se réjouir d’être en fonds, comme le chanteur reggae Dennis Brown (Money in My Pocket), parfois pour regretter d’être à sec, comme les Valentine Brothers (Money’s Too Tight [to Mention], repris par Simply Red). Certains se plaignent de ceux qui gagnent du bel argent en faisant les crétins à MTV (Money for Nothing, Dire Straits), d’autres du percepteur qui voudrait taxer l’air qu’ils respirent (Taxman, les Beatles). On peut aussi commettre des hold-up (Bankrobber, The Clash), rêver de drôles de créatures en caoutchouc (Billion Dollar Babies, Alice Cooper), avoir envie de bouffer les riches (Eat the Rich, Aerosmith), prendre l’argent et se tirer (Take the Money and Run, Steve Miller Band), danser le Wall Street Shuffle (avec 10CC) ou encore chanter la gloire du CAC 40 et du N*A*S*D*A*Q avec Thomas Dutronc…

Bien avant les
riot girrrrls,
elles jouaient du rock couillu
(entre filles)

BIRTHA

FANNY (un prénom, mais aussi une chatte, en argot)

L7

THE RUNAWAYS (Joan Jett, Lita Ford et leurs copines pas du tout vulgaires)

VIXEN

GIRLSCHOOL

THE SLITS (les fentes : élégant, non ?)

THE SHAGS (les toisons, officiellement, mais to have a shag veut aussi dire baiser)

SCREAMIN’ SIRENS

ROCK GODDESS

THE RAINCOATS

PHANTOM BLUE

THE PANDORAS

LUSCIOUS JACKSON

LILIPUT

THE GTO’S

GOLDIE & THE GLNGERBREADS

THE DONNAS

BABES IN TOYLAND

SEVEN YEAR BITCH

Parfois on n’a pas besoin
de paroles pour faire passer un message
électrique : les vingt-cinq meilleurs
instrumentaux
de l’histoire du rock !

ART OF NOISE : Close to the Edit

AVERAGE WHITE BAND : Pick Up the Pieces

B.BUMBLE & THE STINGERS : Nut Rocker

THE BAR KAYS : Soul Finger

BOOKER T. & THE M.G.’s : Green Onions

DAFT PUNK : Da Funk

DICK DALE & THE DEL-TONES : Misirlou

DUANE EDDY : Peter Gunn

FATBOY SLIM : Weapon of Choice

FLEETWOOD MAC : Albatross

HERBIE HANCOCK : Rock It

JACNO : Rectangle

JET HARRIS & TONY MEEHAN : Diamonds

JOHNNY THUNDERS : Pipeline

JONATHAN RICHMAN & THE MODERN LOVERS : Egyptian Reggae

LINK WRAY : Rumble

THE MAR-KEYS : Last Night

PIGBAG : Papa’s Got a Brand New Pigbag

SANDY NELSON : Teen Beat

SANTO & JOHNNY : Sleepwalk

THE SKATALITES : Guns of Navarone

THE BEACH BOYS : Pet Sounds

THE SHADOWS : Apache

THE SURFARIS : Wipe Out

THE VENTURES : Walk Don't Run

Les meilleurs Tribute Bands
de l’histoire du rock

C’était à l’origine une spécialité américaine, qui a tendance à devenir un phénomène international : des groupes qui se consacrent au répertoire unique de grands noms du rock. Certains sont plus gratinés que d’autres :

Dread Zeppelin (qui jouent Led Zeppelin en reggae, le chanteur s’appelle Tortelvis et porte la banane)

Lez Zeppelin (des lesbiennes qui jouent du Led Zep)

Iron Maidens (des filles qui reprennent le répertoire d’Iron Maiden)

Gabba (le répertoire d’Abba dans le style des Ramones)

Beatallica (les Beatles dans le style de Metallica)

AC/DShe (AC/DC par un groupe de filles)

Hayseed Dixie (AC/DC en bluegrass)

The Fab Faux (Beatles, what else ?)

Mini Kiss (Kiss par un groupe de nains, je veux dire de personnes de petite taille)

Harptallica (Metallica à la harpe)

Mandonna (Madonna par un groupe d’hommes)

Les dix plus grandes chansons
bubblegum de tous les temps (5)

L’appellation bubblegum qualifie une pop hyper-commerciale et sucrée, de véritables bonbons sonores, aux paroles joyeuses et naïves, pour ne pas dire franchement niaises. Son âge d’or se situe vers 1967-1969, comme un contrepoint insouciant que traversait le monde dans ces années-là, mais le bubblegum réapparaît régulièrement… Et peut revenir à tout moment !

1. The Monkees – I’m a Believer (1967) : les Monkees ? L’ancêtre de tous les boys bands, monté de toutes pièces par d’habiles producteurs américains de télévision pour concurrencer les Beatles. Il s’agit à l’origine d’une chanson signée Neil Diamond : produite par Don Kirshner, le roi des groupes préfabriqués, I’m a Believer est devenu un classique pop (repris dans les années 1970 par le maître de l’underground Robert Wyatt en personne, pour une version décalée et bouleversante), qui figure par exemple dans le générique final de Shrek.

2. Tommy James & the Shondells – I Think We’re Alone Now (1967) : une sorte d’apothéose du son bubblegum d’après le légendaire critique rock Lester Bangs. Repris par The Rubinoos, groupe power-pop des années 1970, puis par la Lolita bimbo Tiffany dans les années 1980. Le tube jetable est devenu au fil du temps… un classique !

3. The Lemon Pipers – Green Tambourine (1967) : quand la pop bubblegum croise le rock psychédélique : Green Tambourine conte les aventures d’un musicien des rues qui propose de jouer de son tambourin (vert) en échange de quelques pièces de monnaie.

4. Ohio Express – Yummy, Yummy, Yummy (1968) : parfaite synthèse du bubblegum sound ; il s’agit aussi du 45 tours qu’offrit Jane Birkin à Serge Gainsbourg au terme de leur première nuit en amoureux (elle le glissa tendrement entre les orteils de Serge, profondément endormi et sans doute passablement bourré).

5. Claude François – Jacques à dit (1968) : la reprise par notre Cloclo national du Simon Says du (faux) groupe 1910 Fruitgum Company.

6. The Archies – Sugar, Sugar (1969) : personnages de dessins animés, les Archies furent, pour le mogul Don Kirshner, beaucoup plus faciles à gérer que les turbulents Monkees…

7. Captain Groovy & His Bubblegum Army – Captain Groovy & His Bubblegum Army (1969) : un des nombreux tubes imparables signés par les deux producteurs / gourous du genre : Jerry Kasenetz & Jeffrey Katz. Les deux patrons de l’usine à bubblegum étaient les spécialistes de groupes éphémères tel ce Captain Groovy, un projet quasi virtuel. La pochette du 45 tours avec son graphisme de comic book sied bien aux vibrations prépubères du projet.

8. Lio – Banana Split (1980) : Jacques Duvall aux paroles et Jay Alanski à la musique nous ont offert ce dessert irrésistible, produit par le grand Marc Moulin, qui représente le top de la bubblegum électropop d’outre-Quiévrain.

9. Spongebob Squarepants – The Best Day Ever (2006) : Bob l’Éponge, superstar des enfants depuis le début des années 2000, bénéficie pour ses chansons du talent très bubblegum d’un certain Andy Paley, qui jouit depuis la fin des années 1970 d’une réputation flatteuse, à la fois comme chanteur au sein des Paley Brothers et comme producteur occasionnel pour Madonna, Brian Wilson, les Ramones ou son vieil ami Jonathan Rich-man.

10. Allegra – Chunky Monkey (2007) : égérie ado néo-bubblegum du label de Bertrand Burgalat, Tricatel, Allegra (15 printemps à peine) s’est inspirée en 2007 du parfum d’une glace Ben & Jerry’s pour cette superbe pop song 100 % bubblegum !

Gendarmes et voleurs

Cops and Robbers : THE ROLLING STONES

I Shot the Sheriff : BOB MARLEY

Police on My Back : THE CLASH

I Fought the Law : THE BOBBY FULLER FOUR

Police & Thieves : JUNIOR MURVIN

Ronde de nuit : MANO NEGRA

We Love You : THE ROLLING STONES (dédié aux policiers qui leur faisaient des misères, en 1967, en les arrêtant en moyenne tous les quinze jours pour possession de substances)

Hécatombe : GEORGES BRASSENS

Killing in the Name : RAGE AGAINST THE MACHINE

American Skin (41 shots) : BRUCE SPRINGSTEEN (inspiré par l’assassinat d’Amadou Diallo, 23 ans, interpellé dans la rue, à Manhattan, et abattu sans aucune raison par quatre policiers, de quarante et un coups de feu)

Dix maîtres oubliés de la pop
des années 1960 (6)

Kim Fowley : celui qu’on surnomme le Dorian Gray du rock’n’roll s’est illustré dès 1966 en coproduisant le tube comique de Napoléon XIV, They’re Coming to Take Me Away Ha-Haaa ! (un tube de fou en route pour l’asile d’aliénés). Il s’est rappelé à notre bon souvenir en 1976 en produisant les (très jeunes) pétasses californiennes The Runaways. Mais tournez-vous plutôt vers ses albums solo complètement barrés et écoutez d’urgence des titres aussi opportunistes que jouissifs que The Trip, qui racontait une aventure lysergique dès 1965 (soit deux ans avant l’été de l’amour des hippies…).

Todd Rundgren : avant de devenir une superstar des années 1970 en solo et avec son groupe Utopia (sans parler de sa carrière parallèle comme producteur : New York Dolls, Hall & Oates, Patti Smith, Meat Loaf, etc.), Todd Rundgren fut le leader de Nazz dans les années 1967-1969, un authentique groupe pop anglais (dans la forme), sauf qu’il était basé à Philadelphie (Pennsylvanie). On doit au Todd des riffs incisifs de guitare fuzz et le tube Hello It’s Me (qui ressurgit parfois dans la pub).

Curt Boettcher : membre au début des années 1960 des Goldenbriars, Curt Boettcher a pris son envol artistique au milieu de la décennie en devenant le maître de la sunshine pop (pop californienne se distinguant par la beauté transcendante de ses harmonies vocales). The Association, Gary Usher, Millennium, Sagittarius, les Beach Boys et les Byrds : Curt Boettcher a été de tous les bons coups ! Brian Wilson lui-même a reconnu l’influence de Curt lors de la conception du célébrissime « Pet Sounds » des Beach Boys.

Van Dyke Parks : qui peut se vanter d’avoir travaillé avec Grace Kelly, les Beach Boys, U2, Loudon Wainwright III, Randy Newman, Joanna Newsom et Inara George, si ce n’est ce bon vieux Van Dyke Parks ? Enfant, il est acteur. À 24 ans, il travaille avec Brian Wilson sur le projet « Smile » (qui ne sera finalisé que trente-sept ans plus tard). En 1968, le maestro compose le premier d’une longue série d’albums solo magnifiques (« Song Cycle ») avant de diriger de nombreuses productions pour la Warner, se passionner pour la musique afro-caribéenne et voir son culte se développer au fil des années.

Harry Nilsson : ex-employé de banque, Nilsson commence à écrire des chansons, dans la seconde moitié des sixties, pour Glen Campbell, Fred Astaire, les Shangri-La’s, les Yardbirds et les Monkees. À la sortie de son premier album, il impressionne les Beatles eux-mêmes. C’est en compagnie de Randy Newman qu’Harry Nilsson prend son envol. Songwriter génial, interprète bouleversant (le slow Without You ou Everybody’s Talkin chanson du film Midnight Cowbqy, c’est lui !), Nilsson fut aussi le partenaire des frasques de John Lennon pendant son lost week-end alcoolisé loin de Yoko.

Paul Williams : surtout connu du grand public pour son rôle de Swan dans The Phantom of the Paradise de Brian De Palma, Williams s’illustra dès la fin des années 1960 en compagnie du maître de la pop harmonique Roger Nichols. Il compose alors pour les Monkees puis écrit le sublime We’ve Only Just Begun pour les Carpenters (devenu ensuite l’hymne des jeunes mariés BCBG). Bien que peu connus en France, les premiers albums solo de Paul Williams méritent votre curiosité si vous aimez les grandes chansons pop.

Jimmy Webb : a écrit pour Frank Sinatra, Elvis Pres-ley et Bob Dylan. Pas mal, non ? C’est avec The Fifth Dimension, un groupe de sunshine pop afro-américain, que Jimmy Webb compose le tube Up, Up and Away, tellement célèbre aux États-Unis qu’il est sans cesse repris et cité (notamment dans les Simpsons). Pour Glen Campbell, Jimmy compose le non moins fameux Wichita Lineman, vendu à des millions d’exemplaires, tout comme MacArthur Park pour l’acteur Richard Harris : une chanson sophistiquée au texte hermétique (où il est question d’un gâteau oublié sous la pluie) qui pourtant accède à la deuxième place des charts américains au printemps 1968. En France, Niçoletta la reprendra sans succès sous le titre Au Luxembourg.

Mike Curb : au milieu des années 1960, Mike Curb compose des musiques de films de motards, dont celle de The Wild Angels, de Roger Corman, avec Peter Fonda et Nancy Sinatra. Peu après, il monte son propre label, Sidewalk Records, avec dans son écurie The Electric Flag et le roi de la guitare surf Dave Allan. En 1969, il devient président de MGM puis des disques Verve. De plus en plus conservateur au fil du temps, au point de briguer le poste de lieutenant-gouverneur de Californie, sous la houlette de Ronald Reagan, il n’aime pas trop qu’on lui rappelle qu’il a produit la musique du génial Mondo Hollywood de Carl Cohen, un film plein de freaks, de drogues et de femmes à poil !

John Carter : vous ne connaissez peut-être pas son nom mais vous avez déjà fredonné un titre du Britannique John Carter sans le savoir. Ça peut être Winchester Cathedral interprété à l’origine par le New Vaudeville Band (puis par Claude François sous le titre peu crédible J’travaille à l’usine) et repris récemment dans une pub pour une banque (celle avec un gros pouce idiot qui se balade dans les rues). Et Vite chérie, vite de Sacha Distel, ça vous dit quelque chose ? Au départ c’était un classique de la surf pop (Beach Baby) par The First Class, une autre perle signée John Carter, qui est aussi le musicien derrière Let’s Go to San Francisco des Flower Pot Men et My World Fell Down, hymne absolu de la sunshine pop, popularisé par les Américains de Sagittarius.

Joey Levine : il fut pendant la seconde moitié des sixties l’homme à tout faire de ces grands pourvoyeurs de bubblegum que furent Kasenetz et Katz. La voix principale de Yummy, Yummy, Yummy d’Ohio Express ? C’est lui. Pareil pour bon nombre de tubes pour The 1910 Fruitgum Company et The Music Explosion. À la même époque Levine a composé de nombreux jingles pour Coca, Pepsi et la bière Budweiser. Chanteur des Ramones, Joey Ramone avait choisi son prénom en l’honneur de Mister Levine…

Les différents formats
de compression numérique

Depuis l’avènement du téléchargement, une multitude de formats a vu le jour. Le plus populaire est sans conteste le MP3 qui règne sans partage sur les réseaux P2P. Nous avons volontairement exclu les formats exotiques BONK, LPAC (Lossless Predictive Audio Compression) et RKAU (RK Audio), qui n’ont pas connu suffisamment de développement et ne sont plus d’actualité comparés aux autres formats dits lossless (sans perte).

MP3 : inventé dès 1987 par le professeur Karlheinz Brandenburg, du Franhofer Institut fur Integrierte Schaltungen, en collaboration avec Thomson, le format MP3 est un algorythme de compression devenu incontestablement la star du genre. Le format MP3 permet un niveau de compression variable selon le débit (bit rate). Plus le taux sera élevé (320 kbits/sec.), plus la qualité audio sera proche de celle d’un CD audio. Un taux à faible débit (16 kbits/sec.) sera de mauvaise qualité. Le taux moyen de 128 kbits/sec. généralement utilisé pour les fichiers MP3 permet un transfert rapide sur le réseau Internet et ne nécessite que de faibles capacités de stockage, d’où une adhésion très rapide du monde Internet à ce format de compression.

AAC : l’Advanced Audio Coding, AAC, est un système de compression numérique développé conjointement par le Franhofer Institut fur Integrierte Schaltungen en collaboration avec AT & T, Sony et les laboratoires Dolby. C’est le format de compression numérique retenu par la firme Apple pour l’iPod et sa plate-forme de téléchargement iTunes.

WMA : Windows Media Audio, format propriétaire développé en 1999 par la société Microsoft. Plus léger que le MP3, il intègre également un système de protection (Digital Right Management) limitant le nombre possible de transferts, de gravures, de copies. Ce qui explique en partie le succès du format MP3, non protégé, sur les réseaux d’échange P2P…

AIFF : Audio Interchange File Format, format propriétaire développé par Apple pour sa gamme d’ordinateurs Mac. Connu pour sa qualité sonore proche de celle d’un CD, il peut aussi être lu sur n’importe quel PC.

Cinq pochettes d’albums réalisées
par Guy Peellaert

Le regretté créateur de Pravda la surviveuse, du livre d’images Bye Bye Bye Baby Bye Bye (alias Rock Dreams), mais aussi d’affiches (Taxi Driver) et de génériques télé (Cinéma, Cinémas), a également dessiné cinq pochettes d’albums mythiques :

« Diamond Dogs » pour DAVID BOWIE, 1974

« It’s Only Rock & Roll » pour les ROLLING STONES, 1974

« Pour nos vies martiennes » pour ÉTIENNE DAHO, 1988

« Café de Paris » pour LES VARIATIONS, 1973

« Wandatta » pour Lio, 1990

Design by Hipgnosis

En 1968, deux étudiants d’une école d’art, Aubrey Powell et Storm Thorgerson, se voient proposer par leurs amis des Pink Floyd de réaliser la pochette de leur album « A Saucerful of Secrets ». EMI leur demande ensuite d’en faire de même pour Free, Toe Fat et The Gods. Ils sont toujours étudiants et utilisent la chambre noire du Royal College of Art pour leurs travaux, puis en installent une dans la salle de bains de Powell… En 1970, ils montent une société et louent un studio. Le nom Hipgnosis vient d’un graffiti aperçu sur une porte. En 1973, ils signent la pochette de « Dark Side of the Moon » pour Pink Floyd, ainsi qu’un nombre impressionnant de pochettes pour Genesis, Led Zeppelin (entre autres les enfants nus de « House of the Holy », mais ils en feront quatre autres), Black Sabbath, UFO, Peter Gabriel, The Alan Parsons Project, 10CC, Bad Company, Electric Light Orchestra, Renaissance, Wings, Wishbone Ash, etc. Leur signature visuelle est d’autant plus un must des années 1970 que, dans la plupart des cas, Hipgnosis signait toutes les pochettes successives d’un groupe qui devenait son client. Aubrey et Storm se séparent en 1983, après une bonne centaine de pochettes dont de nombreuses mythiques. Thorgerson continua ensuite à réaliser des pochettes. En plus d’une touche très particulière, généralement liée aux dernières techniques photographiques en vigueur, les deux de Hipgnosis avaient la particularité de ne pas réclamer de cachet fixe, mais de demander aux groupes de leur payer ce qu’ils estimaient être la valeur de leur travail !

Design by Roger Dean

Autre célèbre réalisateur de pochettes de disques dans les années 1970, le peintre Roger Dean, né en 1944, est connu pour ses paysages fantastico-hyperréalistes et ses lettrages post-Art Nouveau. Après quelques essais (pour Gun, le groupe rock africain Osibisa, etc.), il trouve avec la formation de rock progressif Yes un véhicule à sa mesure. « Close to the Edge », « Tales From Topographie Océan », etc. : Dean leur dessine vingt-deux pochettes au total. D’autres, fascinés par son art, tels Budgie, Uriah Heep, Gentle Giant, Greenslade, ou les satellites de Yes (Asia, Rick Wakeman, etc.), furent des clients fidèles. Avec la compagnie Psygnosis, il dessine désormais des couvertures de jeux vidéo et a annoncé en 2005 la mise en chantier d’un dessin animé, Floating Island, sur une musique de Yes, dans l’ambiance éthérée et aquatique qui a lié à jamais, dans la mémoire collective, le groupe et son metteur en images.

Ils ont fait eux-mêmes leurs pochettes

BOB DYLAN : « Self Portrait »

JONI MTTCHELL : « Mingus »

JOHN LENNON : « Walls and Bridges »

JOHN ENTWHISTLE : « The Who by Numbers »

CAT STEVENS : « Teaser and the Firecat »

CAPTAIN BEEFHEART : « Shiny Beast »

THE STONE ROSES : « The Stone Roses »

Quelques noms de groupes
qui bégaient

TAXI TAXI

LIQUID LIQUID

MAN MAN

XIU Xiu

DURAN DURAN

TAPTAP

NEON NEON

TALK TALK

ALLEZ ALLEZ

THE THE

! ! ! *

* Prononcez Chkk Chkk Chkk.

Bootlegs

Les premiers disques pirates de l’Histoire sont apparus dans les univers du jazz et de l’opéra longtemps avant le rock. Ces enregistrements, pour lesquels les artistes ne sont pas rétribués et sur lesquels ils n’ont aucun contrôle, connurent une grande popularité auprès des fans de rock dès le début des années 1970. On considère habituellement que Bob Dylan en fut la première victime avec des morceaux enregistrés en 1961 et d’autres plus récents, mis en boîte avec The Band, à Woodstock, réunis sur « The Great White Wonder », un double 33 tours vinyle qui parut en 1969 sur le label TMQ (Trademark of Quality), une opération illicite montée par deux hippies californiens. Très rapidement, les Beatles furent à leur tour pillés : concerts live largement inaudibles des années 1963-1966, chutes de studio, première version de l’album « Let It Be » (sous le titre « Get Back »), tout fut un jour ou l’autre édité (et vendu à des prix prohibitifs). Autres victimes fameuses : les Rolling Stones, Led Zeppelin, etc. Les groupes réagirent en publiant à leur tour leurs propres bootlegs (ou live assimilés), tels The Who (« Live At Leeds », 1970), Aerosmith (« Live Bootleg », 1978), etc. Fidèle à sa réputation d’extrême coolitude, le Grateful Dead de Jerry Garcia, voyant proliférer les pirates (mais constatant aussi que ses fans étaient ravis), les encouragea au lieu de les combattre : selon la légende, ils prévoyaient un espace, pas loin de la console de mixage, pour que les bootleggers s’installent confortablement et puissent choper le meilleur son. À lire sur ce sujet (et l’implication de la mafia) : le polar Skeud, de Dominique Forma, aux éditions Fayard (2008).

Les dix pirates tes plus
recherchés de
Bruce Springsteen

Selon Hugues Barrière, biographe français du Boss, il en existerait plus de mille, sans parler des DVD illégaux. À noter : les premiers pirates de Bruce Springsteen publiés sur vinyle ont tous été surpassés (en qualité sonore) par leurs rééditions successives en CD. De nos jours, les prises de son « depuis le public » sont de tellement bonne qualité que les pirates disponibles (souvent gratuitement sur Internet : les pirateurs sont piratés !) ne sont pas loin d’égaler les albums live officiels et les meilleurs soundboard d’autrefois (quand les pirateurs réussissaient l’exploit de se brancher en douce sur la console de mix).

1. Running Out of Innocence, the Definitive « Born to Run » and « The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle » remastered Outtakes : versions alternatives des albums « Born to Run » et « The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle », Godfather Records, 2 CD.

2. The Définitive Remastered « Darkness » Outtakes : versions alternatives de « Darkness on the Edge of Town », Godfather Records, 2 CD.

3. How Nebraska Was Born, the definitive « Nebraska » Outtakes : versions alternatives de « Nebraska », Godfather Records, 2 CD.

4. Murder Incorporated, the real « Born in the USA » album : sessions inédites et versions alternatives de « Born in the USA », Godfather Records, 1 CD.

5. The Lost Masters : vingt CD de sessions inédites et de versions alternatives des années 1980 (Labour of Love).

6. Steel Mill – Live at the Matrix (San Francisco, Californie, The Matrix Club, 13 janvier 1970, Great Dane, 1 CD + livret et coffret – tirage très limité) : Springsteen avant le E Street Band.

7. A Night for the Vietnam Veteran (Los Angeles, Californie, Sports Arena, 20 août 1981, Scorpio, 3 CD) : le fameux concert caritatif au profit des vétérans du Vietnam, qui donnera à Bruce l’idée d’écrire, à peine quelques mois plus tard, une chanson intitulée Vietnam, puis rebaptisée… Born in the USA.

8. In the Midnight Hour (Uniondale, New York, Nassau Coliseum, 31 décembre 1980, Great Dane records, 4 CD) : le concert le plus long de la carrière de Springsteen, 38 morceaux (43 sur le CD avec les bonus de l’avant-veille) et un esprit festif digne de la Saint-Sylvestre.

9. Freehold Night (Freehold, New Jersey, école St. Rose of Lima, 8 novembre 1996, Crystal Cat records, 2 CD) : concert acoustique dans l’école primaire que Springsteen avait fréquentée enfant, durant lequel il chanta pour la première fois la chanson autobiographique Freehold dédiée à sa ville natale.

10. Intimate Night (Somerville, Massachusetts, Somerville Theatre, 19 février 2003, Godfather records, 2 CD) : « An intimate evening of music and conversation with Bruce Springsteen », disait l’affiche de ce concert acoustique au profit du magazine DoubleTake, qui fut aussi la toute première master class de Bruce Springsteen et lui donna l’occasion de chanter The Wall, un titre resté inédit depuis.

lObis. Bonus : « Unearthed » et « Before the Fame », les deux vrais-faux pirates d’enregistrements studio datant d’avant Columbia, publiés par les anciens producteurs de Springsteen, et disponibles chez tous les disquaires avant d’être finalement interdits par décision de justice et retirés du marché. Également très recherchés : « Deep Down From the Vaults », où l’on trouve les deux tout premiers morceaux enregistrés par Bruce sur un 45 tours, Baby I et That’s What You Get.

Dix chansons de Bruce Springsteen
dont le titre évoque l’Amérique (7)

1. Born in the USA

2. American Land

3. American Skin (41 Shots)

4. Mary Queen of Arkansas

5. New York City Serenade

6. Streets of Philadelphia

7. Nebraska

8. Atlantic City

9. Youngstown

10. Reno

Quelques acteurs et actrices qui
n’auraient jamais dû
chanter (8)

David HasselhofF : la star d’Alerte à Malibu n’a décroché de tube qu’en Allemagne avec son hard-rock à trois balles.

Mae West : a entre autres signé une version renversante (pour les mauvaises raisons) du Light My Fire des Doors.

Léonard Nimoy : le Spock de Star Trek qui reprend I Walk the Line de Johnny Cash et Proud Mary de Creedence Clearwater Revival : un cauchemar !

William Shatner : quand le Capitaine Kirk de la même série Star Trek chante Lucy in the Sky with Diamonds des Beatles, un conseil : aux abris !

Jayne Mansfield : quand l’irrésistible bombe sexuelle de La Blonde et moi (The Girl Can’t Help It) chante du rock, c’est,. euh… comment dire ? mignon. Parce qu’on l’imagine. Et là, comment ne pas craquer ?

Des stars hollywoodiennes
qui ont inspiré des chansons

John Wayne : BILLY IDOL

John Wayne Is Big Leggy : HAYSI FANTAYZEE

Michael Caine : MADNESS

Steve McQueen : SHERYL CROW

Jack Talking : DAVE STEWART (raconte un coup de fil reçu de Jack Nicholson)

Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle : NIRVANA (actrice maudite ; son histoire tragique – on la croyait folle, on l’a internée – a été portée à l’écran en 1982 avec Jessica Lange dans le rôle principal)

Bela Lugosi’s Dead : BAUHAUS (Lugosi fut l’un des plus fameux Dracula de l’histoire du 7e art)

Grace Kelly : MIKA

James Dean : EAGLES

Roy Rogers : ELTON JOHN (le plus fameux cow-boy chantant de la télé aux États-Unis dans les années 1950, une des idoles de jeunesse d’Elton)

Ingrid Bergman : BILLY BRAGG

Robert De Niro’s Waiting : BANANARAMA

Clint Eastwood : GORILLAZ

Bette Davis’Eyes : par JACKIE DE SHANNON (à l’origine) avant que Kim Carnes en fasse un tube international

Back Door Men

La pédophilie est une déviance que l’on a hélas pu constater à plusieurs reprises dans le monde du rock.

Jerry Lee Lewis : il fait scandale quand, venu effectuer une tournée en Angleterre en 1958, un journaliste découvre et révèle que le pionnier du rock’n’roll vient d’épouser sa jeune cousine, Myra Gale Brown, âgée de 13 ans seulement, comme cela arrive souvent dans le sud des États-Unis dont ils sont tous deux originaires. Ils divorceront en 1970, et là encore, Jerry Lee se singularise en épousant sa deuxième femme trois semaines avant d’avoir officiellement divorcé de la première : pédophile et bigame, le Killer ! Il a cependant été blacklisté de nombreuses années, des deux côtés de l’Atlantique, et sa carrière a été dévastée par ce scandale.

Gary Glitter : le champion du glam-rock popu, auteur impérissable de Rock’n’Roll Part I & II, I’m the Leader of the Gang et de quelques autres hymnes à platform shœs du début des années 1970, se fait repérer en 1997 quand la police découvre 4 000 images pédophiles téléchargées sur son disque dur, après qu’il a eu la naïveté d’apporter son PC à réparer ! En 1999, il est à nouveau arrêté pour possession de pornographie infantile, classé délinquant sexuel et incarcéré quelques mois à Bristol. Découvrant ensuite les joies du tourisme sexuel, il finit interdit de séjour au Cambodge, et purge trois ans de prison au Vietnam. À 64 ans, récemment rentré en Angleterre, il menace de refaire un album et un livre pour clamer son innocence !

Pete Townshend : le leader des Who est lui aussi mis en cause quand on découvre qu’il a payé pour accéder à des sites pédophiles. Il s’est défendu en affirmant que sa curiosité était mue par un souci de lutter contre les pédophiles, et donc d’en apprendre plus sur leurs coupables penchants. Il a déclaré avoir été abusé dans sa tendre enfance, ce qui lui a effectivement inspiré la chanson Fiddle About et le personnage d’Uncle Ernie, interprété par Keith Moon dans l’opéra rock et le film Tommy.

Michael Jackson : il a gagné son procès, il est vrai. Il n’est donc pas pédophile, mais il aime la compagnie des petits garçons, quand même.

R. Kelly : la superstar du R’n’B américain trimballe une réputation depuis son vrai-faux mariage avec Aaliyah, 15 ans, dont il produit le premier album. Le mariage n’a jamais été officiellement prouvé, mais le magazine Vibe a publié en son temps un certificat officiel. Plus tard, il tombera plusieurs fois pour des sex-tapes, le chanteur ayant en effet la stupide habitude de filmer ses ébats, qui finissent toujours par se promener sur le Web ou en DVD au coin des rues, comme cette célèbre bande de 2002 où on le reconnaît bien en pleine action avec une fille de 14 ans, comprenant notamment une scène de golden shower devenue fameuse. Le procès trouvera son issue seulement en 2008 et, comme à chaque fois, il en sort… blanchi. R. Kelly n’est donc pas pédophile non plus, mais il aime la compagnie des très jeunes filles, quand même.

Bill Wyman : le discret bassiste des Rolling Stones est un croqueur de filles invétéré, et pas à proprement parler un pédophile, mais quand il commence à s’afficher au bras de Mandy Smith (qu’il épousera plus tard, un mariage qui ne dura que deux ans, entre 1989 et 1991), elle n’a que 13 ans, et lui 43 ! Et en plus, avant la fille, il avait sauté la mère ! Certes elle pose déjà à demi nue pour des magazines, et profitera de cette exposition médiatique pour devenir vaguement chanteuse de dance, actrice de télé et puis femme de footballeur. Dans ses mémoires, Wyman affirme avoir collectionné des milliers de conquêtes en tournée avec les Stones, tandis que les autres se défonçaient joyeusement (ce qui est rarement compatible avec une activité sexuelle épanouie).

Peter Yarrow (Peter Paul & Mary) : en 1970, le membre du fameux trio folk (l’un des premiers à chanter Dylan) doit faire trois mois de prison pour conduite inappropriée, comme dirait Bill Clinton, avec une fan mineure de 14 ans. Il s’en excusera (« c’était pratique courante, à l’époque »), et sera pardonné par le président Carter. Depuis, il milite activement dans diverses associations de protection de l’enfance.

Elvis Presley : c’est pas pour cafter, mais quand Elvis rencontre Priscilla, en 1959, elle n’a que 14 ans, et lui 24. Or ils vont devenir très proches très vite, même s’ils ne se marient qu’en 1967. Dans son autobiographie, elle déclare qu’ils n’ont couché ensemble qu’une fois mariés. C’est ça… Et le Père Noël vit en Laponie, avec ses lutins…

Derek Longmuir : l’ancien batteur du groupe pop écossais The Bay City Rollers, qui rendait folles les très jeunes Britanniques dans les années 1970 avec ses tubes navrants (Shang-a-Lang, Bye Bye Baby, etc.), a reconnu en 2000 avoir pris des photos indécentes d’enfants en bas âge, et d’être en possession de photos et de vidéos de même nature. Après sa carrière dans la musique, il avait passé son diplôme d’infirmier et s’occupait, à la Royal Infirmary d’Edimbourg… des enfants malades.

Quelques chansons
autour
de la pédophilie

OZZY OSBOURNE : Mr. Tinkertrain

DEPECHE MODE : Little 15

SAN THE SHAM : Li'l Red Ridin’Hood

Kiss : Christine Sixteen

MOTÔRHEAD : Jailbeat

SIOUXSIE & THE BANSHEES : Candyman

Quelques pochettes de disques plus
ou moins pédophiles

U2 : « Boy », 1980 (le modèle, Peter Rowan, petit frère d’un ami de Bono, pose également sur les pochettes de « War », « Three » et « The Best 80/90 »).

BLIND FAITH : « Blind Faith », 1969 (censurée un moment, rétablie ensuite).

SCORPIONS : « Virgin Killer », 1976 (pochette interdite, puis remplacée).

BOW WOW WOW : « The Last of the Mohicans », 1982.

LED ZEPPELIN : « Houses of the Holy », 1973.

Cinq obsessions vestimentaires
de Patrick Eudeline

Les boots Anello & Davide

(marque souvent mal orthographiée dans ses articles)

Les vestes en panne de velours

(qui permettent des motifs en surimpression)

Les Levi’s velours mille-raies

Les lunettes Pierre Marly, à la rigueur des Ray Ban Aviator ou Wayfarers

Les chemises à jabot

Vingt chansons à écouter tout seul,
en pleurant dans sa bière

I’m So Lonesome I Could Cry, par HANK WILLIAMS

There’s a Tear in My Beer, par HANK WILLIAMS

Only the Lonely, par ROY ORBISON

Alone Again Or, par LOVE

Solitude Standing, par SUZANNE VEGA

Alive Alone, par les CHEMICAL BROTHERS

A Woman Left Lonely, par JANIS JOPLIN

Wish You Were Here, par PINK FLOYD

Alone Again (Naturally’), par GILBERT O’SULLIVAN

Message in a Bottle, par POLICE

So Lonely, par POLICE

Mr. Lonely, par BOBBY VINTON

Lonely, par AKON

Eleanor Rigby, par les BEATLES

Yesterday, par les BEATLES

Seul, par JOHNNY HALLYDAY

One for My Baby (and One More for the Road), par FRANK SINATRA

Heartbreak Hotel, par ELvis PRESLEY

AUllby Myself par ERIC CARMEN

Hello Walls, par WILLIE NELSON

Dix chansons à ne pas écouter
sans son mouchoir

Cry Me a River, par JULIE LONDON

96 Tears, par ? (QUESTION MARK) & THE MYSTERIANS

As Tears Go By, par MARIANNE FAITHFULL

Stop Your Sobbing, par THE PRETENDERS

Boys Don’t Cry, par THE CURE

Will You Cry (When You Hear This Song), par CHIC

Crying, par ROY ORBISON

Teardrop, par MASSIVE ATTACK

Tears on My Pillow, par LITTLE ANTHONY & THE IMPERIALS

Crying in the Chapel, par ELVIS PRESLEY

Cinq chansons pour partir
à la pêche

Yellow Submarine, par les BEATLES

The Fish’Cheer + I-Feel-Like-I’m-Fixin-to-Die-Rag (live at Woodstock), par COUNTRY JOE & THE FISH

Keep Fishin’, par WEEZER

Take Me to the River, par AL GREEN (OU les TALKING HEADS)

Fisherman’s Blues, par les WATERBOYS

(et bien sûr n’importe quel morceau par les ABLETTES)

Quelques adresses fameuses

Penny Lane : THE BEATLES

Abbey Road : THE BEATLES

2120 South Michigan Avenue : THE ROLLING STONES

Tenth Avenue Freeze Out : BRUCE SPRINGSTEEN

Menlove Avenue : JOHN LENNON

6th Avenue Heartache : THE WALLFLOWERS

Heartattack and Vine : TOM WAITS

461 Océan Boulevard : ERIC CLAPTON

59th Street Bridge Song (Feelin’Groovy) : SIMON & GARFUNKEL

Across 110th Street : BOBBY WOMACK

Positively 4th Street : BOB DYLAN

Baker Street : Gerry RAFFERTY

Moon Over Bourbon Street : STING

McLemore Avenue : BOOKER T. & THE M. G.’S

Warwick Avenue : DUFFY

Sans oublier Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band (les auteurs d’Express Yourself), ni le E Street Band de Bruce Springsteen…

« Voyager » en 1977

Lors du lancement de la sonde spatiale Voyager en 1977, le titre Johnny B. Goode de Chuck Berry fut retenu avec Dark Was the Night du bluesman Blind Willie Johnson et Melancholy Blues de Louis Armstrong pour figurer parmi vingt-sept autres enregistrements représentant la diversité et la richesse musicale de notre planète Terre.

Le 4 février 2008, pour fêter le 50e anniversaire de la NASA, l’agence spatiale américaine a transmis dans l’espace, en direction de l’étoile Polaris, à 431 années-lumière de la Terre, la chanson Across the Universe – à l’heure où nous écrivons ceci, elle voyage dans l’espace à la vitesse de 280 000 kilomètres/heure.

Dix chansons pour la surboum de
Wall-E, R. 2D2 et E. T.

Spacer, par SHEILA

Space Oddity, par DAVID BOWIE

2000 Light Years From Home, par THE ROLLING STONES

Another Girl, Another Planet, par THE ONLY ONES

Telstar, par THE TORNADOS

Armstrong, Aldrin & Collins, par THE BYRDS

Across the Universe, par THE BEATLES

Man on the Moon, par R. E. M.

Space Truckin par DEEP PURPLE

Spacelab, par KRAFTWERK

Des musiciens ou groupes
qui ont prêté leur nom
à des morceaux fameux

MILES DAVIS : John McLaughlin (du nom du guitariste virtuose anglais qui joue sur ce titre)

WEEZER : Buddy Holly

JOHNNY RIVERS : John Lee Hooker

JUDE : Rick James

THE REPLACEMENTS : Alex Chilton (leader des Box Tops puis de Big Star)

SYD BARRETT : Bob Dylan’s Blues (le fondateur de Pink Floyd, le cerveau grillé par l’acide, rend hommage à son héros)

DAVID BOWIE : Song for Bob Dylan

VAN MORRISON puis THE DEXYS MIDNIGHT RUNNERS : Jackie Wilson Said (la magie du pionnier de la soul honorée comme il se doit)

ABC : When Smokey Sings (pareil, à propos de Smokey Robinson cette fois)

U2 : Elvis Presley and America

JOHN CALE : Mr. Wilson (hommage à Brian Wilson, leader des Beach Boys)

STEREOLAB : John Cage Bubblegum (hommage oblique, en français, au compositeur d’avant-garde qui n’a jamais, au grand jamais, produit de bubblegum – musical ou à mâcher !)

IAN DURY : Sweet Gene Vincent (qui avait une patte folle, comme le chanteur cockney, victime de la polio, ce qui ne l’a pas empêché de chanter aussi Sex and Drugs and Rock and Roll)

JONATHAN RICHMAN : Velvet Underground

Hors concours : Bo DIDDLEY, pas du tout mégalo, qui a beaucoup chanté sa propre gloire : Bo Diddley, Hey ! Bo Diddley, Diddley Daddy, The Story of Bo Diddley, Bo Diddley Put the Rock in Rock’n’Roll, etc. En toute logique, le groupe britannique THE JESUS & MARY CHAIN lui a dédié Bo Diddley Is Jesus.

Le Diddley Beat

Tout le monde a piqué à Bo Diddley le rythme syncopé, proche de la rumba, qui était sa marque de fabrique (et qu’il aurait lui-même emprunté à Hambone par Red Saunders’Orchestra and the Hambone Kids). Hormis les reprises, emprunts et hommages flagrants, citons en vrac et plus ou moins chronologiquement Buddy Holly (Not Fade Away, repris par les Rolling Stones), Elvis Presley (His Latest Flame), The Beatles (She’s a Woman), The Strangeloves (I Want Candy), The Who (Magic Bus), David Bowie (Panic in Detroit), U2 (Désire), Bruce Springsteen (She’s the One), The Smiths (How Soon Is Now ?), George Michael (Faith) et donc… The Jesus & Mary Chain avec Bo Diddley Is Jesus.

Et Dieu créa…
Les Girls Groups

Un concept imparable : associer les voix de trois ou quatre jeunes filles, le plus souvent réunies par casting, et leur tricoter au petit point des tubes sur mesure qu’elles vont harmoniser (ou faire semblant, à la télé) de toute leur candide énergie. On peut situer les prémices de cette vogue charmante vers les années 1930, avec les Boswell Sisters et leurs suiveuses, les fameuses Andrew Sisters, trois frangines du Minnesota qui, de Boogie Boogie Bugle Boy (of Company B) en Rhum & Coca Cola vendirent près de cent millions de disques entre 1935 et 1960. Les Chantels (au délicieux nom de soutien-gorge) sont le prototype des groupes de filles des sixties, l’âge d’or du genre. Leur tube liminaire en 1958, Maybe, rappelle encore le doo-wop, mais établit les canons du genre (il sera repris par Janis Joplin et les Red Hot Chili Peppers !). Comme les Chantels (à l’adorable nom de petite culotte), les Shirelles sont jeunes et noires, ont appris les vocalises harmonisées à l’église, mais elles sont les premières à décrocher un n° 1 aux États-Unis avec Will You Love Me Tomorrow, en 1961, qui suivait Dedicated to the One I Love (les girls groups chantent l’amour, un point c’est tout). Parmi leurs fans : les Beatles, qui vont reprendre deux de leurs chansons : Boys et Baby It’s You. À la même époque, le jeune George Harrison entend une mélodie qui lui plaît bien, celle de He’s So Fine par le girl group The Chiffons (ben oui, les filles adorent parler chiffon !). Inconsciemment, il la recyclera dix ans plus tard pour son tube mondial My Sweet Lord, avec gros procès (perdu par George) à la clé.

Il est temps pour les producteurs géniaux de travailler ce matériau idéal : Phil Spector crée ou recrute coup sur coup les Ronettes et les Crystals. Jerry Leiber et Mike Stoller font de même avec les Shangri La’s (découvertes par Shadow Morton) et les Dixie Cups. Pas en reste, la Motown de Berry Gordy monte des girls groups à la chaîne, comme dans les usines Chevrolet voisines. Dans la foulée de leur n° 1 Please Mr. Postman (1961, repris par les Beatles), les Marvelettes sortent des singles en rafale, dont The Hunter Gets Captured by the Game, dont personne n’a oublié les reprises par Blondie ou Grace Jones, dans les années 1980. Martha & the Vandellas changent souvent de casting autour de Martha Reeves, mais s’inscrivent dans la légende avec des tubes du calibre de (Love Is Like A) Heatwave en 1962 ou Dancing in the Street en 1964, écrit par Marvin Gaye et interprété ensuite par une foultitude de stars, dont David Bowie et Mick Jagger en duo, ou par Van Halen. Quant aux Supremes de Diana Ross, vitrine de la maison Tamla Motown, de Where Did Our Love Go en 1961 à You Can’t Hurry Love et You Keep Me Hanging on en 1966, en passant par Stop ! In the Name of Love ou I Hear a Symphony, elles étaient gratifiées de n° 1 en série par le trio magique d’auteurs-compositeurs Holland / Dozier / Holland. Avant que la British Invasion, menée par les Quatre de Liverpool, ne balaie la planète, l’époque est aux jeunes filles en fleurs et en chœurs !

Phil Spector a mal fini (voir ci-dessous), mais l’inventeur du Wall of Sound reste dans l’Histoire pour cette cathédrale sonore qu’est Be My Baby par les Ronettes (dont il épouse et tyrannise la chanteuse soliste, Ronnie) ; face A d’un 45 tours dont Brian Wilson, le compositeur des divins Beach Boys, déclara qu’il était le plus grand disque pop de l’histoire ! Et il s’y connaît. Avec les Crystals, l’inquiétant Spector signe en 1962 He Hits Me and It Felt Like a Kiss (« Il m’a frappée, mais c’était comme un baiser », qui ne sera jamais l’hymne officiel de la journée internationale contre les violences faites aux femmes), puis remodèle le groupe à sa guise. Suivront He’s a Rebel et, en 1963, Da Doo Ron Ron et Then He Kissed Me.

Trois filles de La Nouvelle-Orléans, les Dixie Cups, cartonnent en 1964 avec Chapel of Love, une chanson écrite par Spector, Barry et Grenwich pour les Ronettes, mais à cette époque, les hits comme les groupes sont interchangeables, puisque entièrement à la merci de ces tyrans créatifs qui régnent sur les studios. Les Shangri La’s (deux sœurs et deux jumelles) étaient blanches et new-yorkaises. Le duo de compositeurs Jeff Barry et Ellie Greenwich associé au producteur Shadow Morton leur usinent des tubes comme Leader of the Pack (et son riff du moteur d’une moto, montée dans le studio, et dont la proximité avec un hôtel vaudra une contravention pour tapage diurne à l’équipe), (Remember) Walking in the Sand (avec cris de mouettes intégrés) ou encore Give Him a Great Big Kiss (repris par les New York Dolls qui, comme tous les groupes punk esthètes, vouent un culte aux Shangri La’s et leurs consœurs ; autre exemple : Joey Ramone – des Ramones – a enregistré avec Ronnie Spector, des Ronettes).

Les girls groups sont-ils une spécificité des sixties ? Certes non. Dans la seconde moitié de la décennie suivante, Kim Fowley tente sa chance avec un quintet de très jeunes filles, The Runaways, dans le genre hard-punk. En parallèle, les années disco ont vu renaître le genre, de Baccara à Sister Sledge. Dans les années 1980, en revanche, les filles se vengent en prenant des guitares et le pouvoir : venues de Californie, on voit coup sur coup les Bangles et les Go Go’s rafraîchir le rock à grands coups de pop songs exubérantes. En Angleterre, elles deviennent incontournables, avec les Bananarama (qui reprennent avec succès Venus de Shoking Blue, mais créent aussi des hits comme Cruel Summer). Les All Saints sont leurs héritières dans les années 1990, avec quantité de tubes dont leur reprise de l'Under the Bridge des Red Hot Chili Peppers. Tout cela nous conduit aux pestes planétaires, les Spice Girls qui, avant de nourrir les magazines people, font des chansons fugaces et mémorables comme Wannabe, en 1996, qui sera suivi de huit autres singles n° 1.

Les Afro-Américaines ne sont jamais en reste : des Pointer Sisters (Yes We Can Can en 1973, I’m So Excited en 1982) aux En Vogue (Hold on ou Don’t Go comme bornes d’une carrière idéale), le concept à fait florès. Même Prince s’y est mis, du temps de sa gloire, en produisant les Vanity 6 (qui ne se montraient que vêtues de la lingerie la plus sexy) puis Apollonia 6 (après un changement de chanteuse principale). Tout cela nous amène au R’n’B moderne, initié par le trio d’Atlanta TLC, aux millions d’albums vendus et aux hits frais dans les mémoires (Waterfalls, Creep, No Scrubs ou Fan Mail), suivi en haut des charts par Destiny’s Child (Beyoncé et ses copines), classées juste derrière les Spice Girls en nombre d’albums vendus (50 millions, ce genre). L’arbre Destiny’s Child cache, dans les années 2000, une forêt de girls groups R’n’B (Xcape, Danity Kane, Blaque, Jade, etc.), pour arriver aux Pussycat Dolls qui reprennent l’exacte définition du concept : un casting, un leader charismatique (de Diana Ross à Nicole Scherzinger), des pop songs usinées par les meilleurs faiseurs, et une image sexy selon les normes de l’époque.

En France, me direz-vous ? La France est aux girls groups ce que Johnny Hallyday est au rock’n’roll, sans doute. Citons les Gam’s dans les années yéyé, ex-choristes de Gilbert Bécaud, qui adaptent en français les tubes de leurs consœurs américaines. Ce que pratiquent également dans les années 1960 les Triplées, les Petites Souris, les OP4, les Blingsters ou les Gadgets… Mention spéciale pour les Parisiennes, produites par Claude Bolling, inoubliables interprètes d’Il fait trop chaud pour travailler ou L’argent ne fait pas le bonheur. Ou les Provinciales, coupables du trop méconnu Le Saucisson du dimanche en 1966 ! Et l’on arrive directement aux L5, issues de la téléréalité (Pop Stars), et qui vendent des camions de disques aux ados hexagonaux dans le début des années 2000, avant de retomber tout aussi brutalement dans l’obscurité.

Chansons qui causent du
Vietnam

Fortunate Son, CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

I-Feel-Like-I’m-Fixin’-to-Die-Rag,
COUNTRY JOE & THE FISH

Draft Morning, THE BYRDS

Machine Gun, JIMI HENDRIX

Still in Saigon, CHARLIE DANIELS BAND

Straight to Hell, THE CLASH

Talkin’Vietnam, PHIL OCHS

The Unknown Soldier, THE DOORS

Vietnam Talkin’Blues, JOHNNY CASH

Sans oublier la version de l’hymne américain (Star Spangled Banner) jouée par JIMI HENDRIX à Woodstock, qui n’a pas de paroles mais ne parle que de ça !

Dix chansons pour l’autoradio
du char Leclerc

War, par BRUCE SPRINGSTEEN

Shipbuilding, par ROBERT WYATT

Army Dreamers, par KATE BUSH

Camouflage, par STAN RIDGWAY

Commando, par THE RAMONES

Eve of Destruction, par BARRY MCGUIRE

Give Peace a Chance, par JOHN LENNON

Masters of War, par BOB DYLAN

Run Through the Jungle,
par CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

The Unknown Soldier, par THE DOORS

Bonus : I’m in The Army Now, par STATU QUO

Trois producteurs bien fêlés

Joe Meek : producteur et compositeur anglais (1929-1967), pionnier dans ses techniques d’enregistrement. Son bref passage dans la Royal Air Force, en tant que technicien radar, le conforte dans sa passion pour l’électronique, la science-fiction, l’au-delà.

Son nom reste associé au tube Telstar par les Tornados, premier titre anglais à devenir n° 1 aux États-Unis en 1962, avec une bonne longueur d’avance sur la British Invasion menée par les Beatles. Il ne cesse d’expérimenter de nouvelles techniques d’enregistrement : bruitages, bandes ralenties, accélérées, introduction de sons bizarres, jouets mécaniques, bruits de court-circuit, Joe Meek fabriquant lui-même ses propres effets de réverbération. Obsédé par les sciences de l’occulte, il installe des magnétophones dans les cimetières pour y enregistrer les voix provenant des tombes. Fan de Buddy Holly, Joe Meek est convaincu que le rocker américain décédé communique avec lui dans ses rêves. Persuadé que Decca, firme concurrente, avait placé des microphones dans ses murs pour lui voler ses techniques d’enregistrement, il sombre vite dans la paranoïa, l’alcool, la dépression et se suicide… après avoir assassiné la propriétaire de son appartement !

Guy Stevens : personnage légendaire de l’industrie phonographique anglo-saxonne (1943-1981), en tant que manager et producteur. Son comportement excentrique, ses divers abus eurent raison de sa santé mentale, ce qui le poussa au suicide par barbituriques. Son nom reste associé pour toujours à l’album « London Calling » des Clash. Membre actif de la Chuck Berry Appreciation Society en Grande-Bretagne à la fin des années 1950, fan de rhythm’n’blues, il démarre sa carrière en tant que directeur artistique pour le label Island de Chris Blackwell en publiant de nombreux singles soul issus du catalogue américain Sue, ce qui participe à l’éclosion de la scène rhythm’n’blues dans l’Angleterre du début des sixties. C’est lui qui trouva le nom du groupe Procol Harum et produisit les plus grands disques de Mott the Hoople, recrutant les musiciens autour du chanteur Ian Hunter. Il aimait déclarer : « Il n’y a au monde que deux Phil Spector et je suis l’un d’eux. »

Phil Spector : né en 1940, inventeur du fameux Wall of Sound déjà évoqué ci-dessus à propos des girls groups, Spector est un géant (sauf par la taille) : compositeur précoce, producteur de génie reconnu pour ses techniques de production non conventionnelles, il règne sans partage dans les charts américains du début des années 1960, composant et produisant une kyrielle de tubes pour les Ronettes, les Crystals, mais aussi les Righteous Brothers, Ben E. King ou Bob B. Soxx & the Bluejeans. Il n’hésite pas à engager des dizaines de musiciens, rajouter des orchestres de cordes, multiplier les parties de batterie, recruter tout ce que le studio peut contenir comme choristes et noyer tout cela dans un écho démesuré. Sa carrière décline à la fin des années 1960. Traumatisé par l’échec aux États-Unis de River Deep – Mountain High, qu’il avait produit pour Ike & Tina Turner en 1966, sa paranoïa part en vrille, il vit retranché dans sa somptueuse demeure de Los Angeles et se consacre à sa passion des armes à feu. Après d’ultimes succès à l’orée des années 1970 avec les ex-Beatles John Lennon (Instant Karma, Imagine, etc.) et George Harrison (My Sweet Lord) – mais en se brouillant à vie avec Paul McCartney parce qu’il avait rajouté derrière son dos des cordes dégoulinantes sur The Long and Winding Road (album « Let It Be ») – Spector ne sort plus que rarement de chez lui. En 1977, on apprend qu’il produit l’album « Death of a Ladies’Man » de Léonard Cohen (le Wall of Sound plaqué sur le chanteur le plus sobre de l’histoire : une idée absurde – d’ailleurs Léonard trouve ce disque grotesque), puis il travaille avec les Ramones sur l’album « End of the Century » (1980) mais les menace d’une arme lorsqu’ils osent faire une remarque sur un minuscule détail de sa production. Spector disparaît peu à peu dans les années 1990 ; il travaille un moment avec Céline Dion sur des titres qui n’ont jamais vu le jour. Il est depuis le mois de février 2003 accusé du meurtre d’une serveuse-starlette du club rock House of Blues retrouvée morte dans son manoir de la banlieue de Los Angeles. Le procès a repris en septembre 2008.

Le Brill Building ;
une usine à tubes

Situé à New York au 1619 Broadway, le Brill Building était un immeuble appartenant aux frères Brill, qui avaient fait fortune dans la confection. Après la crise économique de 1929, ils furent forcés de louer les espaces vacants et un grand nombre de maisons d’édition musicales y trouvèrent refuge. Le Brill Building fut un modèle d’intégration verticale où vous pouviez composer une chanson, enregistrer une maquette, recruter des musiciens et démarcher les éditeurs. L’immeuble connut son apogée au début des années 1960 avec plus de cent vingt-cinq maisons d’édition y occupant un bureau. Un grand nombre des classiques des années 1960 fut composé dans ces locaux, par des duos d’auteurs-compositeurs-producteurs qui ont marqué de leur empreinte l’histoire de la pop et du rock.

Ellie Greenwich & Jeff Barry : Ellie forme avec son mari l’un des couples de compositeurs les plus brillants du Brill Building ; ils fourniront bon nombre de hits (Be My Baby, Baby I Love You, Da Doo Ron Ron) à Phil Spector au début des sixties.

Carole King & Gerry Goffin : ce jeune couple fraîchement marié fit son entrée au Brill Building grâce à la complicité de Neil Sedaka, ancien camarade de classe de Carole. Avec Carole à la composition et aux arrangements et Gerry aux textes, le duo compose pour toutes les stars de l’époque (Bobby Vee, les Drifters, les Shirelles, les Chiffons). Ils font même chanter leur baby-sitter pour l’une de leurs compositions (Little Eva, The Locomotion) qui va faire le tour du monde en 1962. Comme chanteuse, Carole King connaîtra en 1971 un succès immense avec l’album « Tapestry », vendu à plus de dix millions d’exemplaires aux États-Unis (n° 1 pendant quinze semaines, l’album va passer six années, sans interruption, dans les charts).

Doc Pomus & Mort Shuman : à eux deux, ils composèrent plus de 500 chansons entre 1958 et 1965, Doc Pomus s’occupant des textes, Mort Shuman composant la musique. Elvis Presley enregistra plus de 20 de leurs compositions (dont Viva Las Vegas). Mort Shuman fit ensuite carrière en France avec le succès que l’on sait (Le Lac Majeur, Papa Tango Charlie, etc.).

Jerry Leiber & Mike Stoller : dès la seconde moitié des années 1950, Leiber et Stoller furent les meilleurs dans leur catégorie, qui mélangeait le rythme, la fraîcheur, l’originalité et l’humour. En interprétant bon nombre de leurs chansons, du calibre de Loving You, Jailhouse Rock ou King Creole, Elvis Presley contribua à les rendre célèbres, mais écoutez leurs succès pour les Coasters (Yakety Yak, Along Came Jones – l’original de Zorro est arrivé par Salvador –, Three Cool Cats – l’original de Nouvelle Vague par Richard Anthony –, Poison Ivy, etc.), Big Mama Thornton (celle qui créa Hound Dog, avant Elvis), Dion (Ruby Baby), les Cheers (Black Denim Trousers and Motorcycle Boots – L’Homme à la moto, par Édith Piaf), les Clovers (Love Potion # 9), les Drifters (On Broadway) et leur ex-lead-singer en solo Ben E. King (Stand by Me, Spanish Harlem, composé avec le débutant Phil Spector).

Pure Perfect Pop :
les groupes des années 1970

Personne n’échappe aux parfaites chansons pop : certains s’en sont fait une spécialité. On pense par exemple à Bread, groupe américain qui vendit des millions de disques au début des seventies et que tout le monde a oublié aujourd’hui, malgré des tubes comme If et Baby I’m-a Want You : Qui se souvient de l’anorexique chanteuse des Carpenters, et de leurs hyper-commerciales harmonies aseptisées ? Plus près de nous, on avoue un faible pour les tubes de 10CC, groupe anglais aussi drôle qu’efficace qui avait démarré sous le nom de Hotlegs avec le préhistorique Neanderthal Man (en 1970) et qui enchaîna ensuite avec des tubes aussi parfaitement pop que Donna (1972), Rubber Bullets (1973), Life is a Minestrone (1975) ou Dreadlock Holliday (1978), en passant bien sûr par le classique I'm Not in Love (le slow de l’été 1975), véritable « petite symphonie pour les kids », comme aurait dit Phil Spector. Une mention spéciale également pour le quatuor suédois Abba, qui à lui tout seul symbolise la pure pop des seventies et dont chaque single fit un tube mondial à partir de Waterloo (Eurovision 1974) : SOS, Mamma Mia, Fernando, Money Money Money, Knowing Me Knowing You, Take a Chance on Me, etc.

Pure Perfect Pop :
les auteurs-compositeurs-interprètes
des années 1970

Icônes des sixties, Simon et Garfunkel se disputent – avant de se séparer – pendant les huit cents heures d’enregistrement de leur chef-d’œuvre, Bridge Over Troubled Water : le single et l’album homonyme grimpent cependant en première place des hit-parades des deux côtés de l’Atlantique en février 1970. En France, c’est carrément une des plus grosses ventes pop de la période… En 1972, Paul Simon sort son premier album solo, avec le tube Mother and Child Reunion et il va continuer à enfiler les perles pop jusqu’à la fin de la décennie, de Kodachrome à Slip Slidin’Away en passant par Loves Me Like a Rock et 50 Ways to Leave Your Lover. Les amateurs de MOR (Middle of the Road, qualifiant la pop commerciale, souvent aseptisée) se délectent des imparables mélodies de Neil Diamond (capable du pire – Song Sung Blue – comme du meilleur – la bande originale de Jonathan Livingstone le Goéland). Dès 1974 on découvre l’excellent Billy Joel, alias le Piano Man, qui devient bientôt un très gros vendeur avec des tubes comme Just the Way You Are, My Life, etc. Une évocation des auteurs-compositeurs seventies parfaitement pop serait incomplète sans mentionner Cat Stevens, qui démarre la décennie en beauté avec Lady d’Arbanville et aligne ensuite les hits sans faillir, du genre Wild World ou Morning Has Broken, tandis que ses albums se vendent par camions entiers.

Poubelle pop :
le trash international

Toutes les nuances de l’horreur, voilà ce que vous allez ressentir à l’énumération qui suit. Des chansons que vous avez mis trente ans à oublier et qui vont à nouveau trotter dans vos neurones fatigués. Même si vous les détestiez déjà à l’époque, vous ne pouviez pas vous empêcher de les fredonner. Imaginons qu’on vous parle de Mungo Jerry et de son mégatube de l’été 1970, In the Summertime… Le cauchemar commence. Il se précise avec Middle of the Road et le n° 1 Chirpy Chirpy Cheep Cheep (1971), puis les Rubettes, dont personne n’a oublié les ridicules casquettes ni leurs hits, du calibre de Sugar Baby Love ou Juke Box Jive. Dans la foulée d’Abba, il fallut se farcir des succédanés tragiques tels que Guys and Dolls et Brotherhood of Man (Save Your Kisses for Me, Eurovision 1976). Dans le genre chanteur bellâtre, les petites filles des seventies firent des fixations sur David Cassidy (de la série télé Partridge Family, qui enchaîna les hits dès How Can I Be Sure ; sa carrière américaine fut stoppée net quand il apparut à moitié à poil dans le magazine Rolling Stone) et sur Gilbert O’Sullivan (Claire, Get Down en 1972-1973). Quant à l’atrocité des Osmonds, elle est inexcusable (hormis le hit Crazy Horses) : avatar ultra-clean (et mormon intégriste) des Jackson 5, ce groupe plus blanc que blanc comprenait dans ses rangs Donny Osmond (14 ans), Marie Osmond (13 ans) et Little Jimmy Osmond (9 ans). Ils enfilèrent dès 1972 les succès solo : dans Le Figaro du 3 novembre 1973 une mère américaine confiait : « J’encourage ma fille à aimer les Osmonds, j’espère qu’elle continuera longtemps à les préférer à tous les musiciens drogués… »

Dix chansons pour l'iPod
planqué en cours de math

School’s Out, par ALICE COOPER

School Days (Ring Ring Goes the Bell), par CHUCK BERRY

School, par NIRVANA

All Dressed Up for School, par THE BEACH BOYS

Fuck School, par THE REPLACEMENTS

L’école est finie, par SHEILA

I Don’t Like Mondays, par THE BOOMTOWN RATS

Rock’n’Roll High School, par THE RAMONES

When I Kissed the Teacher, par ABBA

Teacher, I Need You, par ELTON JOHN

Les frasques de
Peter Doherty en 2006

11 janvier : Peter plaide coupable pour détention de cocaïne et d’héroïne devant le tribunal d’Ealing après son arrestation du 30 novembre 2005 ; il est relâché sous caution après être arrivé avec une heure de retard se plaignant des embouteillages et de la presse.

14 janvier : le concert de son groupe les Babyshambles à Graz en Autriche se déroule sans son leader : il a été arrêté pour conduite sous l’emprise de stupéfiants de classe A (héroïne et cocaïne). Le 20 janvier, il plaide coupable pour détention de cannabis, morphine héroïne et cocaïne.

26 janvier : arrêté deux fois, d’abord à 5 heures du matin pour conduite erratique dans les rues de Londres et suspicion de détention de stupéfiants de classe A. Il est relâché et encore interpellé à 15 h 40, à nouveau défoncé jusqu’aux dents. Dans la foulée, plusieurs concerts sont annulés, provoquant des émeutes à Newcastle et l’arrestation de plusieurs fans. Pete Doherty est placé en détention provisoire jusqu’au 8 février.

12 février : il plaide coupable et est condamné à des travaux d’intérêt général et obligation de soins thérapeutiques avec contrôle judiciaire mensuel. Il clame vouloir s’en sortir et cesser toute dépendance.

27 février : arrestation à Birmingham avec deux autres personnes et mise en examen pour vol de voiture et détention de produits stupéfiants de classe A ; l’accusation de vol de voiture est finalement abandonnée et Doherty est relâché, aucune charge n’étant retenue contre lui.

7 mars : Scotland Yard annonce que Pete Doherty est sous de nombreux chefs d’inculpation dont détention de produits stupéfiants – deux chefs d’inculpation pour détention d’héroïne, deux autres inculpations pour détention de crack et trois chefs d’inculpation supplémentaires pour détention et usage de cannabis.

23 mars : Pete Doherty plaide coupable pour les sept chefs d’inculpation. À la sortie du tribunal, bagarre avec un journaliste : Doherty lui arrache un micro des mains.

20 avril : condamnation à une période de traitement de dix-huit mois avec obligation de soins. Suspension du permis de conduire pour une période de six mois. Quelques heures après sa sortie du tribunal, il est arrêté par des inspecteurs en civil pour détention de produits stupéfiants. Garde à vue de vingt-quatre heures, puis il est relâché.

28 avril : le quotidien à sensation The Sun publie des photos de Pete Doherty en train de faire une injection d’héroïne sur une jeune femme inconsciente. Doherty se défend en disant que ce n’est qu’une mise en scène qu’il décrit comme un tableau vivant. Ces photos auraient été volées puis vendues ensuite au tabloïd.

29 avril : arrestation à 8 heures du matin dans East London. Il est accusé d’avoir injecté des substances toxiques. La jeune femme des photos prend sa défense en disant qu’elle était parfaitement consciente et que les photos ne montraient en rien un usage de drogues. Les faits sont confirmés par six témoins. Doherty se servait de son sang comme pigment pour peindre. Son manager Paul Roundhill explique que Pete a déjà présenté dans une galerie d’art londonienne une sélection de tableaux du même genre. Doherty est relâché.

11 mai : lors d’une interview sur la chaîne de télévision MTV après un concert donné à Berlin, Pete Doherty brandit à la caméra une seringue contenant un liquide rouge. Une plaisanterie, affirme-t-il.

1erjuin : brève détention à l’aéroport de Barcelone ; le personnel de la compagnie Easy Jet affirme avoir trouvé une seringue dans les toilettes de l’avion. Il est relâché mais interdit sur tous les vols Easy Jet.

8 juin : il rentre en cure de désintoxication au Portugal pour soigner son addiction à l’héroïne, au crack et à la cocaïne.

17 juin : il est condamné à une amende de 14 000 couronnes (1 500 euros) après que la police suédoise a trouvé dans son sang des traces de cocaïne à la fin d’un concert donné au festival de Hultsfred.

21 juillet : à la suite d’un nouveau contrôle positif, il annule le concert des Babyshambles programmé à un festival d’Ibiza pour rentrer en cure de désintoxication.

17 août : sept chefs d’inculpation lui sont notifiés, dont possession d’héroïne et cocaïne, suite à ses précédentes arrestations des 20 et 29 avril. Il est maintenu en garde à vue jusqu’à sa comparution prévue le lendemain. Il plaide (en partie) coupable. Le jugement est repoussé au 4 septembre puis au mois de décembre. Il est libéré sous contrôle judiciaire jusqu’au jugement et doit demeurer dans une clinique spécialisée.

1er septembre : il est expulsé de son appartement pour loyers impayés d’un montant de 10 000 livres, auquel s’ajoutent diverses dégradations.

24 octobre : à la fin d’une tournée en Italie éclate une bagarre avec un paparazzo ; Pete est blessé à la tête.

8 novembre : amende de 750 livres pour avoir molesté un reporter de la BBC le 23 mars et lui avoir arraché son micro.

19 novembre : repéré par une patrouille de police, Doherty est arrêté au volant de sa Jaguar qui zigzague ; il a sur lui du crack et de la cocaïne. Il est relâché un peu plus tard, pendant que la police procède aux analyses des substances.

3 décembre : lors d’une soirée, l’acteur Mark Blanco, ivre mort, l’agresse. Il lui est demandé de quitter la soirée. Il tombe plus tard d’un balcon et meurt de ses blessures. Doherty est soupçonné, mais les caméras de surveillance l’innocentent rapidement.

4 décembre : amende de 770 livres et retrait du permis de conduire pendant quatre mois pour cinq chefs d’inculpation relatifs à la détention et l’usage de drogues.

La formule chimique du vinyle

Le disque microsillon est en général en PVC (chlorure de polyvinyle ou polychlorure de vinyle ; il s’agit d’un polymère thermoplastique). Ce PVC est un plastique hautement polluant qui dégage en brûlant de l’acide chlorhydrique et d’autres produits comme de la dioxine. Le polychlorure de vinyle (CH2 – CHC1) est une matière plastique très utilisée ; il est obtenu par la polymérisation des monomères de chlorure de vinyle.

Factory Facts

Factory, label phare de la scène de Manchester lancé par Tony Wilson en 1979, révéla Joy Division, les Happy Mondays, Durutti Column, New Order, etc. Très soucieux de son image, le label a dès le début utilisé un système de numérotation original pour chacune de ses parutions.

Celles-ci comportaient systématiquement les préfixes FAC pour les singles ou FACT pour les albums, suivis de chiffres. Mais l’originalité de cette numérotation est que le système ne s’appliquait pas exclusivement aux disques et vidéos publiés par le label : affiches de tournée, bloc-notes, badges, T-shirts, livres, rouleaux de scotch, tout ce qui sortait de chez Factory se voyait attribuer ce système de référence. Même l’Hacienda, le club ouvert à Manchester en 1982, possédait son numéro : FAC 51.

Le reste à l’avenant : une campagne de publicité de février 1989 est référencée sous le numéro FAC 289 (février 1989) ; une plainte déposée par Martin Hannett, producteur de Joy Division, est enregistrée sous la référence FAC 61 ! Et le dernier numéro attribué fut le FAC 501, pour le cercueil de Tony Wilson, décédé le 10 août 2007…

Cinq chanteurs lancés par Sam Philips, fondateur du label Sun Records

Elvis Presley, 1954

Johnny Cash, 1955

Carl Perkins, 1955

Roy Orbison, 1956

Jerry Lee Lewis, 1957

Quelques découvertes de
John Hammond

John Hammond (1910-1987) fut l’un des plus grands producteurs américains de l’histoire de la musique. Le palmarès de sa carrière, débutée dans les années 1930, est impressionnant. Fils de la bonne société new-yorkaise, il travaille et milite pour l’intégration raciale en persuadant par exemple le chef d’orchestre Benny Goodman (blanc) d’engager le jeune guitariste prodige Charlie Christian (noir). Il organise en 1938 une série de concerts intitulés From Spiritual to Swing au Carnegie Hall ; l’affiche alléchante est le reflet de son ouverture musicale : Big Joe Turner, Albert Ammons, Meade Lux Lewis, le Count Basie Orchestra, Sister Rosetta Tharpe ou encore le bluesman Big Bill Broonzy, qui remplace au pied levé Robert Johnson qui vient de mourir empoisonné. Sa plus belle découverte, près d’un quart de siècle plus tard, c’est naturellement Bob Dylan ; il réussit à convaincre Columbia de le garder sous contrat alors que les ventes de son premier album avaient été décevantes… Parmi ses autres découvertes fameuses : Aretha Franklin (dès 1960, mais il ne voyait en elle qu’une chanteuse de jazz), Bruce Springsteen (1972) et Stevie Ray Vaughan (1983).

Sniffin’Glue

Cet archétype du fanzine punk photocopié fut lancé par le juvénile Mark Perry en 1976. Dans le premier numéro, il avait dessiné la position des doigts pour trois accords de guitare :

Ceci est un accord de guitare ;

ceci est un autre accord de guitare ;

ceci est un troisième accord de guitare.

Maintenant, FORMEZ UN GROUPE !

Cinq chansons
vraiment très
courtes
(entre 1’ 30’’ et 2’)

Now I Wanna SniffSome Glue,
par THE RAMONES (1’34’’)

Why Don’t We Do It on the Road ?,

par THE BEATLES (1’42’’)

Not Fade Away, par THE ROLLING STONES (1’ 48’’)

The Letter, par THE BOX TOPS (1’ 50’’)

White Riot, par THE CLASH (1’ 58’’)

Dix chansons vraiment très
longues

Revolution n° 9, par THE BEATLES (8’ 22’’)

I Feel Love, par DONNA SUMMER (15’ 45’’)

Sister Ray, par THE VELVET UNDERGROUND (17’ 27’’)

Atom Heart Mother, par PINK FLOYD (23’ 45’’)

Billy the Mountain, par FRANK ZAPPA (29’ 49’’)

Mecanïk Destrukïw Kommandöh, par MAGMA (38’ 47’’)

A Passion Play, par JETHRO TULL (45’ 5’’)

Waiting for Cousteau, par JEAN-MICHEL JARRE (46’ 53’’)

Tubular Bells, par MIKE OLDFIELD (48’ 52’’)

Metal Machine Music, par Lou REED (64’ 13’’)

Sans oublier tout le répertoire de MICHEL SARDOU (chaque chanson semble durer une éternité).

Dictionnaire
français-kobaïen

Magma est, sans aucun doute, le groupe français le plus original de tous les temps. Fondé par le batteur Christian Vander, Magma voit le jour en 1969. « J’étais en tournée en Italie, raconte Vander. J’ai senti un cri monter en moi : Kobaïa ! Je suis rentré en France et j’ai formé Magma. »

Christian Vander écrit tous ses textes en kobaïen, langue imaginaire. Afin de vous familiariser, voici quelques exemples :

Antsik : demander

Blum : peuple

Bradia : parler

Deuhl : inonder

Dewa : arbre

Dewëlëss : étendue

Doïa : pas (négation)

Donda : ange de vérité

Dreïak : hypocrisie

Egeulsik : cycle

Emgalaï : apocalypse

Furwolt : tandis

Fuwest : avive

Gensünk : compatir

Gorkeulhzennh : convulsion

Hamtaahk : haine

Heldesz : goutte

Lëmworitstëm : sombrer

Malawelekaahm : incantation

Meurhdëm : venger

Noszfeuhl : interminable

Ritnhdê : imperturbable

Theusz : temps

Tüdüwan : menteur

Undazir : vision

Walomendêm : univers

Zanka : soleil

Zeuhl : musique céleste, musique des forces de l’univers

En plus, ils publient !

Ils sont quelques-uns à avoir tâté de la plume avec un certain succès et un réel talent littéraire ou poétique, parfois avant même de se lancer dans une carrière de musicien…

Léonard Cohen : c’est l’exemple le plus frappant. Poèmes, journaux intimes, romans, essais, nous vous conseillons The Favorite Game, Les Perdants magnifiques, Le Livre de la miséricorde, etc.

Jim Morrison : Seigneurs et nouvelles créatures, Une prière américaine et autres récits

Bob Dylan : Tarantula, Chronicles

Iggy Pop : I Need More

Brian Eno : Journal aux appendices gonflés

Nick Cave : Et l’âne vit l’ange, King Ink, vol. 1, King

Ink, vol. 2

Ian Hunter : Diary of a Rock & Roll Star

Parti Smith : Seventh Heaven, Witt, Babel, La Mer de corail, Land 250

Pete Townsend : Horse’s Neck

Trente et une chansons

Le romancier anglais Nick Hornby (Haute fidélité, etc.), maniaque des listes, fan de rock, a publié en 2002 un livre consacré à ses 31 chansons préférées de tous les temps, sous le titre explicite 31 Songs. Les voici :

AIMEE MANN, l’ve Had It

ANI DI FRANCO, YOU Had Time

BADLY DRAWN BOY, A Minor Incident

BEN FOLDS FIVE, Smoke

BOB DYLAN, Can You Please Crawl Out Your Window ?

BRUCE SPRINGSTEEN, Thunder Road

BUTCH HANCOCK & MARCE LACOUTURE, SO I’ll Run

GREGORY ISAACS, Puff the Magic Dragon

IAN DURY & THE BLOCKHEADS, Reasons to Be Cheer-ful Pt 3

JACKSON BROWNE, Late for the Sky

LED ZEPPELIN, Heartbreaker

MARK MULCAHY, Hey Self-Defeater

NELLY FURTADO, I’m Like a Bird

O. V. WRIGHT, Let’s Straighten This Out

PATTI SMITH GROUP, Pissing in a River

PAUL WESTERBERG, Born for Me

RICHARD & LINDA THOMPSON, Calvary Cross

ROD STEWART, Mama, You Been on My Mind

RÖYKSOPP, Röyksopp’s Night Out

RUFUS WAINWRIGHT, One Man Guy

SANTANA, Samba Pa Ti

SOULWAX, No Fun / Push It

SUICIDE, Frankie Teardrop

TEENAGE FANCLUB, Your Love Is the Place Where I Come From et Ain’t That Enough

THE AVALANCHES, Frontier Psychiatrist

THE BEATLES, Rain

THE BIBLE, Glory Bound

THE J. GEILS BAND, First, I Look at the Purse

THE VELVELETTES, Needle in a Haystack

VAN MORRISON, Caravan

Quelques musiques de films signées
Ry Cooder

Guitariste renommé, recherché, apprécié pour sa grande virtuosité à la slide-guitar et sa connaissance des musiques traditionnelles, Ry Cooder a collaboré avec une ribambelle de stars (Rolling Stones, etc.), tout en publiant des albums magnifiques (« Paradise and Lunch », 1974, pour n’en citer qu’un) et en composant de nombreuses musiques de films dès la fin des années 1960. Tout le monde se souvient de la bande originale pour Paris, Texas de Wim Wenders : nous avons voulu vous en suggérer d’autres, composées pour des grands noms du cinéma, qui méritent également le détour. Ah oui, encore une chose : le Ry Cooder qui a eu l’initiative et qui a produit le célébrissime premier album du Buena Vista Social Club, en 1997, c’est le même ; pour ce disque enregistré à Cuba, il a même été absurdement condamné par les autorités américaines à une amende de 100 000 dollars pour infraction à la loi sur le commerce avec l’ennemi !

– Blue Cottar, de Paul Schrader (1978)

– Going South, de Jack Nicholson (1978, inédit sur disque)

– The Long Riders, de Walter Hill (1980)

– Southern Comfort, de Walter Hill (1981, inédit sur disque)

– The Border, de Tony Richardson (1982)

– Streets of Fire, de Walter Hill (1984)

– Paris, Texas, de Wim Wenders (1984)

– Alamo Bay, de Louis Malle (1985)

– Brewster’s Millions, de Walter Hill (1985, inédit sur disque)

– Crossroads, de Walter Hill (1986)

– Johnny Handsome, de Walter Hill (1989)

– Trespass, de Walter Hill (1993)

– Last Man Standing, de Walter Hill (1997)

– The End of Violence, de Wim Wenders (1997)

– Primary Colors, de Mike Nichols (1998)

– My Blueberry Nights, de Wong Kar Wai (2007)

Ils ont chanté un générique d’un
James Bond !

Bien sûr, on doit le thème de la série au sensationnel John Barry (dès Dr. No, en 1962). Mais à partir du deuxième film, les producteurs font appel à des stars de la variété, puis du rock. On pense à Matt Monroe (Bons Baisers de Russie, 1963), Shirley Bassey (Goldfinger, 1964 ; Les diamants sont éternels, 1971 ; Moonraker, 1979), Tom Jones (Opération Tonnerre, 1965), Nancy Sinatra (On ne vit que deux fois, 1967), Paul McCartney & Wings (Vivre et laisser mourir, 1973), Lulu (L’Homme au pistolet d’or, 1974), Carly Simon (L’Espion qui m’aimait, 1977), Sheena Easton (Rien que pour vos yeux, 1981), Rita Coolidge (Octopussy, 1983), Duran Duran (Dangereusement vôtre, 1985), a-Ha (Tuer n’est pas jouer, 1987), Gladys Knight (Permis de tuer, 1989), Tina Turner (Golden Eye, 1995), Sheryl Crow (Demain ne meurt jamais, 1997), Madonna (Meurs un autre jour, 2002), Chris Cornell (Casino Royale, 2006) et enfin Jack White & Alicia Keys (Quantum of Solace, 2008).

Chansons de l’année

1959, par PATTI SMITH

1963, par NEW ORDER

1969, par THE STOOGES

1979, par THE SMASHING PUMPKINS

1984, par SPIRIT

1984, par VAN HALEN

1985, par BOWLING FOR SOUP

1985, par PAUL MCCARTNEY & WINGS

1999, par PRINCE

2112, par RUSH

Des pépites psychédéliques
comme s’il en pleuvait

L’une des compilations les plus souvent évoquées, surtout lorsqu’on suggère le monde merveilleux du punk ou du psychédélisme, est la célébrissime « Nuggets – Original Artyfacts From the First Psychedelic Era » (nuggets signifiant pépites). Rassemblés par Jac Holzman, fondateur du label Elektra, assisté de Lenny Kaye (futur guitariste de Patti Smith, qui signe les notes de pochettes où apparaît le mot punk pour l’une des premières fois), ces morceaux de groupes « garage » (parce qu’ils en sortaient rarement…) et psychédéliques des années 1965-1968 sont publiés pour la première fois en 1972 par Elektra, puis sont réédités en 1976 par Sire Records. 13th Floor Elevators, Blue Magoos, Chocolate Watchband, Electric Prunes, Seeds, Standells, Amboy Dukes, Count Five, tous ces groupes un peu obscurs sont une source d’inspiration majeure pour ceux qui vont créer le mouvement punk, entre Londres, New York et Paris, dans les années qui suivent. En 1998, Rhino, le fameux label californien de rééditions soignées, propose « Nuggets » dans un coffret, en ajoutant plusieurs CD pour un total de 91 chansons supplémentaires, dont nombre de hits comme Louie Louie par les Kingsmen ou Wooly Bully par Sam the Sham & the Pharaohs. En 2001, Rhino sort un nouveau coffret de quatre CD’s, Nuggets II, Originals Artyfacts From the British Empire and Beyond, 1964-1969, qui réunit cette fois une majorité de groupes anglais, mais aussi australiens, brésiliens ou japonais. Puis un nouveau coffret de quatre disques, « Children of Nuggets : Original Artyfacts From the Second Psychedelic Era 1976-1995 », avec cette fois une collection de titres signés par les Cramps, Bangles, The La’s, Primai Scream, etc. La série « Pebbles » (cailloux, plutôt que pépites…), très abondante car proposée par plusieurs labels et plus de trente volumes, est également spécialisée dans l’exhumation de titres psychédéliques par des groupes obscurs et souvent fugaces mais dont l’écoute est systématiquement réjouissante. Que celui qui ne s’est jamais éclaté à l’écoute de Strychnine (The Sonics), Psychotic Reaction (Count Five) ou Pushin’Too Hard (The Seeds) ose venir nous le dire en face !

S.O.S Médecins

Mongoloid, DEVO

Paranoid, BLACK SABBATH

Psychotic Reaction, THE COUNT FIVE

19th Nervous Breakdown, THE ROLLING STONES

Manie Dépression, JIMI HENDRIX

Acute Schizophrenia Paranoia Blues, THE KINKS

Brain Damage, PINK FLOYD

Teenage Dépression, EDDIE & THE HOT RODS

l’m Going Bananas, M ADONNA

Sanitarium Blues, TOWNES VAN ZANDT

Constipation Blues, SCREAMIN’ JAY HAWKINS

Rockin’ Pneumonia & the Boogie Woogie Flu, HUEY PIANO SMITH & THE CLOWNS

un biographe
franchement détesté

Professeur d’université et auteur, Albert Goldman est devenu célèbre en réunissant contre lui un nombre phénoménal de fans d’Elvis et de Lennon. Choisissant le territoire de la culture populaire, il se fait remarquer par une biographie de Lenny Bruce en 1974, mais c’est son Elvis, en 1981, qui déchaîne les passions. Accusé d’écrire ses biographies en s’immergeant dans les poubelles de ses sujets, sa haine pour Elvis Presley suinte à chaque page de la description féroce qu’il offre à ses lecteurs. Tous les travers de l’homme sont exposés sans retenue : son obéissance aveugle au colonel Parker, ses crises de boulimie, son addiction aux pilules en tout genre. Ce que ne lui pardonnent évidemment pas les fans du rocker décédé. En 1990, il sortira un second livre sur Presley, consacré à la dernière journée de l’idole, mais cette biographie-là ne sera pas un succès. Entre-temps, il a appliqué les mêmes recettes (informateurs, centaines d’interviews) à John Lennon, dressant un portrait peu flatteur du Beatle assassiné (veule, manipulé, homosexuel refoulé, sous l’emprise de Yoko Ono, etc.). Albert Goldman, l’auteur le plus haï des fans de rock, décède dans l’avion qui le mène à Londres, en 1994. Il avait dans son sac une bio non achevée de Jim Morrison des Doors.

Quelques-uns des personnages figurant sur
la pochette de l’album « We’re Only In
It For the Money »
des Mothers of Invention

En janvier 1968, six mois après le « Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band » des Beatles, les Mothers of Invention de Frank Zappa publient « We’re Only In It For the Money » qui, non content de se moquer de l’idéalisme hippie, parodie la pochette du chef-d’œuvre des Fab Four. Comme sur cette dernière, on voit sur celle-ci – en plus de Zappa, de son père Frank Sr., de sa femme Gail et des musiciens des Mothers (Don Preston, Billy Mundi, Jimmy Cari Black, Ian Under-wood, Roy Estrada, Billy Mundi et Bunk Gardner)

– une foultitude de gens intéressants :

– Tom Wilson (producteur américain des firmes Columbia et Verve, réputé pour son travail avec Simon & Garfunkel, Bob Dylan, le Velvet Underground et Frank Zappa qu’il signa sur le label Verve en 1966) ;

– Cal Schenkel (l’auteur de la pochette) ;

– Herb et Lisa Cohen (Herb, manager de Frank Zappa, a également géré les carrières de Screamin’Jay Hawkins, Alice Cooper, Tim Buckley, Lenny Bruce, Charles Bukowski et Tom Waits) ;

– Jimi Hendrix ;

– Eric Burdon (chanteur des Animals) ;

– Big Marna Thornton (chanteuse de blues célèbre pour avoir enregistré en 1952 la version originale de Hound Dog popularisée ensuite par Elvis Presley, ainsi que Ball and Chain, titre immortalisé par Janis Joplin) ;

– Nancy Sinatra (fille de Frank Sinatra, interprète de l’incontournable These Boots Are Made for Walking composé par Lee Hazlewood) ;

– Le Pape Pie IV, Elvis Presley, la statue de la Liberté, un flic de Dallas, un personnage du Jardin des Délices de Jérôme Bosch, le Phantom of the Opera, Ludwig Van Beethoven, Albert Einstein, etc. ;

– John Zacherle (ou Zacherley, présentateur de télévision et animateur de radio, célèbre dans les années 1950 et 1960, spécialiste des films d’horreur). On peut l’entendre présenter le Grateful Dead dans l’album « Dick’s Pick, vol. 4 » au concert du 4 février 1970 enregistré au Filmore East de New York ;

– Lyndon B. Johnson (37e président des États-Unis, au pouvoir de 1963 à 1969) ;

– Sandy Hurvitz (chanteuse américaine, signée par Zappa sur le label Bizarre) ;

– George Liberace (musicien et présentateur de télévision des années 1950, apparaissant régulièrement dans les émissions de son frère, le crooner et pianiste glamour Wladziu Valentino Liberace) ;

– Ed Wynn (acteur et comédien américain, décédé en 1966, assistant de W. C. Fields puis vedette des Ziegfeld Follies dès 1914 ; encore au générique de Mary Poppins en 1964) ;

– Lon Chaney Jr. (acteur américain, spécialisé dans les films d’horreur, a joué le Loup-Garou, le monstre de Frankenstein, la Momie, etc.) ;

– Theda Bara (star du muet, morte en 1955, c’est pour elle que fut inventé le terme « vamp », pour qualifier ses rôles de femme fatale et de sex-symbol) ;

– Lloyd Price (chanteur de Rhythm’n’Blues originaire de La Nouvelle-Orléans ; a signé des classiques comme Lawdy Miss Clawdy, Stagger Lee, etc.) ;

– Rod Serling (scénariste de télévision, auteur de 92 des 156 épisodes de la série mythique de science-fiction des années 1950 The Twilight Zone).

Un bon rocker peut cacher un vilain scientologue

Moon Martin

Isaac Hayes

Rob Thomas (Matchbox 20)

Beck

Edgar Winter

Nicky Hopkins (pianiste des Rolling Stones)

Chaka Khan

Lisa-Marie Presley

Sonny Bono

Brandy

Chick Corea

Comme George W. Bush,
ils sont « Born Again
Christians »

Brian Welch (Korn)

Mark Farner (Grand Funk Railroad)

Dan Peek (America)

Nicko McBrain (Iron Maiden)

Little Richard

Donna Summer

Bob Dylan

Johnny Cash

Roger McGuinn (The Byrds)

Dave Mustaine (Megadeth)

Alice Cooper

C’est quoi, au juste,
cet instrument ?

Le Fender Rhodes : un piano électrique inventé par Harold Rhodes durant la Seconde Guerre mondiale. Après un accord avec la compagnie Fender, l’outil est lancé en 1965 ; ce piano au son velouté si particulier est audible sur une tripotée de disques. Dans les années 1980, il est souvent remplacé par le synthé Yamaha DX7 qui peut imiter (quasiment) à la perfection le son distinctif du Rhodes, mais il est revenu en grâce avec l’acid-jazz au cours de la décennie suivante. En 1974, Rhodes commercialise ses pianos électriques sans Fender, même si, dans l’inconscient populaire, les deux noms sont toujours indissociables. Aujourd’hui, les modèles vintage sont très recherchés et coûtent un bras.

Le Moog : Robert Moog popularise le premier synthétiseur analogique, dans les années 1960, à travers sa compagnie, Moog Music. Les premiers appareils sont des meubles pas loin de la taille de l’orgue de Notre-Dame, mais ils intéressent des musiciens d’avant-garde, fascinés par ses sonorités futuristes, tel le duo Perrey & Kingsley, autrement dit le musicien français Jean-Jacques Perrey et son acolyte Gershon Kingsley ; à deux, ils ont composé le fameux Baroque Hoedown (joué pendant les Parades électriques de tous les Disneyland et Disneyworld du globe depuis les années 1970) ; en solo Kingsley a signé la version originale du fameux Popcorn, qui fit le tour du monde en 1972 (par le pseudo-groupe Hot Butter, en France en version ersatz par Anarchie System).

Une véritable révolution survient quand Moog commercialise le Minimoog, une sorte d’orgue portable surmonté d’un tableau de bord de Bœing, qui produit des sons très bizarres. Il va devenir le synthétiseur monophonique le plus populaire des années 1970. Le premier disque utilisant un Moog est le Strange Days des Doors, puis les Who en lancent l’usage. Wendy (Walter) Carlos ne se sert que de lui pour la BO d’Orange mécanique, et son fameux album « Switched on Bach ». Dans les seventies, on sort des dizaines de compils d’airs connus rejoués au Moog, c’est idéal pour tester les possibilités de sa chaîne stéréo. Stevie Wonder le rend indispensable à ses albums « Innervision » et « Talking Book ». Georgio Moroder l’adoube instrument disco par excellence, en produisant Donna Summer et son mémorable Love to Love You Baby. Aujourd’hui, le Mini-moog et ses versions plus encombrantes sont très recherchés par tous les DJ’s et producteur électro, de toutes obédiences, pour ses sons délicieusement surannés.

La fuzzbox : c’est une pédale d’effets qui ajoute de la distorsion au signal émis par une guitare électrique, en général. C’est en 1960, par hasard et dans un studio de Nashville, qu’un ampli défectueux produit ce son, qu’un ingénieur réussit à copier et rendre accessible grâce à la pédale fuzztone. The Ventures, en 1962, se font fabriquer par un ami une fuzzbox qu’ils utilisent pour enregistrer 2 000 Pound Bee, qui devient, historiquement, le premier disque utilisant cet effet très particulier. Pour s’approcher de ce son sale mais tellement réjouissant, Dave Davies des Kinks joue sur un ampli dont il a tailladé le haut-parleur à la lame de rasoir dès 1964. Repassé à travers un Vox AC30, ce son est celui de You Really Got Me, qui devient le premier hit populaire avec un son distordu. Quand, en 1965, Keith Richards utilise un Maestro Fuzz-Tone de chez Gibson pour enregistrer (I Can’t Get No) Satisfaction, l’outil est bientôt en rupture de stock dans le monde entier !

Le Vox AC30 : le modèle d’ampli à tubes AC30 de Vox est produit en 1958 et va devenir dans les années 1960 l’ampli guitare de référence, utilisé par les Beatles, Rolling Stones, Led Zeppelin, Who, Queen, R. E. M., U2, et perdurer jusqu’aux années 2000 où les Libertines, Radiohead ou Oasis le mettent en évidence sur la scène, histoire de montrer leur fidélité à la légende.

Le Mellotron : inventé en 1948 par Harry Chamberlin, aux États-Unis, cet instrument à clavier électronique qui utilise des bandes pour reproduire des sonorités d’instruments est en quelque sorte le précurseur du synthétiseur. En 1962, Chamberlin apporte son « meuble » en Angleterre, où il va monter une compagnie pour le fabriquer et le distribuer, l’outil devenant un fétiche du rock progressif, mais aussi des Beatles (Strawberry Fields Forever), Moody Blues (Nights in White Satin), Bee Gees, Pink Floyd, Procol Harum et toute la génération des King Crimson, Emerson Lake & Palmer et autres Genesis. Jean-Michel Jarre, qui le surnomme le Stradivarius des instruments électroniques, l’utilise abondamment pour sa tournée « Oxygène ». Dans les années 1990 et 2000, l’instrument n’étant plus fabriqué, des groupes comme U2, Nine Inch Nails, Lenny Kravitz, Smashing Pumpkins et des dizaines d’autres se contentent désormais d’en sampler les sonorités si reconnaissables.

La Roland 808 : c’est l’une des toutes premières boîtes à rythmes programmables, née en 1980, au début dans le seul but de faciliter l’enregistrement des maquettes des musiciens, sans recourir à un batteur. Célèbre pour le son hand-clap (qu’on entend sur le Sexual Healing de Marvin Gaye), elle est vite techniquement dépassée, mais le son caractéristique qu’elle procure en fait un outil de prédilection des producteurs d’electro, de house. de hip-hop et des musiques de danse en général. Le groupe 808 State est nommé d’après elle, et elle est citée dans les paroles de nombre de chansons (Beyoncé, Beastie Boys, Britney Spears, Kelis, OutKast, etc.).

Le Theremin : inventé en 1919 par l’ingénieur soviétique Léon Theremin (1896-1993), c’est l’ancêtre de tous les instruments électroniques. Muni de deux antennes, l’une verticale, l’autre horizontale, le Theremin se distingue par sa capacité à produire des sons sans qu’aucun contact physique ait lieu avec l’instrument. La hauteur de la note est contrôlée par la main droite avec l’antenne verticale, alors que la main gauche est utilisée pour les variations de volume par rapport à sa distance avec l’antenne horizontale.

Après une présentation faite en 1922 devant un Lénine enthousiaste, Léon Theremin est envoyé par le gouvernement soviétique en tournée mondiale pour présenter son invention. Il décide aussitôt de s’installer aux États-Unis et vend le brevet du Theremin à la firme RCA, qui commercialise le Thereminvox dès 1929 ; c’est un échec en raison de la crise économique, mais l’étrange appareil suscite une rare fascination, en particulier lorsque la virtuose Clara Rockmore en joue, au cours de grandes tournées à travers les États-Unis et le reste du monde, interprétant exclusivement un répertoire classique. Léon Theremin disparaît en 1938, enlevé par des agents du KGB ; il est rapatrié en Union soviétique où il sera interné dans un camp au fin fond de la Sibérie. Pendant trente ans on l’a cru disparu, puis il est revenu aux États-Unis en 1991, deux ans avant de mourir, pour une série de conférences. Le Theremin a été largement utilisé depuis des décennies, que ce soit dans la musique contemporaine, les musiques de films (par Miklos Rozsa et Elmer Bernstein en particulier), l’avant-garde électronique et le rock. Certains croient l’entendre sur le Good Vibrations des Beach Boys, en revanche c’est sûr pour : les Rolling Stones (Please Go Home, sur l’album « Between the Buttons »), Portishead (Mysterons, album « Dummy »), Queens of the Stone Age (Six Shooter, album « Songs For the Deaf »), Supergrass (Richard III, album « In It For the Money »), Marylin Manson (Dope Hat, album « Portrait of an American Family »). Vivement recommandé : Clara Rockmore, « The Art of Theremin » (Delos International, 1977).

30 millions d’amis
(et Rufus)

Il n’a pas écrit Can Your Pussy Do the Dog, certes (les Cramps s’en sont chargés), mais le débonnaire Rufus Thomas, DJ et pionnier du rhythm’n’blues, figure du label Stax de Memphis, qui avait l’habitude de se produire en short rose ou mauve, même à 75 ans passés, avait sans doute un penchant zoophile, comme en témoignent ces titres de chansons (généralement associées à des danses plus ou moins idiotes) :

Bear Cat (réponse au Hound Dog popularisé par Big Mama Thornton)

Walking the Dog

The Dog

Tiger Man

Can Y Get Away From This Dog

Do the Funky Chicken

Can Your Monkey Do the Dog

Do the Funky Penguin

The Preacher and the Bear

Il faut dire qu’il avait commencé sa carrière au sein des Rabbit’s Foot Minstrels (les Ménestrels au pied de lapin !)

Quelques groupes animaliers

THE ANIMALS

THE BEATLES (beetle = les scarabées)

THE BYRDS (les oiseaux avec Ronnie Wood, années 1960)

BLUE OYSTER CULT (le culte de l’huître bleue !)

THE BOOMTOWN RATS (les rats de la ville-champignon !)

THE BYRDS (les oiseaux)

THE CHAMELEONS

LES CHATS SAUVAGES

CRAZY HORSE

THE CRICKETS

DINOSAUR JR.

THE DOGS

GORILLAZ

GREAT WHITE (surnom de la grande baleine blanche dans Moby Dick)

THE MONKEES (monkey = singe)

PANTERA

SCORPIONS

LA SOURIS DÉGLINGUÉE

STEPPENWOLF

THE STRAY CATS (les chats de gouttière)

LE TIGRE

THE TURTLES (les tortues)

TYRANNOSAURUS REX (devenu T. REX),

WHITESNAKE (serpent blanc)

L’école de Canterbury

Totalement oubliée aujourd’hui, sinon de quelques aficionados du rock progressif, l’école de Canterbury rassemblait, dans un état d’esprit proche du free jazz et du classique, des groupes « enfantés » par Soft Machine, entre la fin des années 1960 et le milieu de la décennie suivante. La capitale du Kent voit ainsi se succéder dans l’intérêt des amateurs de rythmes compliqués Caravan, Hatfield & the North, Egg, Matching Mole (le groupe de Robert Wyatt en rupture de Soft Machine), Hugh Hopper, National Health, Gilgamesh, Soft Head, Kevin Ayers (ex-Soft Machine), Egg, Quiet Sun (avec à la guitare Phil Manzarena, futur Roxy Music), In Cahoots… Tous ces groupes seront pris très au sérieux à l’époque avant d’être rayés de la carte.

Ils ont fait leur coming out

Elton John

Andy Bell (Erasure)

Rufus Wainwright

Ani DiFranco

Samatha Fox

Pet Shop Boys

Melissa Etheridge

Sinéad O’Connor

George Michael

Brian Molko (Placebo)

Jimmy Sommerville

Rob Halford (Judas Priest : courageux, pour un chanteur heavy metal) !

Michael Stipe (R.E.M.)

k.d. lang

La plaie des années 1970

Le rock progressif régnait en maître sur la pop du milieu des années 1970. Sa prétention, sa vaine virtuosité, sa logorrhée, ses constructions et arrangements alambiqués, la longueur épuisante de ses morceaux et ses centres d’intérêt fantastico-science-fictionnesques firent beaucoup de dégâts. Mais ignorer complètement le genre ou le vouer aux gémonies relèverait du révisionnisme le plus néo-stalinien : le prog rock nous a quand même offert quelques grands moments, signés Yes (Roundabout), Van Der Graaf Generator (Theme 1), Jethro Tull (Locomotive Breath), Emerson Lake & Palmer (Hoedown, Lucky Man), Hawkwind (Silver Machine), Procol Harum (A Salty Dog), Mike Oldfield (« Tubular Bells »), Electric Light Orchestra (10538 Overture), Genesis (« The Lamb Lies Down on Broadway »), etc. Méfiez-vous en revanche de Barclay James Harvest, Curved Air, Nucleus, Colosseum, Gentle Giant, Magna Carta, Pavlov’s Dog, Camel, Absolute Elsewhere, Druid, Renaissance, Cornus, Esperanto, Fruupp, Firefall, Klaatu, Mandala Band et Seventh Wave. Notez que le rock progressif fit aussi des ravages sur le continent avec Wallace Collection (Belgique), Machiavel (Belgique), Aphrodite’s Child (Grèce, avec Demis Roussos et Vangelis, album « 666 » en 1969), PFM (Italie), Focus (Hollande), Kayak (Hollande), sans parler des 17 000 groupes des pays de l’Est dont la culture musicale s’arrêtait au « Foxtrot » de Genesis.

Vingt solos de guitares cultes
du classic rock

DUANE ALLMAN : In Memory of Elisabeth Reed (sur « Live at Fillmore East », 1971, The Allman Brothers Band)

RITCHIE BLACKMORE : Highway Star (sur « Made in Japan », 1972, Deep Purple)

LESLIE WEST : Mississippi Queen (sur « Climbing », 1970, Mountain)

EDDIE VAN HALEN : You’re No Good (sur « Van Halen II », 1979, Van Halen)

WAYNE KRAMER : Looking at You (sur « Back in the USA », 1970, MC5)

SLASH : Welcome to the Jungle (sur « Appetite For Destruction », 1987, Guns N’Roses)

ALVIN LEE : l’m Going Home (sur « Woodstock », 1970, Ten Years After)

BRIAN MAY : Killer Queen (sur « Sheer Heart Attack », 1974, Queen)

JIMMY PAGE : Since I’ve Been Loving You (sur « Led Zeppelin III », 1970, Led Zeppelin)

CARLOS SANTANA : Jingo (sur « Live at the Fillmore », 1968, Santana)

ANGUS YOUNG : Hells Bells (sur « Hells Bells », 1980, AC/DC)

JIMI HENDRIX : Machine Gun (sur « Band of Gypsies », 1970)

ERIC CLAPTON : While My Guitar Gently Weeps (sur « The Beatles », 1968, avec The Beatles)

TERRY KATH : Free Form Guitar (sur « Chicago Transit Authority », 1969, Chicago)

BILLY GIBBONS : La Grange (sur « Très Hombres », 1973, ZZ Top)

STEVE HUNTER ET DICK WAGNER : Sweet Jane (sur « Rock’n’roll Animal », 1973, Lou Reed)

JOE PERRY : Train Kept a’ Rollin (sur « Get Your Wings », 1974, Aerosmith)

KEITH RICHARDS : Sympathy for the Devil (sur « Beg-gars Banquet », 1968, The Rolling Stones)

HENRI VESTINE : Parthenogenesis (sur « Livin’the Blues », 1968, Canned Heat)

STEVIE WINWOOD : Dear Mr. Fantasy (sur « Welcome to the Canteen », 1971, Traffic)

Voyelle, consonne, consonne,
dix groupes recalés au casting
des Chiffres et des lettres

MGMT (duo de Brooklyn néo-psychédélique, années 2000)

XTC (groupe anglais new wave raffiné, années 1980)

CSS (groupe hype brésilien et essentiellement féminin, années 2000)

TLC (trio R’n’B au succès planétaire, années 1990)

GTR (supergroupe prog pénible réunissant un Yes et un Genesis, années 1980)

MSTRKTFT (duo post-punk dance, années 2000)

KMFDM (rock industriel, supposément : Kill Mother Fucking Depeche Mode, années 1980)

X (groupe californien punk réunissant Exene Cervanka et John Dœ, années 1970)

MC5 (légende du rock politico énervé de Détroit, fin années 1960, jamais égalé)

AC/DC (rockers australiens en culottes courtes, années 1970 à nos jours)

Et le bon numéro est le…

38 SPECIAL : groupe de hard boogie du sud des États-Unis aussi puissant qu’une décharge de 38 Special.

U2 : groupe de rock héroïque irlandais. En 1960, la crise du U2 avait commencé lorsqu’un avion d’espionnage américain Lockheed U-2 fut abattu alors qu’il survolait le sol soviétique. Et puis bien sûr il y a le jeu de mots : You too… toi aussi !

UB40 : groupe reggae multiracial basé à Birmingham. L’équivalent de notre formulaire Assedic donné en Grande-Bretagne aux personnes se retrouvant au chômage.

101ERS : groupe dans lequel Joe Strummer fit ses débuts avant la formation de Clash. Inspiré au choix par l’adresse de leur squat londonien (101 Walterton Road) ou par la chambre des tortures dans le roman 1984 de George Orwell (Room 101).

13TH FLOOR ELEVATORS : groupe culte psychédélique texan des sixties, mené par le très dérangé Rocky Erickson, auteur du classique You’re Gonna Miss Me. Il n’y a jamais de 13e étage dans les ascenseurs et les immeubles aux États-Unis.

50 CENT : fameux rapper new-yorkais, depuis le début des années 2000.

B-52’s : groupe américain en activité depuis la fin des années 1970, originaire d’Athens (Georgie), auteur de Planet Claire, Rock Lobster, Love Shack et autres joyeusetés, mais aussi nom d’un célèbre bombardier (en activité au Vietnam) et également surnom de la fameuse coiffure choucroute des filles qui n’avaient pas peur du ridicule dans les années 1950.

10CC : groupe anglais des années 1970, animé par Graham Gouldman, Kevin Godley, Lol Creme et Eric Stewart, auteurs entre autres du slow incontournable de l’été 1975 I’m Not in Love. La légende a longtemps voulu que 10CC (dix centimètres cubes) corresponde à la quantité moyenne de sperme lors d’une éjaculation, mais tout le monde sait que c’est parfaitement faux, sauf dans les films pornos où ils ont un budget pour les effets spéciaux.

10 000 MANIACS : groupe folk-rock américain de la fin des années 1980 mené par la chanteuse Nathalie Mer-chant, qui s’est inspirée du film gore 2000 Maniacs de Herschell Gordon Lewis pour trouver le nom de son groupe.

Dix rockers chauves

Billy Corgan (Smashing Pumpkins)

Angry Anderson (Rose Tattoo)

Sinéad O’Connor

Rob Halford (Judas Priest)

Moby

Frank Black (Pixies)

Ian MacKaye (Minor Threat, Fugazi)

Michael Stipe (R. E. M.)

Gene Simmons (Kiss) et Marilyn Manson

(ils portent des perruques, comme Dick Rivers !)

Parce que je le vaux bien :
le monde merveilleux du
Hair Metal

Plus ou moins issu du glam métal (Sweet, Kiss, voire Alice Cooper), le hair métal est une spécialité essentiellement californienne et européenne, qui connut plusieurs vagues au cours des ans. Caractérisés par des vêtements d’une extrême discrétion (spandex, collants fluo, cuirs et pointes, maquillages outranciers) et surtout des chevelures spectaculaires, bouffantes, décolorées, les groupes de hair metal passaient autant de temps chez le coiffeur qu’en salle de répétition. Dokken, Twisted Sister, Mötley Crüe (les parangons du genre), Ratt, Bon Jovi (quoique venant de la côte Est) et Quiet Riot représentent la première vague, qui sévit à Los Angeles entre le milieu des années 1970 et celui des années 1980. Le hair metal connaît une seconde (mini-) vague entre 1985 et 1990 avec Poison, Cinderella, Skid Row, Warrant, WASP, Faster Pussycat, L.A. Guns, auxquels on ajoutera les aînés Van Halen, Whitesnake, et nos amis suédois d’Europe. Sinon, musicalement : c’est du hard-rock pop à haute teneur en testostérone et en poses machos risibles.

Douze moments
où le rock a croisé la politique
aux États-Unis

1. Années 1960 : Give Peace a Chance, la chanson de John Lennon, devient l’hymne récurrent de toutes les manifestations contre la guerre au Vietnam.

2. 1970 : Elvis Presley rencontre Richard Nixon à la Maison-Blanche. Elvis offre un Colt 45 au Président en gage de son admiration, qui en retour le nomme membre honoraire du Bureau des narcotiques et drogues dangereuses ! Quand on sait ce qu’il s’envoie dans le cornet, on en reste coi.

3. 1980 : le chanteur country Willie Nelson, leader de la vague Outlaw, se roule un joint et le fume sur le toit de la Maison-Blanche, lors d’une visite à Jimmy Carter.

4. 1984 : Ronald Reagan prétend utiliser Born in the USA comme hymne de campagne et cite même le nom de son auteur Bruce Springsteen dans un meeting. Pas du goût du Boss, qui lui interdit de se servir de lui, et lui dédicacera plus tard la chanson Johnny 99, qui parle d’un mécanicien au chômage, qui avait écopé de quatre-vingt-dix-neuf ans de prison pour un délit mineur provoqué par la faim.

5. 1988 : Sonny Bono, ex-mari de Cher et partenaire du temps des tubes (I Got You Babe, The Beat Goes On), remporte les élections municipales de Palm Springs, pour le parti républicain, tendance dure. Tout ça pour finir tué par un sapin lors d’une descente à ski, en 1998.

6. 1992 : Bill Clinton joue de son saxophone lors d’une émission du Arsenio Hall Show, le talk-show le plus populaire du moment à la télévision américaine. Cette image cool lui permet de gagner le vote des jeunes et des Noirs, pour battre George Bush (père) aux élections qui suivent.

7. 2000 : Rage Against the Machine organise un Concert dans la rue, à Los Angeles, juste en face du bâtiment qui abrite la convention démocrate, pour protester contre le bipartisme qui aurait confisqué la démocratie aux États-Unis.

8. 2003 : lors d’une tournée britannique, Nathalie Maine et ses deux copines des Dixies Chicks déclarent à Londres : « Il faut que vous sachiez combien nous avons honte que ce président des États-Unis vienne comme nous du Texas ! » Le trio de country féminin sera par la suite boycotté par les supporters de la droite républicaine, comme quoi on peut chanter de la country sans avoir un chapeau de cow-boy qui comprime le cerveau. D’ailleurs la semaine suivante, les trois belles du Texas posaient nues à la une du magazine Entertainment Weekly.

9. 2003 : Dee Snider, chanteur extravagant de Twisted Sister, entonne We Ain’t Gonna Take It lors d’un meeting d’Arnold Swarzenegger, qui choisit cette chanson comme hymne de sa campagne électorale.

10. 2004 : John Kerry, candidat démocrate aux élections, fait sortir et abondamment distribuer une photo de lui avec feu John Lennon, prise lors d’une manifestation antiguerre, des années plus tôt Raté.

11. 2004 : le rapper P. Diddy et d’autres artistes se réunissent dans la campagne Vote… Or Die, qui tente de populariser le vote auprès des jeunes générations. Mais c’est Bush qui gagne à la fin.

12. 2008 : après s’être vu menacé de poursuite par John Mellencamp, Van Halen ou Jackson Browne, qui lui ont refusé l’utilisation de leurs chansons dans ses meetings, John McCain se rabat sur Take a Chance on Me par Abba, son groupe préféré. C’est Barack Obama qui a gagné : son slogan (Yes We Can) fait référence à un morceau cultissime du chanteur soul de La Nouvelle-Orléans Lee Dorsey…

Les dix titres préférés de
Barack Obama

Outre le Yes We Can de LEE DORSEY et le Yes We Can de WILL I AM, qui a donné lieu à l’un des clips de soutien à sa campagne les plus fameux…

Ready Or Not, THE FUGEES

What’s Going on, MARVIN GAYE

l’m on Fire, BRUCE SPRINGSTEEN

Gimme Shelter, THE ROLLING STONES

Sinnerman, NINA SIMONE

Touch the Sky, KAYNE WEST

You’d Be So Easy to Love, FRANK SINATRA

Think, ARETHA FRANKLIN

City of Blinding Lights, U2

Maggie’s Farm, BOB DYLAN

Les dix titres préférés de
John McCain

Il n’avait aucune chance…

Dancing Queen, ABBA

Blue Bayou Boy, ROY ORBISON

Take a Chance on Me, ABBA

If We Make It Through December, MERLE HAGGARD

As Time Gœs By, DOOLEY WILSON

Good Vibrations, THE BEACH BOYS

What a Wonderful World, Louis ARMSTRONG

I’ve Got You Under My Skin, FRANK SINATRA

Sweet Caroline, NEIL DIAMOND

Smoke Gets in Your Eyes, THE PLATTERS

No Wave,
un mouvement obscur mais créatif

Parmi les innombrables appellations et sous-genres du rock, la no wave est l’une des mouvances les plus insaisissables. Active à New York entre 1975 et 1985 (pour schématiser), cette scène réunit des activistes proches du milieu de l’art contemporain, et des avant-gardes en général. Mélange de punk, de jazz, de musique expérimentale et de rock minimal, la no wave est adoubée par la compilation « New York No Wave », en 1978, produite par Brian Eno et qui réunit les groupes Mars, DNA, Teenage Jésus & the Jerk, et l’inimitable James White & the Contortions. On ajoutera à cette liste la Française Lizzy Mercier Descloux (sous le nom de Rosa Yemen), Judy Nylon, Lydia Lunch, The Bush Tetras, Swans et quelques autres plus obscurs encore. Les compositeurs contemporains Rhys Chatham et Glenn Branca sont également associés à la no wave, de même qu’un certain cinéma (Amos Poe, Vivienne Dick…). Mais de ce creuset de downtown new-yorkais naîtra un groupe qui va durer et devenir à son tour une influence majeure du rock actuel : Sonic Youth.

Un show
aussi légendaire qu’invisible

Le TAMI Show est un concert filmé durant deux jours au Santa Monica Civic Auditorium, en novembre 1964. Ce spectacle télévisé estampillé Teenage Award Music International (ou Teen Age Music International) réunissait de quoi faire saliver spectateurs d’hier et d’aujourd’hui : The Beach Boys, James Brown, The Rolling Stones, Chuck Berry, Marvin Gaye, The Supremes, Jan & Dean, Smokey Robinson & the Miracles et quelques autres de moindre acabit. Après une brève distribution en salles en décembre de la même année, le film est devenu invisible, et par conséquent mythique, puisque des copies pirates ont circulé mais qu’il n’a jamais été autorisé à sortir en vidéo. Quentin Tarantino, qui en possède une copie en 16 mm, a déclaré que c’était un des trois meilleurs films de concerts qu’il ait jamais vus. Des références au TAMI Show existent dans une chanson de Police.

Quarante chansons (franchement
obscures) sur l’iPod
de Bruce Springsteen (9)

ALAN VEGA : Dujang Prang

AMOS MILBURN : Chicken Shack Boogie

BEAU JOCQUE & THE ZYDECO HI-ROLLERS : Just One Kiss

BEAUSOLEIL : Chez Seychelles

BLADERUNNERS : Voodoo Mens & Voodoo Dolls

BRYANT’S JUBILEE QUARTET : I’ll Be Satisfied

BULL MOOSE JACKSON : IKnow Who Threw the Whiskey (in the Well)

CHARLEMAGNE : Prisoner of

CHUCK WAGON GANG : As the Life of a Flower

DAVE VAN RONK : Spike Driver Blues

DAVID BAERWALD : Why

Doc WATSON AND FROSTY MORN : Working Man Blues

DOCK BOGGS : Pretty Polly

DOROTHY LOVE COATES : Strange Man

FRANCESCO DI GREGORI : Non – Dirle Che Non-E’Cosi

HAMELL ON TRIAL : Oughta Go Around

J. D. CROWE AND THE NEW SOUTH : Long Journey Home

JAWBONE : Get Rhythm

JESSE MALIN : Queen of the Underworld

JOE ELY : Ranches and Rivers

KATE & ANNA MCGARRIGLE : Was My Brother in the Battle

KERMIT RUFFINS : Black and Blue

LEE WILLIAMS & THE SPIRITUAL QC’S : When You Gonna Wake Up

LINK WRAY : Take Me Home Jesus

Los PREGONEROS DEL PUERTO : El Ahualulco

MICHELLE SHOCKED : One Piece at a Time

MY MORNING JACKET : Death Is the Easy Way

NEKO CASE : Wayfaring Stranger

OLD 97’S : Barrier Reef

RAINY DAY : I’ll Keep It With Mine

RALPH STANLEY : Oh Death

RANK & FILE : The Conductor Wore Black

SLEATER-KINNEY : Promised Land

SWEET HONEY IN THE ROCK : Run, Mourner, Run

TARBOX RAMBLERS : Oh Death

THEA GILMORE : I Dreamed I Saw St. Augustine

TODD SNIDER : Play a Train Song

WARREN ZEVON : My Ride’s Here

WHISKEYTOWN : Excuse Me While I Break My Own Heart Tonight

WISKEY BISCUIT : Santa Ana River Delta Blues

Une mystérieuse pionnière

Dans tous les manuels de sixième consacrés à l’histoire du punk en France, revient le nom de la mystérieuse Élodie Lauten, qui aurait fait de la musique avec Jacno avant même qu’il ne fonde les Stinky Toys. Cette Française, pianiste classique dès l’âge de 7 ans, née en 1950, vivait à New York depuis le début des années 1970, où elle étudiait la musique à la New York University. Elle était donc à même d’apporter sa science de l’underground-new-yorkais aux activistes de l’ombre qui allaient inventer le rock élégant à Paris. Depuis ces prémices, plus grand monde n’a entendu parler d’elle. Pourtant Élodie Lauten, naturalisée américaine en 1984, est devenue une importante compositrice d’avant-garde, élève de La Monte Young, et spécialiste de la micro-tonalité et du postminimalisme. Elle possède et dirige son propre label et a enregistré des dizaines d’opéras, de pièces orchestrales et autres bandes originales qui font la joie des amateurs de musique contemporaine.

Allons au marché

Lieu mythique s’il en fut, l’Open Market était une minuscule échoppe sombre située au 58, rue des Lombards (après une brève période rue du Roule), et ouverte en 1972 par l’ineffable Marc Zermati, avec Jacques Dauty. À l’Open Market, on vendait des vinyles du Velvet, des Stooges, des Flamin’Groovies, du MC5… Pas l’ombre d’un album de Yes ou Genesis, les gros groupes du moment, dans les maigres rayons ! Et valait mieux ne pas réclamer ce genre de pompeuse confiture à Yves Adrien, vendeur esthète, par ailleurs théoricien du rock prépunk dans les pages de Rock & Folk. À peu près en même temps, Zermati fonde Skydog Records, quasiment le premier label indé au monde dédié au genre, qui démarre par l’édition d’une bande pirate réunissant Jimi Hendrix, Johnny Winter et (peut-être) Jim Morrison (bourré) pour un Sky High approximatif. Il éditera ensuite les Flamin’Groovies, le « Metallic KO » des Stooges, les groupes pub-rock Ducks Deluxe et Tyla Gang, etc. C’est Zermati qui organisera les deux festivals punk de Mont-de-Marsan, en 1976 et 1977. La cave de l’Open Market est aussi entrée dans la légende pour avoir abrité les répétitions des Frenchies (le groupe glam dont le chanteur était le futur réalisateur des Visiteurs, Jean-Marie Poiré) avec Chrissie Hynde à la guitare, avant qu’elle ne parte à Londres former un autre groupe qu’elle nommera The Pretenders.

On les appelait scopitones (10)

En France, dans les années 1960, on n’avait pas la télé couleur, mais on avait les scopitones. On les appelle les « ancêtres des clips » : des petits films, tournés à l’arraché en 16 millimètres, avec une mise en scène le plus souvent sommaire et pour un budget rikiki. Où les voyait-on ? Dans les troquets où se retrouvaient les jeunes de la génération Salut les Copains, grâce à une sorte de gros juke-box muni d’un écran et moyennant une pièce jaune. Nombreux sont les réalisateurs qui ont bouclé leurs fins de mois grâce aux scopitones (tel un Claude Lelouch débutant), sous la tendre férule de celle qu’on surnomma Mamie Scopitone, Mme Andrée Davis-Boyer, dite « Daidy ». Tous les yé-yé firent l’objet de scopitones (Johnny, Sylvie, Sheila, Françoise, Dick, etc.), puis la génération pop (Antoine, Nino Ferrer, Michel Polnareff, Jacques Dutronc, etc.) ainsi que plusieurs stars étrangères (parmi les plus célèbres, on trouve Julie Driscoll, Procol Harum, Vince Taylor, Aphrodite’s Child, etc.).

Les cinq scopitones les plus
kitsch de tous les temps

DE GIAFFERI : Sado-maso

SILVANA BLASI : Les Babouches à bouddha

NINO FERRER : Agata

LES PARISIENNES : La de Dion Bouton

CATHERINE ELIA : Goldfinger

Hors concours, JEAN YANNE : J’aime pas le rock

La vie de château

Quand Elton John intitule un album « Honky Château », il ne fait pas allusion à Balmoral ou Westminster. Mais bien au château d’Hérouville, près de Pontoise, construit au XVIIIe siècle, qui abrita, dit la légende, les ébats de Frédéric et George (Chopin et Sand). En déshérence, l’endroit est acheté en 1962 par Michel Magne, compositeur à succès des bandes originales des Fantômas et autre Angélique marquise des anges, qui y mène grand train, jusqu’au 26 mai 1969, où l’endroit est ravagé par un incendie criminel, à ce qu’il semble. Magne a l’idée alors de transformer son pied-à-terre en studio résidentiel, ce qui ne se fait guère à l’époque. C’est ainsi que le Strawberry Studio d’Hérouville deviendra l’un des plus fameux des seventies (en même temps, les jours off, on y tourna nombre de films de fesse nécessitant un décor aristocratique, mais c’est une autre histoire). Elton John y enregistre donc « Honky Château », mais aussi « Goodbye Yellow Brick Road » et « Don’t Shoot Me l’m Only the Piano Player ». Mais viennent aussi là Pink Floyd, Canned Heat, T. Rex, Rod Stewart, David Bowie (pour les albums « Pin Ups » et « Low », qui, contrairement à l’idée reçue, fut en grande partie mis en boîte à 35 kilomètres de Paris, plutôt qu’à Berlin), Jethro Tull, Rainbow, Hawkwind, Bill Wyman, Iggy Pop, Grateful Dead (qui s’y installe après la débâcle du festival voisin d’Auvers-sur-Oise et donne dans l’herbe du parc un concert pour la population locale), et puis encore Jacques Higelin, Dick Rivers, etc. Parmi les dizaines et les dizaines de disques enregistrés à Hérouville, les chansons des Bee Gees pour la bande originale de Saturday Night Fever !

Brothers & Sisters !

Au sein du Allman Brothers Band, on trouvait les frangins Duane et Greg Allman, mais Duane se tua très jeune. Des trois frères des Beach Boys, Brian, Carl et Dennis Wilson, les deux premiers ont survécu, le troisième s’est noyé dans le Pacifique. Plus de trente ans après leurs débuts dans le rock bourrin, Angus et Malcolm Young ont toujours bon pied bon œil au sein de AC/DC (leur grand frère George, ex-Easybeats, a veillé à leurs débuts). Les Isley Brothers, avec Kelly, Ronald et Rudolph Isley, sont un remarquable exemple de longévité : en activité depuis le milieu des années 1950 (avec un autre frangin, Vernon, mort dans un accident de voiture), interprètes en 1962 de la version de Twist and Shout dont vont s’inspirer les Beatles, ils recrutent une dizaine d’années plus tard leurs petits frères Ernie et Marvin (et leur beau-frère Chris Jasper) pour une série d’albums soul et soyeux. Les Bee Gees étaient trois, au cas où ça vous aurait échappé : Robin, Barry, Maurice Gibb (ce dernier est mort en 2003). Mais on oublie souvent que Barry a veillé personnellement à la carrière du petit frère Andy Gibb, à qui il offrit trois n° 1 consécutifs aux États-Unis en 1977-1978, dans la catégorie « jolie petite gueule de blondinet pour public de très jeunes filles ». Mais il ne put l’empêcher de sombrer dans la drogue et Andy décéda en 1988, cinq jours après son trentième anniversaire.

Autre histoire de frères qui tourne mal, celle des Jackson 5 (Michael, Jermaine, Tito, Marlon et Jackie Jackson). Famille dysfonctionnelle, père abusif, manipulations d’enfants stars, ils ont plus ou moins survécu à tout ; l’une de leurs sœurs a bien tourné (Janet), l’autre pas (LaToya), pareil pour leur petit frère Randy, le moins doué (il jouait des congas dans les Jacksons, aujourd’hui il est garagiste). Notons que Tito a eu trois enfants prénommés Taj, Taryll et Tito Joe et qu’il les a lancés très jeunes dans le show-biz sous le nom 3T, avec quelques succès à la fin des années 1990. Pour d’autres groupes soul, ça s’est mieux passé : on pense aux Chambers Brothers (avec George, Willie, Lester et Joe Chambers) et aux Neville Brothers (avec Art, Aaron, Charles et Cyril Neville).

L’animosité entre John et Tom Fogerty vaut au second de quitter le groupe qu’ils avaient cofondé, Creedence Clearwater Revival, en 1971. Il tente de se lancer en solo mais pas de chance : c’est à son petit frère que les fées avaient donné tout le talent II est mort en 1990. Ça n’a pas toujours été rose non plus entre Phil et Don Everly, alias The Everly Brothers : leurs premiers succès datent de 1957, mais les engueulades commencent dès le début des années 1960. Le 14 juillet 1973, Phil Everly explose sa guitare sur scène en Californie et laisse Don terminer le concert tout seul. Pendant dix ans, ils ne se parlent plus et ne se revoient qu’une seule fois, aux funérailles de leur père. Ils renouent pour un nouvel album en 1983 ; depuis cette date, ils tournent à petites doses.

Autres spécialistes des bagarres sur scène, Dave et Ray Davies, des Kinks : l’un est un génie, l’autre pas. Pareil pour Mark et David Knopfler, de Dire Straits : l’un est virtuose, l’autre pas. Pareil pour Noël et Liam Gallagher d’Oasis : l’un est un crétin, l’autre pas. Pareil pour Jim et William Reid de Jesus & Mary Chain, qui ont une longue histoire de ruptures et de réconciliations sur fond de guitares saturées et de mélodies sournoises. En revanche, le talent est équitablement réparti entre Sean et Damian O’Neill, les deux guitaristes des Undertones (de 1976 à 1983 puis de 1999 à nos jours) et de That Petrol Emotion dans l’intervalle. Ils n’ont pas leur pareil pour composer des riflfs simples et instantanément mémorisables. Côté américain, d’autres frangins ont fait carrière ensemble, tels Jeff et Steve Porcaro au sein de Toto, ou Eddie et Alex Van Halen (et plus récemment Wolfgang Van Halen, fils du premier, neveu du second). au sein de… Van Halen. Quant aux frères Ron et Russell Mael, ils sont inséparables depuis les premiers pas des Sparks (et même avant, avec leur premier groupe Halfnelson). Pas une ombre au tableau, toujours le même sens de l’humour acerbe, une créativité jamais prise en défaut…

Enfin, en France, impossible de faire l’impasse sur les Thugs (avec Éric et Pierre-Yves Sourice), Indochine (avec Nicolas et le regretté Stéphane Sirkis), Blankass (avec Johan et Guillaume Ledoux) ou encore les vétérans d’Ange (avec Christian et Francis Décamps ; depuis la fin des années 1990, Christian travaille avec son fils Tristan).

Fils et filles de stars

HANK WILLIAMS SR. : Hank Williams Jr.

WOODY GUTHRIE : Arlo Guthrie

Louis CHEDID : Matthieu Chedid alias M

JACQUES HIGELIN : Arthur H, Izia

JOHN COLTRANE : Ravi Coltrane

RAVI SHANKAR : Norah Jones

JOHN LENNON : Julian Lennon, Sean Ono Lennon

TIM BUCKLEY : Jeff Buckley

STEPHEN STILLS ET VÉRONIQUE SANSON : Christopher Stills

LEONARD COHEN : Adam Cohen

FRANK ZAPPA : Dweezil Zappa

BOB MARLEY : Ziggy Marley, Damian Marley, Julian Marley, Stephen Marley

BOB DYLAN : Jakob Dylan

JOHNNY HALLYDAY : David Hallyday

JOAO GILBERTO : Bebel Gilberto

LOWELL GEORGE : Inara George

JACQUES DUTRONC ET FRANÇOISE HARDY : Thomas Dutronc

DON CHERRY : beau-père de Neneh et Eagle-Eye Cherry (le trompettiste jazz les a adoptés et élevés)

JOHN BONHAM : Jason Bonham (batteur, comme papa)

RINGO STARR : Zak Starkey (batteur, comme papa)

Qui l’eût cru ?

Les Ramones ont choisi ce nom en hommage à Paul Ramon, le premier pseudo d’un certain Paul McCartney, aux prémices des Beatles, qu’il continua d’utiliser par la suite quand il arrivait dans un hôtel, pour garder l’anonymat…

Quelques vrais noms de stars

William Bruce Rose Jr. (Axl Rose, anagramme d’Oral Sex), William Perks (Bill Wyman), William Broad (Billy Idol), Robert Allen Zimmerman (Bob Dylan), Gaynor Hopkins (Bonnie Tyler), Paul Hewson (Bono), Steven Demetre Georgiou (Cat Stevens, rebaptisé Yusuf Islam depuis sa conversion à l’islam), Cheryl Sarkizian Lapierre (Cher), Malcolm McRebennack (Dr. John), Reginald Kenneth Dwight (Elton John), Marshall Mathers (Eminem), Brian Peter George St. John Le Baptiste de la Salle Eno (Brian Eno), Farrokh Bulsara (Freddie Mercury), Vincent Eugene Craddock (Gene Vincent), Georgios Kyriacos Panayiotou (George Michael), James Osterberg (Iggy Pop), Jason Kay (Jamiroquai), Didier Morville (Joey Starr), John Genzale (Johnny Thunders), Louise Ciccone (Madonna), Agostino Ferrari (Nino Ferrer), Roger Nelson (Prince), Henry Roeland Byrd (Pr. Longhair), Richard Myers (Richard Hell), Gordon Sumner (Sting), Henry Fredericks (Taj Mahal) et Annie Mae Bullock (Tina Turner).

où y a de la gégène,
y a pas de plaisir

D’où viennent donc l’atmosphère délétère du Velvet Underground et les errements extrêmes de Lou Reed en solo ? D’un institut psychiatrique où les parents du jeune Lou l’avaient mené, en 1958, dans le but de « soigner » son homosexualité latente. Âgé de seize ans seulement, le futur héros du rock décadent reçoit alors une série de vingt-quatre électrochocs, suivis d’une chimiothérapie à base de Thorazine ! De quoi sortir de là avec des insomnies, des troubles de la concentration, et un tas d’idées noires qu’il mettra heureusement en musique avec le génie que l’on sait.

Quelques musiciens ayant joué
dans Miami Vice
(la première fois qu’une série télé
faisait régulièrement appel à des stars de la musique)

MILES DAVIS : épisode n° 28, Junk Love

PHIL COLLINS : épisode n° 33, Phill the Shill

GLENN FREY (EAGLES) : épisode n° 15, Smuggler’s Blues

TED NUGENT : épisode n° 34, Definitely Miami

LITTLE RICHARD : épisode n° 25, Out Where the Buses Don’t Run

DAVID JOHANSEN : épisode n° 26, The Dutch Oven

EARTHA KITT : épisode n° 24, Whatever Works

GENE SIMMONS (KISS) : épisode N° 23, Prodigal Son

LEONARD COHEN : épisode n° 39, French Twist

FRANK ZAPPA : épisode N° 41, Payback

WILLIE NELSON : épisode n° 51, El Viejo

COATI MUNDI (KID CREOLE & THE COCONUTS) : épisode n° 67, Everybody’s in Showbiz

Cuisine et dépendances

Suite au succès faramineux de l’album « Dark Side of the Moon » (1973), Pink Floyd décide d’enregistrer un nouveau disque sans aucun instrument « normal », mais en piochant dans la cuisine ou l’atelier les supports sonores à sa créativité débridée. Après quelques séances et trois morceaux à peu près mis en forme, le groupe décide de laisser tomber, mais gardera quelques bribes de cette expérience inédite, comme les sons de bouteille que l’on entend dans Shine on You Crazy Diamond, sur l’album suivant, « Wish You Were Here ».

Censure, quand tu nous tiens…

La dictature franquiste toujours en vigueur en Espagne lors de la sortie de « Sticky Fingers », des Rolling Stones, ne pouvait pas laisser passer la délicate pochette d’Andy Warhol, dite à la braguette. En Espagne, on lui substitua donc une photo de très bon goût représentant trois doigts féminins gluants, comme ensanglantés, sortant d’une boîte de conserve fraîchement ouverte. En prime, Sister Morphine, un mauvais exemple pour la jeunesse ibère, fut remplacée par une version live de Let It Rock.

Ça l’affiche pas mal

Pour la modique somme de 100 000 dollars, Terry Knight, manager de Grand Funk Railroad, avait négocié d’apposer une affiche géante représentant les faciès hirsutes de son groupe sur Time Square, le carrefour mythique de New York, pour saluer la sortie de l’album « Closer to Home », en 1970. C’était la première fois qu’un groupe de rock louait ainsi tout l’espace publicitaire disponible. Mais là où l’affaire se révéla juteuse, c’est que, peu après avoir collé l’affiche, les ouvriers responsables de l’affichage se mirent en grève, et Grand Funk Railroad sauta ainsi au visage (et au porte-monnaie) des New-Yorkais durant trois semaines.

Les plus célèbres managers
de l’histoire du rock

Colonel Parker (Andreas Cornelis Dries Van Kuijk, 1909-1997) : manager d’EIvis Presley. Pas plus colonel que vous et moi.

Brian Epstein (1934-1967) : manager des Beatles. Suicidé.

Peter Grant (1935-1995) : manager de Led Zeppelin. Très dangereux. Terrorisait son personnel, terrifiait ses concurrents (voir ci-dessous).

Andrew Loog Oldham (1944) : manager des Rolling Stones. Inventeur du slogan « Laisseriez-vous votre fille sortir avec un Rolling Stone ».

Malcolm McLaren (1946) : manager des Sex Pistols. Pendant la débâcle qui suit le départ du chanteur Johnny Rotten, réussit à sortir un film au titre en forme d’aveu (pour lui, pas son groupe) : The Great Rock’n’Roll Swindle (La Grande Escroquerie du rock’n’roll).

Jon Landau (1947) : manager de Bruce Springsteen à partir de 1975. Un an plus tôt, encore journaliste, Landau avait écrit dans un article du Real Paper (Boston), au sortir d’un concert : « J’ai vu le futur du rock’n’roll et son nom est Bruce Springsteen. »

Paul McGuinness (1951) : manager de U2. L’un des plus virulents adversaires du téléchargement pirate.

Don Arden (Harry Levy, 1926-2007) : manager (entre autres) de Black Sabbath et Electric Light Orchestra. Surnommé le Al Capone de la pop. Père de Sharon Osborne, la femme de Ozzy, ex-chanteur de Black Sabbath recyclé star de la téléréalité sur MTV.

Peter Grant :
l’appariteur musclé

Qu’aurait pensé le pachydermique et épidermique manager de Led Zeppelin, l’hénaurme Peter Grant, du téléchargement pirate ? Lui qui avait l’habitude, quand il avait une heure à perdre, de faire des descentes chez les disquaires locaux pour y traquer (et détruire) les pirates de Led Zeppelin, semant au hasard de ses pérégrinations vengeresses quelques baffes aux indélicats ? Et qui pendant les concerts de ses poulains traînait dans la salle, à l’affût du moindre énergumène planquant maladroitement un appareil enregistreur, qu’il détruisait alors avec les mêmes grâces qu’un troupeau de buffles en plein schuss dans la savane ? Un jour de 1971, au Canada, il bousilla ainsi l’équipement, apparemment coûteux et non dissimulé, de quelques personnages d’allure pourtant sérieuse, et termina le job en les rossant d’importance. Manque de pot, c’étaient des fonctionnaires fédéraux de la santé publique, en plein examen des éventuelles nuisances sonores. Il en coûta aux fonctionnaires deux mâchoires en miettes et 2 500 dollars de dégâts, que la baleine dut rembourser.

Justice pour tous

Nombreux sont les musiciens qui, dans l’histoire du rock, se sont fait plumer par leurs managers ou poursuivre par leurs maisons de disques. Ces batailles juridiques où d’énormes sommes sont en jeu font régulièrement la une des journaux anglo-saxons.

On se souviendra, entre autres, du procès intenté en 1992 par George Michael contre sa maison de disques Sony Music. L’ex-moitié de Wham estimait que sa maison de disques ne s’investissait pas assez dans la promotion de son dernier album et que n’importe quel programme informatique bénéficiait de bien plus de reconnaissance et de soutien promotionnel. Il souhaitait être libéré de son contrat. La maison de disques le poursuivit à son tour pour rupture abusive de contrat. George Michael perdit son procès, puis Virgin et Dreamworks mirent 52 millions de dollars sur la table pour racheter son contrat et publier ses deux albums suivants.

Sur un mode similaire, Prince fit des misères à Warner, s’affichant avec le mot Slave « tatoué » sur la joue (genre : je suis l’esclave de ma maison de disques), puis refusant d’enregistrer sous son nom, pour les faire bisquer.

Un autre personnage habitué des salles d’audience est Allen Klein. Détenteur de tous les droits des titres des Rolling Stones d’avant 1971, il poursuit en justice inlassablement, dès que l’on touche à l’un de ses titres. Le groupe britannique The Verve en fit les frais en 1997 avec leur Bittersweet Symphony qui samplait quelques mesures de la version orchestrale du morceau des Stones The Last Time. À ce jour, les Stones n’ont pas réussi à récupérer les droits du catalogue de leurs premières années, Allen Klein, choisi en 1969 par John Lennon, George Harrison et Ringo Starr pour mettre de l’ordre dans les affaires de leur maison de disques Apple, est indirectement responsable de la séparation des Beatles. Il a été incarné à la télévision par John Belushi (sous le nom Ron Décline) dans le film All You Need Is Cash, qui parodie l’histoire des Fab Four, avec Eric Idle des Monty Python.

David Geffen, ancien producteur de Crosby Stills Nash & Young, Joni Mitchell, fondateur du label Asylum, businessman au flair imparable, aujourd’hui associé de Steven Spielberg et Jeffrey Katzenberg au sein de DreamWorks, est depuis les années 1970 l’une des figures incontournables du show-biz international. Ce qui ne l’empêche pas de poursuivre Neil Young en justice en 1984 pour avoir réalisé « Everybody’s Rockin’ », un album qu’il juge délibérément non commercial et ne « ressemblant en rien à du Neil Young » (celui des classiques « Harvest » et « Tonight’s the Night »). Geffen lui demande de rembourser l’avance de 3 millions de dollars reçue pour cet album et le précédent (« Trans »), celui qui avait vu le vétéran canadien se perdre dans une bouillie électronique indigeste. Sans tarder, Neil Young contre-attaqua en exigeant 21 millions de dollars. L’affaire fut réglée à l’amiable.

La dernière affaire retentissante concerne Léonard Cohen. Vivant retiré dans le monastère zen de Mount Baldy près de Los Angeles, il se rend compte un beau jour que Kelly Lynch (sa manageuse depuis dix-sept ans) a vidé tous ses comptes en banque. Alerté par sa fille en octobre 2004, Cohen s’aperçoit qu’il ne lui reste que 150 000 dollars sur les 7 millions que sa manageuse devait gérer. Le procès lui a permis d’en recouvrer une partie, mais l’on sait que sa tournée 2008 (à 74 ans !) est largement destinée à remplir les caisses avant une retraite bien méritée.

Radins un jour,
escrocs toujours

On sait que les pionniers du rock’n’roll sont près de leurs sous, et sont experts en petits arrangements pécuniaires à leur avantage. Chuck Berry, par exemple, qui loue un groupe sur place quand il tourne en Europe, puisque tout le monde connaît par cœur son répertoire, se fait payer les rappels en avance, à la minute ! Mais il est battu par Jerry Lee Lewis, qui le 16 novembre 1989 donne (ou plutôt vend) un concert à la même heure à Paris et à Londres ! Le show est annoncé à 20 h 30 à la salle Carpentier, et les milliers de fans parisiens durent patienter trois bonnes heures, le temps que le Killer finisse son concert londonien, bénéficie du décalage horaire, et saute dans un avion pour passer une deuxième fois à la caisse.

En voiture !

Allez, Jenny, partons à l’aventure ! (Jenny Take a Ride, Mitch Ryder.) On the Road Again ! comme disait Canned Heat. Vas-y, monte dans ma voiture et conduis-la. Je m’occupe de la musique : démarre, on écoute le Drive My Car des Beatles, puis il y aura la Car Song d’Elastica. J’ai aussi une compil des Cars, si ça t’inspire, on y trouve Drive, leur plus grand tube… Installe-toi bien dans le siège du conducteur (le Driver’s Seat de Sniff & the Tears), accroche-toi au volant (Driving Wheel, Robert Gordon) et regarde bien dans le rétroviseur (Rearviewmirror, Pearl Jam), je serai ton passager (The Passenger, Iggy Pop), ton Roadrunner (Jonathan Richman & the Modem Lovers). L’histoire du rock, c’est celle des voitures et des filles (Cars & Girls, Prefab Sprout). On en croise plein dans le répertoire de Bruce Springsteen, dans Born to Run, Drive All Night, Racing in the Street, etc. – sans parler de son Cadillac Ranch ! D’autres sont fascinés par les marques : on se souvient de la Rocket 88 de Jackie Brenston (et Ike Turner), hommage à un modèle d’Oldsmobile en vogue à l’orée des années 1950 – ce titre, lui-même inspiré par le Cadillac Boogie de Jimmy Liggins, est considéré comme l’un des tout premiers rock’n’roll de l’histoire (enregistré en mars 1951 sur le label Sun). On pourrait aussi citer la Ford Mustang de Serge Gainsbourg, voiture mythique qui inspira aussi le Mustang Sally popularisé par Wilson Pickett, la Coccinelle de Dionysos, la Brand New Cadillac de Vince Taylor ou la Little Red Corvette de Prince, mais si Dashiell Hedayat avait un faible pour la Chrysler Rose, c’est parce que ses sièges étaient aussi défoncés que lui et que l’endroit lui semblait idéal pour faire l’amour. Les Beach Boys, eux, avaient le choix, entre leur 409, la Little Deuce Coupe ou la Little Honda. Pendant ce temps Janis Joplin priait le bon Dieu qu’il lui offre une Mercedes Benz, Sonny Boy Williamson soignait son Pontiac Blues (et David Lindley son Mercury Blues) et Paul McCartney surnommait sa Land Rover Helen Wheels (contraction de hell on wheels, l’enfer à roulettes). À propos, quel est ton itinéraire préféré ? Sur mon GPS, je peux choisir l’autoroute vers l’enfer (Highway to Hell, AC/DC), la Route Nationale 7 (de Charles Trenet, par les Tueurs de la Lune de Miel), la Route 66 de Chuck Berry, le Highway 61 de Bob Dylan, le Ventura Highway du trio America ou l'Autobahn de Kraftwerk… Tout ça, en chantant le 2-4-6-8 Motorway de Tom Robinson puis le Truckin’ de Grateful Dead et Sur la route de Gérald De Palmas… On roulera toute la nuit (Drive All Night, Elliott Murphy), mais fais gaffe à l’autobus fou des Who (Magic Bus) : roule bien au milieu de la route (Middle of the Road, The Pretenders) et prends garde à ceux qui roulent comme des dingues (Fast Cars, Buzzcocks), aux gendarmes en maraude (Radar Love, Golden Eaning) et au virage de la mort (Dead Man’s Curve, Jan & Dean) : j’ai pas envie de me planter avec ma belle auto (My Automobile, George Clinton & Parliament), je l’aime bien (l’m in Love With My Car, Queen), ça me file le bourdon rien que d’y penser (Me and My Chauffeur Blues, Memphis Minnie). Si c’est comme ça, la prochaine fois j’irai Sur ma mob avec Lili Drop, sur mon Vélomoteur avec les Calamités ou sur mon beau vélo blanc (My White Bicycle, Tomorrow) en rêvant de m’acheter une Harley Davidson (Brigitte Bardot) !

jeux paralympiques

Gene Vincent s’est fait connaître par son talent, son costume de cuir noir et sa gestuelle saccadée, centrée autour d’un jeu de jambes unique en son genre. Le rocker avait pour cela une bonne excuse : un terrible accident de moto, en juillet 1955, qui le laissa avec une jambe broyée. Refusant l’amputation conseillée par les urgentistes, Gene choisit de se faire poser une gaine d’acier autour des restes de son membre propulseur, ce qui lui causa des douleurs intenses tout au long de sa vie. Cinq ans plus tard, le 17 avril 1960, il est dans un taxi en route pour un aéroport britannique quand la voiture se renverse. Gene Vincent sort indemne, l’autre passager, Eddie Cochran, meurt sur le coup. Quand ça veut pas…

Quelques morts fameuses

En consommant des substances, jusqu’à l’overdose : Tim Buckley (à 28 ans, en 1975, père de Jeff Buckley), Darby Crash (du groupe punk de Los Angeles The Germs, à 22 ans, en 1980 : overdose massive dans le but de se suicider), Jesse Ed Davis (guitariste, ami des stars, dont John Lennon et George Harrison, à 44 ans, en 1988), Tim Hardin (chanteur folk, à 38 ans, en 1980), James Honeymann Scott (premier guitariste des Pre-tenders, à 25 ans, en 1982), Pete Farndon (premier bassiste des Pretenders, viré à cause de sa conso effrénée en 1982, retrouvé mort à 30 ans, noyé dans sa baignoire après une overdose d’héroïne), Hillel Slovak (premier guitariste des Red Hot Chili Peppers, à 25 ans, en 1988), Johnny Thunders (New York Dolls, Johnny Thunders & the Heartbreakers, à 38 ans, en 1991), Sid Vicious (bassiste incompétent des Sex Pistols, à 21 ans, en 1979), Danny Whitten (guitariste de Crazy Horse et – donc – de Neil Young, à 29 ans, en 1972 ; sa mort a traumatisé ce bon vieux Neil, qui a écrit peu après certains des albums les plus déprimants de sa carrière, tel « On the Beach »), Keith Moon (batteur des Who, à 42 ans, en 1978).

En jardinant : Jeff Porcaro, batteur de Toto (à 38 ans, en 1992). Il aurait eu une crise cardiaque après avoir inhalé un insecticide qu’il était en train de répandre dans son jardin ; sa consommation de cocaïne et sa tabagie n’ont pas dû aider.

Circonstances inconnues : Chet Baker, trompettiste (à 58 ans, en 1988), on le retrouve défenestré en bas de sa chambre d’hôtel à Amsterdam. Albert Ayler, saxophoniste (à 34 ans, en 1970). Son corps est retrouvé dans les eaux de l’East River à New York plus de quinze jours après sa disparition. Règlement de comptes ? Suicide ?

En se noyant : Dennis Wilson (frère de Brian et Carl Wilson, batteur des Beach Boys). Auteur d’un album solo splendide en 1977, « Pacific Océan Blue ». Il n’en a pas vendu beaucoup, puis il a sombré un peu plus dans la dope et l’alcool, jusqu’au jour où il s’est noyé dans le Pacifique. Il était le seul des Garçons de la Plage à aimer la mer, le surf, la plongée, la pêche, etc., mais il est déconseillé d’affronter les vagues du Pacifique quand on est bourré ou défoncé… Jeff Buckley (fils de Tim Buckley, à 30 ans, en 1997). Une baignade dans un affluent du Mississippi, avec ses fringues et ses bottes aux pieds, entre deux séances pour son deuxième album : en voilà une idée con qui tourne au drame !

En jouant à la roulette russe : Terry Kath, guitariste du groupe Chicago (31 ans, en 1978). Johnny Ace, pionnier du rock des années 1950 (à 25 ans, en 1954).

Dans un accident de la circulation : Stiv Bators, chanteur punk des Dead Boys puis des Lords of the New Church (à 40 ans, en 1990), renversé par une voiture à Paris. Marc Bolan, star des teenagers avec son groupe T. Rex (à 30 ans, en 1977) ; sa Morris, pilotée par sa fiancée Gloria Jones, se mange un platane. Eddie Cochran, pionnier du rockabilly (à 21 ans, en 1960) ; dans un accident de taxi en compagnie de sa femme et Gene Vincent, qui s’en sortent indemnes. Bessie Smith, pionnière du blues (à 43 ans, en 1937) ; un accident sur le Highway 61. On l’ampute d’un bras, mais elle succombe dans la nuit. Clarence White, brillant guitariste, ex-Byrd (à 29 ans, en 1973) ; renversé par un conducteur ivre. Duane Allman, guitariste de séance très demandé, fondateur de l’Allman Brothers Band (à 25 ans, en 1971) ; accident de moto.

En se faisant assassiner : Sam Cooke, prince de la soul (à 33 ans, en 1964) ; tué par la directrice d’un motel qui prétendit ensuite que Sam Cooke l’avait agressée, ne portant qu’un manteau sur son corps nu, alors qu’il demandait où était partie la fille qu’il avait ramenée dans sa chambre et qui se refusait à lui. Marvin Gaye (à 44 ans, en 1984) ; son père (un pasteur) le flingue au terme d’une dispute particulièrement violente, concernant la consommation effrénée de cocaïne du chanteur. John Lennon (à 40 ans, en 1980) ; Mark Chapman, fan psychotique, le flingue en bas de chez lui, devant le Dakota Building.

Par électrocution : Keith Relf, chanteur et harmoniciste des Yardbirds (à 33 ans, en 1976) ; il meurt en répétant avec son groupe, sa guitare étant mal isolée.

D’une crise cardiaque sur scène : Mark Sandman, leader et bassiste du groupe Morphine (à 46 ans, en 1999) ; il s’effondre sur scène lors d’un concert donné dans la ville de Palestrina près de Rome.

Rock this town !

All the Way From Memphis, MOTT THE HOOPLE

Back to New Orleans, LIGHTNIN’HOPKINS

Baltimore, RANDY NEWMAN

Bangkok, ALEX CHILTON

Birmingham, RANDY NEWMAN

Chicago, GRAHAM NASH

City of New Orleans, ARLO GUTHRIE

Coney Island Baby, Lou REED

Detroit City Blues, FATS DOMINO

Fairytale of New York, THE POGUES

First We Take Manhattan, LEONARD COHEN

Hong Kong Blues, HOAGY CARMICHAEL

Il est 5 heures, Paris s’éveille, JACQUES DUTRONC

I Love L.A., RANDY NEWMAN

J’aime plus Paris, THOMAS DUTRONC

Je reviendrai à Montréal, ROBERT CHARLEBOIS

Kansas City, LITTLE RICHARD

Kansas City, THE BEATLES

L. A., NEIL YOUNG

L. A. Woman, THE DOORS

London Calling, THE CLASH

Marrakesh Express, CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG

Memphis Tennessee, CHUCK BERRY

Miami, SNOOP DOGG

Miami, U2

Nashville Blues, NITTY GRITTY DIRT BAND

New York avec toi, TÉLÉPHONE

New York City, JOHN LENNON

New York, New York, RYAN ADAMS

No Sleep ‘Til Brooklyn, BEASTIE BOYS

No Sleep ‘Til Hammersmith, MOTÖRHEAD

Oh Atlanta, LITTLE FEAT

Paris, CAMILLE

Paris 1919, JOHN CALE

Paris New York, JACQUES HIGELIN

Philadelphia, NEIL YOUNG

Philadelphia Freedom, ELTON JOHN

Riot in Toulouse, LITTLE BOB STORY

San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair), SCOTT MC KENZIE

September in Seattle, SHAWN MULLINS

Souvenir of London, PROCOL HARUM

Streets of Philadelphia, BRUCE SPRINGSTEEN

Sur la route de Memphis, EDDY MITCHELL

Sweet Home Chicago, ROBERT JOHNSON

The Battle of Los Angeles, RAGE AGAINST THE MACHINE

Viva Las Vegas, ELVIS PRESLEY

Walking to New Orleans, FATS DOMINO

Witch Queen of New Orléans, REDBONE

Un peu de géographie
américaine

D’abord, il y a les groupes mégalos, qui n’hésitent devant rien et se baptisent America ou carrément les Presidents of the United States of America. Puis ceux qui portent des noms d’États américains, comme Alabama, Arkansas, Oregon ou Kansas, sans oublier Texas (même s’il s’agit d’un groupe écossais). Ceux qui s’amusent de variantes, comme les Georgia Satellites ou les Ohio Players. Ensuite, les groupes qui portent des noms de villes : Boston, Chicago et d’autres, avec là aussi des variantes (L.A. Guns, New York Dolls, Atlanta Rhythm Section, etc.). Enfin on passe aux artistes qui ont chanté la gloire (enfin, pas toujours) d’un des cinquante États, voire du Fédéral District (Washington). Et là, ça se bouscule au portillon :

Alabama : Alabama Song, The Doors (ouAlabama, par J.-B. Lenoir), Alabama, Neil Young, Sweet Home Alabama, Lynyrd Skynyrd (réponse au précédent)

Alaska : From Alaska to L.A., Wanda Jackson

Arizona : By the Time I Get to Arizona, Public Enemy

Arkansas : Arkansas, Elvin Bishop

Californie : California Blue, Roy Orbison (et California Dreamin’ des Mamas & Papas, et California Sun des Rivieras, et Californication des Red Hot Chili Peppers, sans oublier les California Girls des Beach Boys, ni La Californie de Julien Clerc)

Colorado : Colorado, The Flying Burrito Brothers

Connecticut : Connecticut, Bing Crosby (et Judy Garland)

Dakota du Nord : North Dakota, Lyle Lovett

Dakota du Sud : South Dakota, Liz Phair

Delaware : Delaware, Perry Como

Floride : Florida, Vic Chestnutt

Géorgie : Georgia, Ray Charles (ou Rainy Night in Georgia de Tony Joe White)

Hawaii : Hawaii, Beach Boys

Idaho : Idaho, The Four Seasons (ou Idaho, par Benny Goodman et son orchestre, ou encore Private Idaho, B-52’s)

Illinois : Illinois, Dan Fogelberg

Iowa : Iowa, Slipknot

Kansas : Kansas, Melanie

Kentucky : Blue Moon of Kentucky, Bill Monroe

Louisiane : Louisiana 1927, Randy Newman

Massachusetts : Massachusetts, The Bee Gees

Michigan : Especially in Michigan, Red Hot Chili Peppers

Mississippi : Mississippi Queen, Mountain (ou My Head’s in Mississippi, par ZZ Top)

Missouri : Missouri, Merle Travis

Montana : Montana, Frank Zappa

Nebraska : Nebraska, Bruce Springsteen

Nevada : Sands of Nevada, Mark Knopfler

New Hampshire : New Hampshire, Sonic Youth

New Jersey : Jersey Girl, Tom Waits

New York : New York State of Mind, Billy Joel

Nouveau-Mexique : New Mexico, Johnny Cash

Ohio : Ohio, Crosby Stills Nash & Young

Oklahoma : If You’re Ever in Oklahoma, J. J. Cale

Tennessee : Tennessee, Arrested Development

Texas : Texas Flood, Stevie Ray Vaughan

Utah : Utah, Canned Heat

Vermont : Moonlight on Vermont, Captain Beefheart

Virginie : Sweet Virginia, Rolling Stones

Washington DC (District de Columbia) : Washington DC, Gil Scott-Heron

Désolé pour les habitants des Caroline du Nord et du Sud, du Maine, du Maryland, du Minnesota, de l’Oregon, de Rhode Island, de Virginie occidentale, du Wisconsin et du Wyoming : il existe bien des chansons, mais rigoureusement inconnues au-delà de leurs frontières respectives. Quant au Pennsylvania 6-5000 du Glenn Miller Orchestra, il n’a rien à voir avec l’État de Pennsylvanie mais avec le numéro de téléphone de l’hôtel Pennsylvania à New York !

Le rock de la côte Ouest
dans les années 1970

Les deux plus grands groupes de l’ère hippie et de l’été de l’amour à San Francisco – le Grateful Dead et Jefferson Air plane – sont à l’affiche du festival de Woodstock en août 1969. Dans la foulée, les premiers vont sortir un nombre ahurissant d’albums live (dont le triple « Europe ’72 ») ainsi que quelques disques oscillant entre country-rock et pop psychédélique (de « Workingman’s Dead » à « Terrapin Station »). Pour l’Airplane, c’est plus compliqué : après un album très politisé (« Volunteers »), le groupe implose et ses membres se lancent dans diverses aventures, certaines très intéressantes tel le blues psyché d’Hot Tuna (avec Jack Casady et Jorma Kaukonen). Le couple Paul Kantner-Grace Slick prend progressivement le pouvoir au sein de l’Airplane et, peu après le live « 30 Seconds Over Winterland », il décide de virer tout le monde et de fonder le Jefferson Starship, un nouveau groupe parfaitement calibré pour la FM californienne adulte : c’est aussitôt un triomphe (tube Miracles, album « Red Octopus » en 1975) mais les chansons sont nazes et Slick sombre dans l’alcool.

On l’avait vu rôder du côté de Zappa (dont il avait été guitariste rythmique) et du Dead (dont il avait produit un album) : Lowell George était déjà un personnage connu quand il fonde Little Feat en 1970. Une carrière en dents de scie, minée par les problèmes de came du leader, laisse quelques albums épatants dans le genre blues-rock californien, jusqu’à la mort du leader en juin 1979. En 1975, Little Feat avait participé à une tournée européenne mise sur pied par les disques Warner Brothers, sous la bannière Looney Tunes et sous l’emblème de Bugs Bunny, à la même affiche que les Doobie Brothers, autre groupe phare du rock californien (en français on pourrait traduire par Frères Pétard) découvert dès 1972 avec l’album « Toulouse Street » : bientôt gigantesque aux States, le groupe est à la fois connu pour la délicatesse de ses harmonies vocales et sa puissance scénique (trois guitares, deux batteries), tandis que les tubes se suivent et ne se ressemblent pas – tour à tour country-rock (Takin ’It to the Streets) ou funky (What a Fool Believes). On voit ensuite des musiciens de session renommés dans le circuit des studios de la côte Ouest se réunir sous le nom Toto (Hold the Line, premier tube en 1979, suivi par Africa, Rosanna, etc.), après avoir accompagné un chanteur parfaitement cool, le soyeux Boz Scaggs (prodigieux « Silk Degrees », 1976).

Le rock west-coast des seventies, c’est aussi deux guitar heroes : Randy California et Carlos Santana. Le premier au sein de Spirit, un groupe culte dont on guette les albums avec curiosité (« The 12 Dreams of Dr. Sardonicus », « Spirit of ’76 »). Le second avec Santana bien sûr, qui devient énorme peu après son apparition à Woodstock : le premier album, sorti fin 1969, va passer plus de deux ans dans les charts américains. Sur le deuxième (« Abraxas »), on trouve une reprise d’un groupe de blues-rock anglais nommé Fleetwood Mac qui, paradoxalement, va devenir l’archétype du groupe californien. Faut dire que du groupe d’origine seuls Mick Fleetwood (le batteur) et John McVie (le bassiste) ont survécu : ils sont prêts pour une nouvelle métamorphose lorsqu’ils recrutent à Los Angeles début 1975 le duo Lindsey Buckingham (guitare) et Stevie Nicks (chant) dont les harmonies se marient parfaitement avec la voix de l’autre chanteuse (depuis 1970), Christine Perfect. L’album de leur come-back s’intitule simplement « Fleetwood Mac » et il met quinze mois pour parvenir à la première place du classement américain (avec trois tubes, dont Rhiannon). Le suivant, « Rumours », sort en 1977 : il va se vendre à plus de 15 millions d’exemplaires (et, accessoirement, passer huit ans dans les charts britanniques) et ne contient que des hits du calibre de Go Your Own Way, Dreams ou Don’t Stop. Prodigieusement cocaïné le groupe va terminer la décennie avec « Tusk », un double album mégalo qui va en surprendre plus d’un et amorcer sa descente aux enfers…

Godemiché à vapeur

Le groupe Steely Dan tire son nom d’un godemiché à vapeur imaginé par William Burroughs dans son roman Le Festin nu. Il suffit de deux albums, sortis en 1973 (« Can’t Buy a Thrill » et « Countdown to Ecstasy »), pour imposer la richesse mélodique, l’inventivité et l’humour du duo Walter Becker-Donald Fagen, deux New-Yorkais qui vont multiplier les disques de platine jusqu’en 1980 (Do It Again, Rikki, Don’t Lose that Number, Hey Nineteen…), année de leur première séparation, qui va durer treize ans. Également conseillés : les albums solo de Fagen, en particulier « The Nightfly » (1982).

Walk of Fame

Le Star Walk (ou Walk of Fame) est une portion de l’Hollywood Boulevard dédiée depuis 1960 aux stars du cinéma, de la télévision et de la musique, chacune possédant son étoile, sur le trottoir. Dans les années 1980, le maire d’Hollywood a décidé de rendre hommage à un plus grand nombre de musiciens, mais quelques grands noms manquent toujours, tels les Rolling Stones ou Sam Cooke… En revanche on y trouve Johnny Cash, Bill Haley, Hank Williams, Fleetwood Mac, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Crosby Stills Nash & Young, The Monkees, Diana Ross, Ritchie Valens, Ray Charles, Elvis Presley, Peter Frampton, Little Richard, Elton John, Aretha Franklin, Michael Jackson, The Everly Brothers, Smokey Robinson, The Beach Boys, Quincy Jones, Rick Nelson, John Lennon, Tina Turner, Gene Vincent, Chuck Berry, etc.

Le métal lourd vient du
jazz manouche

En 1969, Tommy Iommi est ouvrier dans une usine et guitariste du groupe Earth. Hélas, la veille de partir en tournée, une machine sectionne une bonne partie de deux doigts du musicien, qui voit s’envoler ses rêves de guitar hero, avec l’annulation de la tournée. C’est pour le réconforter qu’un ami lui offre un disque de Django Reinhardt, lui expliquant que le flamboyant guitariste manouche a construit sa virtuosité avec un handicap d’une paire de doigts. Iommi se concentre alors sur son instrument, s’invente un style à base de power chords, et fonde un nouveau groupe, Black Sabbath. Avec Paranoid, le heavy métal est né.

Quelques albums
enregistrés à l’Olympia

L’une des plus belles salles de concerts de notre capitale a une longue histoire : le premier Olympia fut inauguré en 1893 par le fondateur du Moulin-Rouge et du Pari mutuel. Toutes époques confondues, tous les plus grands artistes s’y sont produits. De Mistinguett à James Brown, de Jacques Brel à David Bowie, d’Édith Piaf aux Rolling Stones, de Gilbert Bécaud à Bob Dylan, des Beatles à Madonna, de Johnny Hallyday à Jimi Hendrix. Gérée par Bruno Coquatrix pendant de nombreuses années, la salle à l’acoustique unique, menacée de destruction par des promoteurs immobiliers, fut classée patrimoine culturel en janvier 1993 par Jack Lang et reconstruite à l’identique, quelques mètres plus loin sur le boulevard des Capucines. Elle est la propriété du groupe Vivendi depuis l’année 2001. On ne compte pas les chanteuses et chanteurs français qui ont publié un « Enregistrement public à l’Olympia ». Côté international, ils sont moins nombreux, mais on peut citer quelques-uns des plus prestigieux :

Ike & Tina Turner, « Live at l’Olympia », 1971

James Brown, « Love Power Peace Live », 1971

Léon Redbone, « Live at the Olympia Theater », 1992

Jeff Buckley, « Live at l’Olympia », 1995

Screamin Jay Hawkins, « Live at l’Olympia », 1999

Ray Charles, « À l’Olympia », 2000

Playlist et Top 40

Le terme playlist est indissociable des premiers jours des radios spécialisées dans le Top 40, un raccourci inventé pour définir les chansons les plus populaires dans un style musical bien précis. Les programmateurs communiquent une liste restreinte de titres (40, donc) à diffuser à l’antenne. Les grandes heures des radios du Top 40 se situent dans les années 1960 et 1970 aux États-Unis avant de se développer dans le reste du monde. Le format est alors adopté par la grande majorité des radios musicales et devient un standard (quelques radios ont essayé d’adopter le format Top 20 ou Top 30, mais les titres revenaient trop souvent à l’antenne et lassaient les auditeurs pas encore totalement lobotomisés). Revenu à la mode avec le développement du téléchargement, le terme « playlist » définit désormais n’importe quelle sélection de titres compilés sur votre ordinateur ou dans votre baladeur numérique. Les sites de téléchargement aiment à mettre en avant des playlists de célébrités et autres people pour renforcer le lien existant entre le fan et la star. Exemple, la playlist de Franz Ferdinand sur le site iTunes en septembre 2008 :

Bone Machine, PIXIES

Ramblin’Man, HANK WILLIAMS

Da Funk, DAFT PUNK

Sunday, SONIC YOUTH

22 Grand Job, THE RAKES

Can You Get to That, FUNKADELIC

Our Anniversary, SMOG

Holland 1945, NEUTRAL MILK HOTEL

Pochettes d’albums signées
Andy Warhol

THE VELVET UNDERGROUND : « The Velvet Underground & Nico » (1967)

THE ROLLING STONES : « Sticky Fingers » (1971)

JOHN CALE : « The Academy in Péril » (1972)

THE ROLLING STONES : « Love You Live » (1977)

PAUL ANKA : « The Painter » (1977)

BILLY SQUIER : « Emotions in Motion » (1982)

DIANA ROSS : « Silk Electric » (1983)

RETHA FRANKLIN : « Aretha » (1986)

JOHN LENNON : « Meniove Avenue » (1986)

Avant d’être une star, quand il n’était qu’un simple designer, Warhol signa aussi les pochettes d’albums jazz pour J.J. JOHNSON (« Trombone by Three », 1956), JOHNNY GRIFFIN (« The Congregation », 1957) ou KENNY BURRELL (« Blue Lights », 1958), ainsi que d’autres curiosités comme cet album de l’écrivain TENNESSEE WILLIAMS (« Readings From the Glass Menagerie », 1960). Pour en savoir plus lisez Andy Warhol : the Record Covers, 1949-1987, catalogue raisonné (Prestel Publishing, 2008).

Un allumé notoire :
Screaming Lord Sutch

David Edward Sutch, né à Londres en 1940, est frappé de plein fouet par la musique de jeunes, et surtout par Screaming Jay Hawkins, dont il devient une manière de clone britannique. Il commence par (officiellement) transformer son nom en Screamin’Jay Lord Sutch, 3rd Earl of Harrow, et commence à donner des concerts homériques, inventant quelques années avant Alice Cooper et Marilyn Manson un décor de squelettes, potences, cercueils et autres joyeux bazars de trains fantômes. Il commence par enregistrer sous la houlette de Joe Meek, mais il reste dans l’histoire du rock comme un chanteur pitoyable, coupable de disques approximatifs. Son hit le plus plausible est Jack the Ripper, qui sera repris bien plus tard par The White Stripes, The Black Lips et The Horrors, des groupes des années 2000. Le plus grand mérite de Lord Sutch, outre son goût du déguisement (ses musiciens et lui pouvaient jouer grimés en légionnaires romains), c’est d’avoir utilisé les talents de futurs grands du rock. Ritchie Blackmore est son guitariste avant d’aller fonder Deep Purple, son album « Lord Sutch & Heavy Friends » (1970) est produit par Jimmy Page, qui joue aussi dessus, avec John Bonham (Led Zep), Jeff Beck, Noel Redding (Jimi Hendrix) ou Nicky Hopkins, l’un des pianistes des Stones. Pour l’album suivant, « Hands of Jack the Ripper », il convoque Blackmore, Keith Moon (Who), Redding et quelques autres pour l’accompagner durant un show, mais ne les prévient pas que celui-ci va être enregistré en vue d’un disque live, ce que ses musiciens découvrent quand il est dans les bacs ! Il roulait dans un corbillard surmonté d’un alligator rose qui clignait de l’œil et provoquait ainsi de nombreux accidents. Tout en continuant mollement sa carrière dans le rock’n’roll, il s’intéresse ensuite à la politique et se présentera une quarantaine de fois aux élections, fondant en 1983 l'Official Monster Raving Loony Party (quelque chose comme « le parti officiel des monstres errants et timbrés »), proposant sa candidature à chaque scrutin jusqu’à son suicide par pendaison, en 1999.

Que de la gueule !

Célèbre dans les années 1970 pour ses soli de guitares échevelés, l’ineffable Ted Nugent l’est surtout, depuis une vingtaine d’années, pour ses déclarations fracassantes, démontrant à la fois une nette déficience neuronale sévère et des penchants prononcés pour toutes les thèses d’extrême droite les plus rances. Le matamore, dont le loisir favori reste la chasse (à l’arc !) au gibier qu’il dévore goulûment, n’avait pourtant guère de répondant sous le pagne en cuir brut lorsque, dans les sixties, il fut incorporé par l’armée, qui à l’époque avait coutume d’envoyer ses très jeunes recrues combattre au Vietnam. Un mois avant l’incorporation, et dans le but avoué de se faire réformer, Ted (alias Gonzo) abandonna toute idée d’hygiène élémentaire, se gavant de junk food et boycottant l’usage des commodités. Quand il arriva devant le sous-of, les vêtements raides de crasse et de déjections, il fut renvoyé fissa vers ses foyers. Plus tard, il commenta cette attitude de foie jaune en expliquant : « Si j’étais parti, j’aurais buté tout le monde, les hippies et les Viêts ! » Depuis, il a mis sur le marché un ouvrage remarquable sur l’art de tuer et d’accommoder soi-même son gibier, écrit avec sa femme sous le titre Kill It & Grill It (tuez-le et grillez-le !). Un duo avec la militante végétarienne Chrissie Hynde (Pre-tenders) n’est pas programmé dans un futur proche.

Des chansons qui ont été à
nouveau des tubes, parfois
des dizaines d’années après
leur sortie initiale, grâce
à des pubs pour des
jeans Levi’s

SAM COOKE, Wonderful World

MARVIN GAYE, I Heard It Through the Grapevine

PERCY SLEDGE, When a Man Loves a Woman

EDDIE COCHRAN, Come on Everybody

RONETTES, Be My Baby

MUDDY WATERS, Mannish Boy

STEVE MILLER, The Joker

CLASH, Should I Stay or Should I Go ?

JOHNNY CASH, Ring of Fire

SCREAMIN’ JAY HAWKINS, Heartattack & Vine

ERMA FRANKLIN, Piece of My Heart

B. B. KING, Ain’t Nobody Home

BEN E. KING, Stand by Me

Ça vient de là, ça vient du blues

Hoochie Coochie : féticheur ou personne douée de pouvoirs magiques (I’m Your Hootchie Cootchie Mon, Muddy Waters).

Honky Tonk : bistrot, dancing, tripot et style de musique joué dans les bordels des grandes villes du sud des États-Unis (Honky Tonk Woman, The Rolling Stones ; Honky Tonk Blues, Hank Williams).

Yakety Yak : jacasser, cancaner, dans l’argot noir (Yakety Yak, The Coasters).

Mojo : dans l’argot noir, désigne des produits stupéfiants mais a aussi une connotation sexuelle (Got My Mojo Working, Muddy Waters).

Wham Bam Thank You Mam : littéralement « Merci m’dame ». Terme utilisé dans le temps par les Noirs, dit-on, après avoir consommé une passe avec une prostituée (Wham Bam Thank You Mam, The Small Faces ; Suffragette City, David Bowie).

Chienne en chaleur

Les raisons qui ont poussé Janis Joplin à quitter son groupe, Big Brother and the Holding Company, sont variées, mais elles furent cristallisées par un incident lors d’un des tout derniers concerts de la diva texane avec Big Brother, au printemps 1968. Exaltée par la foule et, sans doute, les liqueurs sévères auxquelles elle était accoutumée, Janis en fit des tonnes lors d’un morceau, façon chienne en chaleur. Lascive, enroulée autour du micro, feulant, incarnation du blues dans sa dimension la plus moite, elle finit par énerver son bassiste, Peter Albin, qui s’approcha du micro pour lancer un perfide : Welcome to the Lassie show, qui énerva un tantinet la chanteuse, au point que, dans les loges, l’affaire se régla aux poings. Et Janis prit son envol, seule, pour, hélas, être fauchée en plein vol trop peu de temps plus tard.

Le grand livre des prénoms

Frank Zappa, homme de beaucoup d’imagination, donna à ses enfants des prénoms (et des surnoms) tout aussi tarabiscotés que ses titres d’albums. Dans l’ordre :

Diva « Muffin » Zappa (le muffin étant à Frank ce que le donut est à Homer Simpson).

Moon Unit Zappa (Zappa avait demandé à son épouse, Gail, de choisir impérativement entre Moon et Motörhead !).

Ahmet Emuukha Rodan Zappa (le premier prénom en hommage évident au fondateur des disques Atlantic Ahmet Ertegun).

Ian Donald Calvin Euclid Zappa (surnommé Dweezil, surnom que Zappa avait d’abord donné à l’orteil tordu de Gail !).

À une journaliste, Zappa avait déclaré, avant la naissance de sa première-née : « Si c’est un garçon, nous l’appellerons Burt Reynolds, si c’est une fille, Clint Eastwood ! » On a finalement évité le pire.

Le yéti, le yéti !

Tidify da, sinmah gough dah hep haing ding fum goga-mamo.

Stry da fings thadd awondt oont do butt any il thang thad a wondt meeto.

Shees my nurirng my nu esit seten’ ra mind at a ros reshoo.

I don loo kadang doo my net loohah leten meen you.

Les couplets de Ten Foot Pole, chanson de ZZ Top figurant sur l’album « El Loco » (1981), sont écrits dans une langue bien étrange. Billy Gibbons en aurait eu l’inspiration à la suite d’un trekking de 300 kilomètres, au Tibet, entamé par le guitariste barbu dans le but de retrouver le yéti, l’abominable homme des neiges. Plus tard, il avouera avoir « fait une rencontre avec quelque chose. Je ne sais pas ce que c’était, mais ça m’a inspiré une chanson ».

Douze titres de
James Brown samplés
plus de 600 fois par des rappers et
autres producteurs de musique dansante !

Say It Loud : I’m Black and I’m Proud

(extrait de l’album « Say It Loud : I’m Black and I’m

Proud », 1969).

Funky Drummer

(single de 1970 ; le batteur de James, Clyde Stubblefïeld, est déchaîné ; une boucle de trois minutes de son extase funky, qui figure sur l’album « In the Jungle Groove », a été samplée plus que de raison).

Escapism

(extrait de l’album « Hot Pants », 1971).

Get on the Good Foot

(extrait de l’album « Get on the Good Foot », 1972). Take Some and Leave Some

(extrait de l’album « Payback », 1974).

The Payback

(extrait de l’album « Payback », 1974).

Funky Président

(extrait de l’album « Reality », 1975).

Give It Up or Turn It Loose

(remix d’un single de 1969, extrait de l’album « In the Jungle Groove », 1986).

Get Up Get Into It Get Involved

(idem : ancien single remixé, extrait de l’album « In the Jungle Groove », 1986).

Think (About It)

(extrait de l’album « Female Preacher », par Lyn Collins, 1971, production James Brown).

The Grunt

(extrait de l’album « Food for Thought », 1972). Blow Your Head

(extrait de l’album « Damn Right I’m Somebody », par Fred Wesley & the J. B.’s, 1974, production James Brown).

Au nom de la
République française, je vous fais
chevalier des Arts et des Lettres

RAY CHARLES, 1986

CARLA BRUNI, 2003

BOB DYLAN, 1990

 PETER GABRIEL, 2004

LOUREED, 1992

PATTI SMITH, 2005

DAVID BOWIE, 1999

ÉTIENNE DAHO, 2006

IGGY POP, 2003

 BOB GELDOF, 2006

BONO, 2003

 STING, 2007

Un nom qui fait
mauvais genre

Les aficionados de Jean-Jacques Burnel et Hugh Cornwell le savent, leur groupe favori, avant de raccourcir son nom en The Stranglers, s’appelait The Guilford Stranglers. Le mauvais goût de ce choix réside dans le fait qu’au moment où ils donnaient leurs premiers concerts sous ce nom, sévissait dans ce même quartier de Londres un sérial killer, nommé également The Guilford Strangler par la presse. Les familles des victimes ont grandement apprécié !

L’article 126

Dans les années 1980, alors que Van Halen déchaînait les foules, les médias faisaient les gorges chaudes d’une exigence du groupe : l’article 126 de la liste fournie aux organisateurs de concerts, celle qui énumère les souhaits et besoins des musiciens. Ce fameux article exigeait la présence dans les loges d’un saladier rempli de M & M’s, dont on aurait au préalable retiré tous ceux de couleur marron, sous peine d’annulation du concert (et de paiement du cachet quand même). Ce qui ressemble fort à un caprice de star, et qui faisait bien rire les membres de Van Halen, était aussi justifié par le fait que c’était le moyen idéal de vérifier que l’organisateur avait bien lu la check-list jusqu’au bout. Parce que après cet article 126 en figuraient d’autres, des exigences techniques et de sécurité, incontournables pour ces concerts déplaçant des tonnes de matériel dans des stades gigantesques.

Tout est à vendre

Récemment reformé pour cagnotter quelques millions de dollars de plus, le groupe Kiss, outre son phénoménal succès générationnel qui marqua les années 1970 et 1980, principalement aux États-Unis, reste le champion toute catégorie du merchandising. Johnny Hallyday et Snoop Dogg n’ont qu’à bien se tenir : au faîte de sa gloire, Kiss vendait, estampillé des trognes maquillées de ses membres et du fameux logo, rien moins que ce qui suit :

– des figurines ;

– des cartes de crédit (émises par la First Bank of America) ;

– des puzzles et jeux divers, dont Kiss-Opoly, dérivé du Monopoly ;

– du café ;

– un modèle de cercueil à 4 500 dollars, reconverti en glacière à bière, faute de preneur ;

– des confiseries variées ;

– des lampes ;

– des jeux vidéo ;

– des vêtements et accessoires (T-shirts, chemises, ceintures, etc.) ;

– des briquets Zippo ;

– des préservatifs ;

– des masques d’Halloween ;

– une ligne cosmétique pour hommes (Kiss Him : lotions, crèmes, savons, gel douche, déodorant, shampoing, eau de Cologne, avant-et après-rasage…) et femmes (Kiss Her : la même chose, l’avant-et l’après-rasage en moins) ;

– des comix, dont le marketing prétendait que les membres de Kiss avaient versé un peu de leur sang dans l’encre qui servait à les imprimer !

Mais qui a tué
Kurt Cobain ?

Officiellement, le leader de Nirvana et héros du grunge a été retrouvé mort par un électricien en visite dans sa maison de Seattle, le 8 avril 1994, un fusil à ses côtés et une note d’adieu. L’autopsie conclut à un « suicide par arme à feu ayant tiré dans la tête », daté du 5 avril précédent. Mais des éléments découverts a posteriori ont fait naître et alimenter des doutes chez les fans du sacrifié, qui par ailleurs s’était échappé le 1er avril de son centre de désintoxication à Marina Del Ray, et avait déjà tenté de se suicider en Italie quelques semaines plus tôt :

– Aucune empreinte, ni sur le stylo ni sur le fusil.

– La douille aurait dû se retrouver à droite du corps et non à gauche.

– L’autopsie a révélé que son corps contenait trois fois la dose létale d’héroïne pour un addict, ce qui rend hasardeuse l’utilisation d’un fusil.

– La note d’adieu, qui se termine sur une citation de Neil Young, aurait été expertisée par des graphologues comme contenant deux écritures distinctes. Il y aurait eu une seconde note, ce que Courtney Love a révélé par inadvertance dans une interview.

– Dans son documentaire sulfureux, Kurt & Courtney, Nick Broomfield interroge un certain Eldon « El Duce » Hoke, membre d’un groupe local de Seattle, The Mentors, qui révèle que Courtney Love lui aurait offert 50 000 dollars pour assassiner Cobain, ce qu’il a refusé. Il ne peut confirmer, étant passé sous les roues d’un train quelques jours après cette interview.

Un canular et des ovidés

En 1969, le critique Greil Marcus, dans l’idée de rire un peu et de démontrer que le rock business est constitué à 90 % de hype et 10 % de bullshit, décide de chroniquer dans le magazine Rolling Stone l’album des Masked Marauders, un super-groupe composé de rien moins que Dylan (Bob), Lennon (John), McCartney (Paul), Harrison (George) et Jagger (Mick). Les titres de chansons annoncés sont délibérément grotesques, mais les lecteurs écrivent en masse pour réclamer plus d’informations ! Poussant le vice à fond, Marcus recrute un obscur groupe de Berkeley pour lui faire enregistrer cet album, dont il écrit lui-même les notes de pochette, de façon que plus personne n’ait de doutes sur le fond de l’histoire. Warner Bros offre illico 15 000 dollars d’avance aux faux-vrais Masked Marauders : l’album trouva plus de 100 000 acheteurs. Marcus avait prouvé qu’il avait raison. Dans un ordre d’idée un peu semblable, feu Lionel Rotcage, au début des années 1980, démarcha toutes les maisons de disques de Paris, avec les maquettes d’un groupe dont il prétendait s’occuper, pour leur trouver un contrat. Une fois refusé partout, il révéla dans Rock & Folk que les chansons étaient en fait chantées par Téléphone, alors au sommet de leur gloire et vendant des disques par wagons. Personne ne les avait reconnus… Info ou intox ?

Klaatu ?

Klaatu était un duo pop canadien plutôt sophistiqué qui vendit plein d’exemplaires de son premier album, paru en 1976 (notes de pochette minimales, pas de communiqué de presse), parce que la rumeur avait couru qu’il s’agissait des Beatles reformés sous un autre nom (de fait, les harmonies de la chanson Sub-Rosa Subway ressemblent beaucoup à celles des Fab Four).

Lunettes noires

Deux stars du rock ne quittent jamais leurs lunettes noires : Ian Hunter, le chanteur de Mott the Hoople, et Graham Parker. Tous deux pour la même raison : non pas parce que c’est super-cool de porter des lunettes noires quand on est rocker, même la nuit, mais parce qu’ils ont un œil qui dit merde à l’autre. Pareil pour Patrick Eudeline, en France.

Un rocker raté, un taré réussi

Le nom de Manson est évidemment célèbre, parce que Marilyn Manson réunit dans son pseudo deux extrêmes parmi les symboles de la seconde moitié du XXe siècle : Marilyn Monroe et Charles Manson. Ce dernier, avant de passer à la terrible postérité que lui valut le massacre qu’il initia, où l’actrice Sharon Tate (enceinte de son mari Roman Polanski) et quelques autres périrent, avait préalablement passé quelques années à rôder dans le milieu folk et pop de Los Angeles. Neil Young, qui fut brièvement ami avec lui, a déclaré un jour qu’il avait « une étrange musique en lui, que personne d’autre ne faisait. Il était une sorte de poète ».

La légende veut qu’il ait été recalé au casting des Monkees, en 1965 (comme Stephen Stills, d’ailleurs). C’est hautement improbable (il était en prison), mais ensuite, le gourou du mal a tout essayé. C’est par le biais de Dennis Wilson, batteur des Beach Boys, qu’il va enchaîner les tentatives : Dennis, durant l’été 1968, prend en stop deux filles et les ramène chez lui, mais le temps d’aller enregistrer deux, trois trucs en studio, il se retrouve bientôt avec toute la famille satanique de Manson squattant sa villa, et vu l’ambiance, il a la trouille de les virer. Vu les menaces, il va même leur laisser la maison durant un an, allant vivre ailleurs, dans un air plus sain, tout en restant sous la coupe du gourou, payant les soins dentaires de la tribu, et faisant son possible pour introduire Manson dans le show-biz. Wilson lui présente son producteur Teny Melcher, qui vit avec l’actrice Candice Bergen, dans la maison même où le massacre aura lieu l’année suivante ! Manson passe une audition, se présente à des essais pour un film, mais se fait jeter des deux projets, en concevant une colère qu’il ira assouvir plus tard de façon sanglante. Comme il écrit aussi des chansons, il les propose aux Beach Boys, avec un couteau à la main. Du coup, ceux-ci trouvent une de ses chansons « très sympa », au point de l’enregistrer. Cease to Exist, rebaptisée Never Learnt Not to Love, sort en face B du 45 tours Bluebirds Over the Mountain et se classe 61e du Top 100 au Billboard. Peu au fait des coutumes et des royalties, Manson exige d’être payé sur-le-champ, et réussit à se faire donner 100 000 dollars, en cash et en objets variés, par Wilson ! Avant le massacre, il avait enregistré un album, dont la distribution démarre discrètement en même temps que son procès, sous le titre « Lie : The Love and Terror Cuit » : l’opération, de très mauvais goût, se solde par un flop manifeste (quelques centaines de copies vendues seulement). Les Guns N’Roses, pour faire les malins, en tireront une reprise (la chanson Look at Your Game, Girl) en guise de « titre caché » sur l’album « The Spaghetti Incident ? ». AxI Rose a plusieurs fois exhibé des T-shirts à l’effigie de Manson durant des concerts…

On t’a reconnu,
sous ton déguisement

Les disques de faux groupes dissimulant des vrais sont légion dans l’histoire du rock. En Angleterre, le 1er avril 1985 (!) sort un mini-LP des Dukes of Stratosfear, nommé « 25 O’Clock ». Le son et l’ambiance sont purement sixties, et tout le monde croit avoir affaire à l’exhumation d’un groupe oublié contemporain des héros de Carnaby Street (Kinks, Who et consorts). Sauf qu’il s’agit des XTC d’Andy Partridge et Colin Moulding sous pseudo ! The Dukes of Stratosfear sortiront un autre album en 1987, « Psonic Psunspot », avec autant de succès, avant d’arrêter la plaisanterie.

Il y a de l’emploi dans
la métallurgie
(ils ont tous été chanteurs de Black Sabbath)

Dave Walker (Fleetwood Mac, Savoy Brown)

Ozzy Osbourne

Ronnie James Dio (Elf, Rainbow, Dio)

Ian Gillan (Deep Purple, Ian Gillan Band, Episode Six…)

Tony Martin (Rondinelli, Phenomena, Empire…)

Rob Halford (Judas Priest, Halford…)

David Donato (White Tiger)

Glenn Hughes (Deep Purple, Trapeze, Brazen Abbot…) Ray Gillen (Badlands, Phenomena…)

Sauce tomate

Il est de notoriété publique que les Guns N’Roses étaient avant tout un sacré ramassis de junkies, que le succès phénoménal de leur album « Appetite for Destruction » autorisait à satisfaire économiquement toutes leurs dépendances. En 1989, une lubie du chanteur Axl Rose fait envoyer le groupe vivre quelques mois à Chicago (il y est né, mais ne les rejoint que plus tard), où ils se nourrissent essentiellement de plats italiens en boîte et de substances variées. Le batteur Stephen Adler n’est pas en reste, qui sécurise ses réserves de cocaïne dans le frigo commun, et s’y réfère comme les spaghettis ! Viré du groupe quelques mois plus tard, il intente un retentissant procès aux Gunners, qu’il accuse de l’avoir rendu accro (ben voyons !). Au procès (où il gagne le coquet dédommagement de plus de 2 millions de dollars), son avocat lance un jour : « Monsieur Adler, parlez-nous de l’incident des spaghettis. » Entendant cela, le bassiste Duff McKagan éclate de rire et propose ce titre pour leur nouvel album, qui s’intitule donc « The Spaghetti Incident », et nous offre l’une des plus immondes pochettes de l’Histoire.

Le blues du
croque-mort

Comment meurent les pionniers du blues ? Jeunes et de façon brutale, jugez plutôt :

Blind Lemon Jefferson (1894-1929) : plusieurs théories s’affrontent. Il aurait été empoisonné par un café offert par une maîtresse jalouse. Ou bien il aurait été tué et dévalisé par quelqu’un qui lui indiquait le chemin d’une gare, alors qu’il transportait du cash provenant de quelques concerts. Ou encore il serait mort de froid dans sa voiture lors d’une tempête de neige. Une chose est sûre, il n’est plus de ce monde depuis belle lurette…

Robert Johnson (1911-1938) : empoisonné à 27 ans par une bouteille de whisky coupé à la stiychnine, tendue par un mari jaloux alors qu’il chantait dans un bouge.

Sonny Boy Williamson (1914-1948) : tué lors d’une agression dans une rue de Chicago, alors qu’il rentrait chez lui après un show.

Little Walter (1930-1968) : pendant l’entracte d’un show à Chicago, dans un club, alors qu’il prenait un peu l’air, une bagarre éclata. Emmené à l’hôpital, il mourut le lendemain matin des coups reçus.

Des prénoms qu’il faut défendre,
quand on entre au CP

Zowie Bowie (fils de David, se fait appeler Joe, ou Jœy, depuis l’âge de 12 ans)

Zak Starkey (fils de Ringo Starr

 Fifi Trixibelle, Peaches Honeyblossom Michelle Charlotte Angel Vanessa et Pixie (filles de Bob Geldof) et Heavenly Hiraani Tiger Lily (fille de Michael Hut-chence), toutes quatre filles de Paula Yates

Elijah Blue et Chastity (filles de Cher)

Serafina Watts (fille de Charlie Watts)

Misty Kyd (fille de Sharleen Spiteri)

Chelsea Hôtel

Construit en 1883 en plein milieu du quartier des théâtres, le Chelsea Hôtel est à l’origine une coopérative gérant des appartements. Il ne se transforme véritablement en hôtel qu’à partir de l’année 1905. Premier site de la ville de New York à être le repaire de nombreuses générations d’artistes, écrivains, cinéastes, musiciens, l’hôtel est depuis 1945 la propriété de la famille Bard jusqu’à son éviction en juin 2007. Situé au 222 West 23rd Street entre la Septième et la Huitième Avenue, le Chelsea Hôtel a bâti sa réputation sur les longs séjours qu’y effectuèrent de nombreux résidents. Au fil des ans, on a pu y croiser Mark Twain, William Burroughs, Charles Bukowski, Allen Ginsberg, Andy Warhol, Arthur C. Clarke (il y écrit 2001 Odyssée de l’espace), Dylan Thomas (il y meurt en novembre 1953), Simone de Beauvoir mais aussi Joni Mitchell, Bob Dylan (il y compose Sad Eyed Lady of the Lowlands pour l’album « Blonde on Blonde »), Leonard Cohen, Patti Smith, Sid Vicious qui, le 12 octobre 1978, y assassine sa compagne Nancy Spungen. Petite sélection de chansons rendant hommage à cet hôtel mythique :

Chelsea Hôtel 2, LEONARD COHEN

Chelsea Morning, JONI MITCHELL

Chelsea Girls, Nico

Chelsea Burns, KEREN ANN

Hôtel Chelsea Nights, RYAN ADAMS

Chelsea Hôtel ’78, ALEJANDRO ESCOVEDO

Edie (Ciao Baby), THE CULT

Chelsea, COUNTING CROWS

Peut-on réserver une chambre à
l'Hotel California ?

La très célèbre chanson des Eagles a connu moult exégèses, d’aucuns y voyant des paroles cryptosatanistes, d’autres des allusions à diverses périodes de l’Histoire. Mais l’endroit existe-t-il vraiment ? Les Eagles n’en ont jamais donné l’adresse, mais ont laissé les analystes déterminer qu’il pourrait s’agir du Beverly Hôtel, délicat palace à l’architecture mexicaine et peint en rose, où les stars hollywoodiennes de la haute époque venaient s’encanailler. C’est d’ailleurs celui que l’on voit, photographié sur la pochette de l’album. Mais d’autres sont persuadés qu’il s’agit plutôt du Camarillo State Hospital, un asile de fous en activité entre les années 1930 et les années 1990, situé à la lisière de Los Angeles. À moins que l’Hôtel California ne soit en réalité la Cook County Jail à Chicago, une prison située sur… California Street, d’où son surnom d’Hôtel California par les malfrats de l'Illinois. On a aussi suggéré la Playboy Mansion de Hugh Hefner, ainsi qu’une villa de Timothy Leary, l’apôtre lysergique, comme étant les lieux évoqués dans ce tube qui réjouit encore aujourd’hui les campings, les bals popu et les radios oldies du monde libre.

Au repos du guerrier :
les groupies les plus fameuses
de l’histoire du rock !

Pamcla Des Barres, née Pam Miller, auteur de quelques livres de souvenirs comme I’m With the Band, autobiographie salace parue aux États-Unis en 1987 et en France en 2006 sous le titre Confessions d’une groupie. Membre des fameuses GTO’s (voir ci-dessous), est munie d’un tableau de chasse impressionnant (Frank Zappa, Alice Cooper, Jim Morrison, Robert Plant, Jimmy Page, dont elle fut un temps la fiancée officielle, avec mariage annoncé, puis Noel Redding, Rod Stewart, Keith Moon, Gram Parsons, Captain Beefheart, Chris Hillman, etc.). La liste exhaustive, qui inclut aussi des acteurs comme Don Johnson, figure dans son livre – y compris le chanteur du groupe Detective Michael Des Barres, qui l’a épousée en 1977 (mais qu’elle a quitté quinze ans plus tard parce qu’il était infidèle… un comble !).

Connie Hamzy, institutrice de l’Arkansas, évoquée dans une chanson de Grand Funk Railroad, s’était fait une spécialité dans les batteurs (Keith Moon des Who, John Bonham de Led Zep), mais aussi Alice Cooper, quelques membres des Eagles, et un certain saxophoniste du nom de Bill Clinton, sénateur de l’Arkansas qui aurait été président des États-Unis (anecdote rapportée dans sa bio non autorisée).

Barbara Cope, Texane, est surnommée Butter Queen (la reine du beurre) dans la chanson Rip This Joint des Rolling Stones (elle aurait couché avec Mick Jagger, Donovan, Joe Cocker, Elton John [!], David Cassidy…).

Lizzie Bravo, Brésilienne, et sa copine Gayleen Pease, 16 et 17 ans en 1968 quand les Beatles leur font chanter les notes hautes sur Across the Universe. Surnommées les Apple Scruffs, elles sont en faction devant les studios Apple, du matin au soir, pour tenter d’alpaguer un Fab Four. George Harrison leur dédiera une chanson, judicieusement intitulée Apple Scruffs sur l’album « All Things Must Pass ».

Les GTO’s (Girls Together Outrageously, ou tout autre sigle possible), furent artificiellement réunies en « groupe de rock » par leur mentor Frank Zappa, qui leur fit enregistrer un album inaudible et les prit en tournée en première partie des Mothers of Invention. Les GTO’s eurent un personnel fluctuant : Christine Frka, alias Miss Christine, nounou des enfants Zappa, ex-fiancée du jeune Alice Cooper, overdosée en 1972. Mais aussi Miss Mercy, Miss Lucy, Miss Sparkie, Miss Cynderella, Miss Sandra, etc.

Les Plasters Casters, et surtout Cynthia Plaster, évoquée dans la chanson Plaster Caster de Kiss, ne sont pas à proprement parler des groupies, mais on devine que l’objet de leur quête artistique (mouler le sexe des rock stars, en érection de préférence), débutée en 1968, les apparente à cette… caste ! Sur leur site, on peut aujourd’hui acquérir, pour quelques milliers de dollars, d’émouvants souvenirs turgescents de Jimi Hendrix ou Wayne Kramer, d’après les moulages originaux.

Bebe Buell, groupie de haut vol (Todd Rundgren, Stiv Bators, David Bowie, Iggy Pop, Steven Tyler, Jimmy Page, Elvis Costello…), est la maman de Liv Tyler qui crut longtemps être la fille de Todd Rundgren jusqu’à ce que sa maman lui présente son père biologique en la personne du chanteur d’Aerosmith.

Sable Starr (The Stooges, Johnny Thunders, Richard Hell, Slade, Bowie…) et Lorie Maddox (David Bowie,Angie Bowie, Jimmy Page…).

Cookie Muller (tout ce qui passait à sa portée à San

Francisco durant la grande époque).

The Flying Garter Girls, quatre filles de Portland, dans les années 1970, dont le leader, Pennie Trumble, aurait inspiré le personnage de Penny Lane dans le film Almost Famous de Cameron Crowe.

Devon Wilson, une Noire de New York (Mick Jagger, Eric Clapton, Brian Jones, Jimi Hendrix…).

Nico, Allemande et légende, membre de la première incarnation du Velvet Underground, est une musicienne respectée (mais sinistre) et une junkie notoire. À son tableau de chasse, elle a quand même inscrit (entre autres) Jim Morrison, Iggy Pop, Brian Jones, Leonard Cohen, Bob Dylan, Alain Delon (leur fils, Ari Boulogne, s’est plaint dans un livre paru en 2001 de n’avoir jamais vu son père, à qui il ressemble).

Cyrinda Foxe (David Bowie, The Stooges, David Johansen, Steven Tyler…).

Connie Gripp (New York Dolls, Ramones…).

Nancy Spungen (New York Dolls, Iggy Pop, Keith Richards, la scène du CBGB, Sid Vicious, qui la zigouille).

Karrine Steffans (surnommée superhead : super-pipe), la star actuelle, venue du porno, collectionne les sportifs de haut niveau et le gratin du rap américain (deux livres de mémoires à moins de 30 ans, mais elle a déjà quelques heures de vol).

À la hauteur de sa légende

Durant la tournée française de Bruce Springsteen, en 1985, le Boss, auréolé de sa gloire et des millions du succès de Born in the USA, se délestait d’un chèque de 10 000 dollars établi à l’ordre du Secours catholique.

Des filles inspirantes

On connaît les égéries sixties (Anita Pallenberg, Zouzou, Marianne Faithfull, Amanda Lear…), mais cette race de demoiselles un peu artistes et très sensibles au charme des rockers a perduré depuis. En voici quelques-unes…

Patsy Kentsit : comédienne (L’Arme fatale 2), chanteuse avec le groupe Eighth Wonder, fréquente Gary Kemp (Spandau Ballet), épouse Dan Donovan de Big Audio Dynamite à 19 ans, puis Jim Kerr de Simple Minds (un fils), puis Liam Gallagher d’Oasis (un autre fils, prénommé John Lennon !), dont elle a divorcé en 2000. Depuis elle collectionne les acteurs, chefs à la mode, animateurs télé, elle a même failli se remarier avec le rapper Killa Kela et le DJ Jeremy Healy.

Lisa Moorish : fille d’un père accro au crack, belle-fille d’un éclairagiste de Steel Puise, elle a un tube à 17 ans avec Rock to the Beat, se fait la main sur le boys band Bros, puis elle a une fille avec Liam Gallagher d’Oasis, et un garçon avec Pete Doherty. Elle chante avec le groupe Kill City.

Amanda de Cadenet : actrice, mannequin, présentatrice télé des années 1980, jet-setteuse, fille d’un pilote automobile. Elle sort avec Nathan Moore de Brother Beyond, puis épouse John Taylor de Duran Duran (un enfant), passe à Keanu Reeves, puis Dave Gahan de Depeche Mode. Elle épouse Nick Valensi des Strokes en 2006 (des jumeaux).

Paula Yates : modèle nu, animatrice télé, photographe, journaliste, elle épouse Bob Geldof des Boomtown Rats, futur Monsieur Live Aid (dont elle a trois filles aux prénoms exotiques, voir ci-dessus), puis le quitte pour Michael Hutchence (INXS) avec qui elle a une autre fille. Après le suicide (ou accident) du chanteur australien, elle se fiance un temps avec Finlay Quaye, rencontré dans une clinique de rehab (no, no, no) tente de revenir dans le circuit, puis meurt d’overdose en 2000.

Carmen Elektra : bombasse californienne, repérée dans Alerte à Malibu, présentatrice sur MTV, mannequin de lingerie, sa liste des « ex » est glorieuse : Prince, B. Real (Cypress Hill, qui finance ses implants mammaires), Kid Rock, Fred Durst (Limp Bizkit), Tommy Lee (Motley Crüe), Karl McGrath (Sugar Ray), Dave Navaro (Jane’s Addiction, Red Hot Chili Peppers), Joan Jett (!), Rob Patterson (Korn)… Et c’est pas fini.

Elvis à Paris

On le sait, Elvis Presley n’a jamais chanté ailleurs que sur le territoire des États-Unis, et donc encore moins en France. Quoique… En 1959, en permission durant son service militaire en Allemagne, le King est en virée parisienne avec quelques camarades de chambrée. On les voit ainsi au balcon du Casino de Paris où se donne en spectacle la toujours jeune Line Renaud, dont la revue Paris accueille en première partie le Golden Gate Quartet. Invité dans les loges par Loulou Gasté, Elvis tombe en arrêt devant la guitare Selmer de ce dernier. L’ambiance étant à la décontraction, Elvis va rester cinq heures durant dans la loge, à chanter les spirituals de son enfance, avec le renfort du Golden Gâte, accouru pour l’occasion. Aucun magnétophone ne s’étant manifesté, il n’existe pas de trace de ce seul et unique concert parisien de l’idole.

Quart d’heure rétro

Nous sommes en 1973. La mode glam a remis les paillettes au goût du jour, le cinéma a réhabilité le look des années 1920 ou 1930 (Chinatown, Borsalino, L’Arnaque). Nous sommes mûrs pour des mélodies rétro. Avec leurs sourires provocants à la Joséphine Baker et leurs robes des années folles, les Pointer Sisters remettent au goût du jour le Salt Peanuts de Dizzy Gilles-pie ou le Wang Dang Doodle de Willie Dixon. Produite par Barry Manilow, on découvre aussi Bette Midler qui, bien avant de devenir une star du cinéma (avec entre autres The Rose, où elle incarne Janis Joplin, en 1979), s’impose dans le music-hall : elle chante les Andrews Sisters (Boogie Woogie Bugle Boy [of Company B.], un tube de 1941) puis Glenn Miller (In the Mood) et son show, épicé de sketches salaces (elle cite généreusement Sophie Tucker, une chanteuse et comique des années 1920), fait courir les foules aux États-Unis. Héritier des groupes vocaux be-bop autant que du doo-wop des fîfties, Manhattan Transfer étonne par ses prouesses harmoniques et publie des albums somptueux dès 1975 ; deux ans plus tard le groupe obtient un hit-surprise avec Chanson d’amour et en 1979 adapte Birdland, l’hommage de Weather Report à Charlie Parker. Aux États-Unis toujours, Dr. Buzzard and his Original Savannah Band sortent leurs premiers albums dès 1976 (et grimpent dans les charts avec un medley de Cherchez la femme et C’est si bon). Là aussi, le look est délibérément rétro, dans le genre zoot-suit et le maquereau-latino. On y remarque un certain August Darnell qui, en 1980, fondera Kid Creole & the Coconuts !

Le rock sudiste

Quand vous étiez en mal de boogie teigneux, pendant la première moitié des seventies, vous pouviez compter sur les groupes de rock sudiste. À commencer par l’Allman Brothers Band, révélé par un album brûlant « Live at Fillmore East » enregistré en 1971. La voix et les claviers de Greg Allman, les guitares de son frère Duane et de Dicky Betts imposent un son venu du blues et terriblement efficace. Pas de chance, Duane meurt d’un accident en Harley Davidson en 1971 (bientôt suivi par le bassiste Beny Oakley, au même carrefour !). Ce qui n’empêche pas le groupe de sortir d’autres albums superbes, tels qu’« Eat a Peach » en 1972 ou « Brothers and Sisters » l’année suivante. La réputation du groupe sera ensuite entachée par le mariage grotesque de Greg avec la chanteuse Cher (ils se séparent dix jours plus tard mais se réconcilient le temps d’un album en duo) et par le témoignage du même Greg contre le road-manager de son groupe, accusé (et condamné à soixante-quinze ans de prison) de trafic de drogue (c’est pas bien de cafter). Dans la foulée de l’Allman Brothers Band, on s’intéresse au swamp-rock de Tony Joe White dont les albums nous arrivent au compte-gouttes mais qui ramasse le jackpot lorsque son tubesque Polk Salad Annie est chanté par Elvis Presley. Venu de l’Arkansas comme son nom l’indique, Black Oak Arkansas séduit les teenagers américains grâce au style agressivement macho de son chanteur Jim Dandy (« Rauch’n’Roll Live », 1973). Mais les fans de boogie sont fous de joie lorsqu’ils découvrent Lynyrd Skynyrd, avec ses trois guitaristes et son chanteur Ronnie Van Zant. En 1974, ils obtiennent leur premier tube avec Sweet Home Alabama (repris plus tard en français par Johnny) ; deux ans plus tard leur double live « One More for the Road » est un classique du genre. Le 20 octobre 1977, un accident d’avion coûte la vie au chanteur et à l’un des trois guitaristes. Venus de la côte Ouest et plus nettement influencés par la country, Commander Cody & his Lost Planet Airmen nous amusent beaucoup (l’ultime groupe de balloche ; albums recommandés : « Lost in the Ozone » et « Hot Licks, Cold Steel and Truckers’Favourites »). Du Texas, Doug Sahm crée la sensation surtout quand il nous la joue tex-mex avec le fameux Sir Douglas Quintet. C’est du Texas également que nous arrivent ensuite Billy, Dusty et Frankie, alias ZZ Top. Dès son premier album, en 1971, ZZ Top devient le groupe le plus populaire dans les honky-tonk sudistes, alignant jusqu’à 300 concerts par an. En Europe, on le découvre grâce à « Rio Grande Mud » puis « Tres Hombres » (1973, avec La Grange, fidèle description d’un fameux bordel texan). Trois ans plus tard, il tourne pour la première fois en Europe sous la bannière ZZ Top’s Worldwide Texas Tour avec un décor approprié : cactus, bison et vautour vivants, serpents à sonnettes, etc.

Huit groupes de rock sudiste qu’on
regrette mais on manque de place

The Outlaws, Blackfoot, 38 Spécial, Grinderswitch, Molly Hatchet, Atlanta Rhythm Section, Charlie Daniel Band et Marshall Tucker Band !

Chante et mets tes baskets

Qui l’eût cru ? Joe Strummer, éminent et regretté chanteur des Clash, gros fumeur, accro des années durant aux amphétamines, a participé à quelques marathons, dont celui de Paris en 1982, et celui de Londres l’année suivante. On vous rassure, il n’a pas terminé dans les premiers !

Guinness Book

La plus grande guitare électrique du monde, homologuée en 2000, construite par les étudiants de l’université de Monroe, au Texas, mesure 13,29 m de haut, pour 5,01 m de large et pèse 907 kilos. Ce monument, librement inspiré du modèle Flying V de Gibson, rendu célèbre par Jimi Hendrix, était muni de vraies cordes, il fallait juste avoir de très gros doigts pour les manipuler.

L’affiche du Festival punk au 100 Club,
les 20 et 21 septembre 1976, Londres

Le 20 : The Sex Pistols, The Clash, The Subway Sect, Siouxsie & the Banshees.

Le 21 : The Damned, Chris Spedding & the Vibrators, Les Stinky Toys, Buzzcocks.

Dans la salle : Shane McGowan (futur Pogue), Chrissie Hynde (future Pretender), Vivienne Westwood et Malcolm McLaren (organisateur du festival).

Le plastique, c’est fantastique

Ils l’ont tous arboré avec la morgue nécessaire, faisant de cet instrument une sorte de légende du rock’n’roll : Keith Richards, Cyril Jordan (Flamin’Groovies), Tom Verlaine, Ricky Darling (Asphalt Jungle)… C’est la guitare en Plexiglas transparent, créée par le luthier new-yorkais Dan Armstrong, pour la marque d’amplis Ampeg. Ampeg a relancé la fabrication de cet instrument de légende, au Japon, en 1999.

Une égérie active

Caroline Coon a inspiré des chansons (O Caroline, de Robert Wyatt ; London Lady des Stranglers), elle a été journaliste (au Melody Maker), photographe (les pochettes du White Riot des Clash ou du Roxanne de Police), petite amie de Paul Simonon (The Clash, qu’elle a brièvement managé). Prétendant aussi avoir inspiré She Belongs to Me à Bob Dylan, bien que les dylanologues privilégient au choix Joan Baez ou Sara, future femme de Bob, elle a écrit en 1982 The New Wave Punk Rock Explosion, un ouvrage de référence sur la période. Née en 1945, elle est aussi une peintre réputée, exposée dans les meilleures galeries londoniennes. Militante féministe depuis la fin des sixties, Miss Coon signe une œuvre qui, de toute évidence, est ouvertement sexuée.

Le Bromley Contingent

Inventé par Caroline Coon, à l’époque au Melody Maker, ce terme désigne toute une bande de fans qui traînait dans le sillage des Sex Pistols à leurs débuts, avec quelques futures stars comme Sid Vicious, Adam Ant (futur Adam & the Ants), Billy Idol (futur Génération X puis star de MTV en solo) ainsi que Steve Severin et Siouxsee (deux futurs Siouxsie & the Banshees). Le nom provient d’une banlieue de Londres où résidaient certains membres de ce groupe fluctuant. Le Bromley Contingent fut déterminant dans le développement et l’avènement du mouvement punk, suivant leurs idoles à chaque concert. La bande se fit également remarquer lorsque, invitée sur le plateau de l’émission de Bill Grundy sur ITV avec les Sex Pistols, Steve Jones (le guitariste) se mit à insulter copieusement le journaliste (qui l’avait provoqué), le traitant entre autres de dirty bastard, de dirty fucker et même de fucking rotter, ce qui se termina illico par l’annulation de leur contrat avec la maison de disques EMI.

Rigoureusement inécoutable (1)

Il a une sale gueule, un sale caractère, ses chansons sont sinistres, ses disques rigoureusement inécoutables, et pourtant le groupe de Mark E. Smith, The Fall, originaire de Manchester, est une sorte d’institution en Grande-Bretagne. Pour commencer, il détient le record de sessions live enregistrées pour l’émission radio du regretté John Peel : pas moins de vingt-sept Peel sessions entre 1978 et 2004. The Fall détient également le record du nombre d’albums publiés depuis la création du groupe en 1976 : vingt-sept albums studio, trente-quatre albums live, cinq albums mi-live mi-studio, trente-neuf compilations, quarante-quatre singles, neuf extended plays et deux albums de poésie.

Rigoureusement inécoutable (2)

Psychic TV, groupe issu des cendres de Throbbing Gristle et de la mouvance industrielle de la fin des années 1970, animé par le dérangé notoire Genesis P. Orridge (qui porte une vingtaine de piercings au sexe et s’est fait implanter des seins), s’est fait remarquer au milieu des années 1980 en ayant le projet de publier pendant vingt-trois mois de suite, le 23 de chaque mois, vingt-trois albums enregistrés en public. Seize albums furent finalement commercialisés pendant dix-huit mois de suite, tous rigoureusement inécoutables : « Live in Tokyo », « Live in Paris », « Live in Heaven », « Live in Glasgow », « Live in Reykjavik », « Live in Suisse », « Live in Gottingen », « Live in Toronto », « Temporary Temple », « Psychic Violence » (offert aux acheteurs des neuf premiers volumes qui avaient survécu), « Live at Thee Mardi Gras », « Live at the Circus », « Live at Thee Ritz », « Live at Thee Pyramid », « Live in Bregenz », « A Real Swedish Live Show ».

Écrase-merde

C’est le bottier anglais George Cox qui crée les creepers au début des années 1950. Ces étranges chaussures, munies d’une épaisse semelle de crêpe sans démarcation entre la semelle et le talon, deviennent un signe de ralliement des teddy boys, les fans britons de rockabilly. Plus tard, les punks reprendront à leur compte ces pompes voyantes et, ma foi, très confortables.

Écrase-merde (bis)

Les Doc Martens sont sans doute une icône britannique, mais ces chaussures ont néanmoins été inventées par un Allemand, le fameux docteur Klaus Maertens. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, durant laquelle il soignait les soldats sur le front, il se tord la cheville au ski dans les Alpes bavaroises, et lui vient l’idée d’améliorer ses bottes militaires, en y ajoutant des semelles à coussin d’air. En 1947, avec un ami docteur, Herbert Funck, ils fondent une entreprise pour fabriquer ces modèles qui touchent essentiellement une clientèle de femmes âgées. En 1952, le marché est porteur et, en 1959, ils songent à développer la marque à l’étranger. Entre en scène la compagnie anglaise R. Griggs Group, qui achète la licence pour fabriquer les Doc en Angleterre. Le nom est anglicisé en Doc Martens, on ajoute la couture apparente jaune sur la semelle dont le nom AirWair est déposé, et la première Doc british sort en 1960. Populaire chez les postiers, policiers et ouvriers de chantiers, la Doc est adoptée par les skinheads dès les années 1960, puis par les punks qui en font un uniforme, dans la version 8 ou 14 œillets. Même le pape Jean-Paul II en porte dans les années 1980 ! Mais le 1er avril 2003, les ventes ayant fortement décliné, les Doc ne sont plus fabriquées en Angleterre ; les Chinois les fabriquent et acquièrent même la marque. Depuis 2007, une ligne vintage est à nouveau fabriquée sur le territoire de Sa Gracieuse Majesté.

No future

En 1977, le curieux Valéry Giscard d’Estaing demande à la bédéaste Claire Brétécher, qu’il vient de décorer de la Légion d’honneur, ce que veut dire le mot « punk ». « Ça veut dire « rétro avachi », monsieur le Président », répond l’auteur des Frustrés. Pas mal…

Quelques prénoms, de A à Z

Cette liste ne constitue que la pointe de la pointe de l’iceberg : le nombre de prénoms devenus des titres de chansons est proprement ahurissant.

TOMMY JAMES : Adrienne

RITA MITSOUKO : Andy

THE ROLLING STONES : Angie

THE FOUR TOPS : Bernadette

IGGY POP : Candy

SIMON & GARFUNKEL : Cecilia

NOIR DÉSIR : Charlie

THE EVERLY BROTHERS : Claudette

TAJ MAHAL : Corinna

THE BEACH BOYS : Deirdre

BLONDIE : Denis

RANDY & THE RAINBOWS : Denise

THE FRATELLIS : Henrietta

FRANZ FERDINAND : Jacqueline

THE SMITHS : Jeane

EDDIE COCHRAN : Jeannie Jeannie Jeannie

MORIARTY : Jimmy

THE UNDERTONES : Jimmy Jimmy

ROBERT PALMER et PLACEBO : Johnny & Mary

THE KINKS : Lola

THE KINGSMEN : Louie Louie

HUMAN LEAGUE : Louise

JONA LEWIE : Louise

SUPERGRASS : Mary

CHUCK BERRY : Maybellene

FRANZ FERDINAND : Michael

DICK ANNEGARN : Mireille

Bo DIDDLEY : Mona

THE KINKS : Monica

RUFUS WAINWRIGHT : Natasha

THE KAISER CHIEFS : Ruby

THE FOUR SEASONS : Sherry

LEONARD COHEN : Suzanne

RANDY NEWMAN : Suzanne

THE ZUTONS et AMY WINEHOUSE : Valerie

STEVE WINWOOD : Valerie

THE KINKS : Victoria

JONI MITCHELL : Willie

On ira tous au paradis

En écoutant le groupe anglais new wave Heaven 17 (et Vanessa Paradis, bien sûr), on empruntera les escaliers pour le paradis (Stairway to Heaven) avec Led Zeppelin. Puis on ira cogner à la porte (Knockin’on Heaven’s Door) avec Bob Dylan, Eric Clapton, Guns N’Roses ou Avril Lavigne (au choix). On y croisera nos cousins (Monkey Gone to Heaven, Pixies) : parce que ici, au paradis (Heaven, Talking Heads), c’est juste comme au paradis, tu vois (Just Like Heaven, The Cure) et, comme je disais, ici au paradis (Here in Heaven, Sparks) on écoute la chanson n° 1 (Number One Song in Heaven, Sparks). Oui, d’accord, on aurait pu choisir Welcome to Paradise (Green Day) ou Paradise City (Guns N’Roses) et même (If Paradise Is) Half as Nice (Amen Corner), mais pour terminer en beauté ces Miscellanées du rock, on a bien sûr préféré On ira tous au paradis, de Michel Polnareff !

1 « Voici une POCHETTE D’ALBUM. Ce texte est le DESIGN de la pochette. Ce DESIGN a pour but d’aider à VENDRE le disque. Nous espérons retenir votre attention et vous encourager à choisir ce disque. Lorsque ce sera fait, vous serez peut-être convaincu d’écouter la musique. Dans ce cas précis, il s’agit de l’album de XTC Go 2. Puis nous aimerions que vous l’ACHETIEZ. Plus vous serez nombreux à l’acheter, plus notre maison de disques Virgin, lan Reid notre manager et XTC gagneront de l’argent. Une bonne pochette est une pochette qui attire le plus grand nombre d’acheteurs, ce qui vous donne plus de PLAISIR. Ce texte est censé retenir votre attention tout comme le ferait une illustration. Ce design a pour but que vous lisiez ce TEXTE. Cela s’appelle attirer sa victime et vous êtes la VICTIME. Si vous pensez être un esprit libre, vous devez immédiatement cesser de LIRE ce texte car tout ce que nous essayons de faire c’est que vous poursuiviez votre lecture. C’est une véritable contrainte car si vraiment vous vous arrêtez, vous ne ferez que suivre ce que l’on vous ; dit et si vous continuez, vous ne ferez que ce que nous souhaitons depuis le début. Ce sont des ruses et c’est la pire ruse de toutes les ruses puisque nous expliquons la ruse tout en essayant de vous jouer un tour et si vous avez lu ce texte jusque-là, vous avez été piégé, mais vous ne l’auriez pas su si vous n’aviez pas poursuivi votre lecture. Nous avons la franchise de vous le dire au lieu de tenter de vous séduire par un beau visuel qui peut très bien vous laisser indifférent. Nous vous prévenons que vous devez acheter ce disque car par essence il s’agit d’un PRODUIT et les PRODUITS sont destinés à être consommés, vous êtes un consommateur et il s’agit d’un bon PRODUIT. Nous aurions très bien pu écrire le nom de notre groupe en gros caractères pour le mettre en avant et vous l’auriez vu avant même de commencer la lecture de ce texte et vous l’auriez probablement acheté. Ce que nous pensons réellement c’est que vous êtes BÊTE d’acheter ou de ne pas acheter un album en ne vous fiant qu’à sa pochette. C’est une arnaque car si vous partagez notre avis vous devez apprécier ce texte – qui est le design de la pochette de ce disque – et donc la musique qui s’y trouve. Mais nous vous avons prévenu. L’arnaque est une arnaque. Une bonne pochette d’album peut être considérée comme une pochette qui vous fera acheter l’album, mais cela ne VOUS arrivera jamais car VOUS savez qu’il ne s’agit que d’une pochette d’album. Et voici la POCHETTE DE L’ALBUM. »

2 Merci à Patrick Eudeline.

3 Merci à Thierry Lemaire.

4 Merci à Hugues Barrière.

5 Merci à Jean-Emmanuel Deluxe, auteur de Bubblegum & Sunshine Pof, Les Cahiers du rock, Paris, 2008.

6 Merci à Jean-Emmanuel Deluxe.

7 Merci à Hugues Barrière.

8 Et on ne parle pas des Français, sinon on y serait encore demain.

9 Merci à Hugues Barrière.

10 Pratiquement tous les scopitones sont visibles, même si c'est as très légal sur YouTube, ainsi que dans la série Do You Do You Scopitone en trente épisodes, présentée par Mareva Galanter et réalisée par Pascal Forneri (petit-fils de Mamie Scopitone) sur Paris Première, régulièrement rediffusée.